Musica Popular

Publicado el 7 noviembre, 20215 min de lectura

Debra Newman Ham
Guthrie P. Ramsey Jr.

• El auge del ritmo y el blues

• “Crossovers” en la música country

• Sweet Soul Music y Social Revolution

• Psychedelic Soul to Disco

• Rap: de la subcultura al atractivo masivo

• Nuevas direcciones: del nuevo soul al pop-hip hop

• Compositores, músicos y cantantes de música popular

• Ganadores de premios

EL SURGIMIENTO DEL RITMO Y LOS AZULES

La aparición del rhythm and blues o “R&B” marca uno de los desarrollos más importantes de la música popular estadounidense. Antes del rhythm and blues, el estilo swing del jazz se consideraba la música más popular del momento. Artistas como Benny Goodman, Duke Ellington y Count Basie reinaban en la imaginación popular de Estados Unidos y en las listas de ventas de discos. Sin embargo, las cosas empezaron a cambiar a mediados de la década de 1940. El término “rhythm and blues” describe una serie de estilos históricamente específicos que han surgido de la tradición de la música vernácula afroamericana desde mediados de siglo. El ritmo y el blues sentaron las bases para numerosos estilos posteriores, incluidos el rock and roll, soul, disco, funk, jazz fusión, rap y, más recientemente, jazz “suave” (contemporáneo). Los artistas de R&B combinaron las convenciones de varios estilos musicales populares: swing jazz, boogie woogie, gospel blues, blues y, en algunos casos, novedad pop. De la tradición del swing, los músicos de rhythm and blues adoptaron los arreglos de trompeta basados ​​en riffs y los ritmos de conducción de grupos como Count Basie y His Orchestra. La música gospel y blues proporcionó un sistema de técnicas vocales dramáticas, que fueron elaboradas por artistas en gestos personales altamente estilizados. El gospel, el jazz y el blues también proporcionaron formas musicales como canciones de 32 compases y patrones de blues de 12 compases al nuevo estilo. A diferencia de las grandes bandas de la era del swing, los grupos de “jump blues” presentaban menos trompas y un enfoque rítmico pesado marcado por una línea de bajo de boogie andante, solos de saxofón con bocinazos y un patrón de batería de dos por cuatro. Entre los máximos exponentes del jump blues de la posguerra se encontraban el guitarrista T-Bone Walker, el saxofonista Eddie “Cleanhead” Vinson y el cantante de blues Big Joe Turner. novedad pop. De la tradición del swing, los músicos de rhythm and blues adoptaron los arreglos de trompeta basados ​​en riffs y los ritmos de conducción de grupos como Count Basie y His Orchestra. La música gospel y blues proporcionó un sistema de técnicas vocales dramáticas, que fueron elaboradas por artistas en gestos personales altamente estilizados. El gospel, el jazz y el blues también proporcionaron formas musicales como canciones de 32 compases y patrones de blues de 12 compases al nuevo estilo. A diferencia de las grandes bandas de la era del swing, los grupos de “jump blues” presentaban menos trompas y un enfoque rítmico pesado marcado por una línea de bajo de boogie andante, solos de saxofón con bocinazos y un patrón de batería de dos por cuatro. Entre los máximos exponentes del jump blues de la posguerra se encontraban el guitarrista T-Bone Walker, el saxofonista Eddie “Cleanhead” Vinson y el cantante de blues Big Joe Turner. novedad pop. De la tradición del swing, los músicos de rhythm and blues adoptaron los arreglos de trompeta basados ​​en riffs y los ritmos de conducción de grupos como Count Basie y His Orchestra. La música gospel y blues proporcionó un sistema de técnicas vocales dramáticas, que fueron elaboradas por artistas en gestos personales altamente estilizados. El gospel, el jazz y el blues también proporcionaron formas musicales como canciones de 32 compases y patrones de blues de 12 compases al nuevo estilo. Unliketheswing era big bands, grupos de “jump blues” presentaban menos trompetas y un enfoque rítmico pesado marcado por una línea de bajo de boogie andante, solos de saxofón tocando la bocina y un patrón de batería de dos por cuatro. Entre los máximos exponentes del jump blues de la posguerra se encontraban el guitarrista T-Bone Walker, el saxofonista Eddie “Cleanhead” Vinson y el cantante de blues Big Joe Turner. Los músicos de rhythm and blues adoptaron los arreglos de trompeta basados ​​en riffs y los ritmos de conducción de grupos como Count Basie y His Orchestra. La música gospel y blues proporcionó un sistema de técnicas vocales dramáticas, que fueron elaboradas por artistas en gestos personales altamente estilizados. El gospel, el jazz y el blues también proporcionaron formas musicales como canciones de 32 compases y patrones de blues de 12 compases al nuevo estilo. A diferencia de las grandes bandas de la era del swing, los grupos de “jump blues” presentaban menos trompetas y un enfoque rítmico pesado marcado por una línea de bajo andante, solos de saxofón y un patrón de batería de dos por cuatro. Entre los máximos exponentes del jump blues de la posguerra se encontraban el guitarrista T-Bone Walker, el saxofonista Eddie “Cleanhead” Vinson y el cantante de blues Big Joe Turner. Los músicos de rhythm and blues adoptaron los arreglos de trompeta basados ​​en riffs y los ritmos de conducción de grupos como Count Basie y His Orchestra. La música gospel y blues proporcionó un sistema de técnicas vocales dramáticas, que fueron elaboradas por artistas en gestos personales altamente estilizados. El gospel, el jazz y el blues también proporcionaron formas musicales como canciones de 32 compases y patrones de blues de 12 compases al nuevo estilo. A diferencia de las grandes bandas de la era del swing, los grupos de “jump blues” presentaban menos trompas y un enfoque rítmico pesado marcado por una línea de bajo de boogie andante, solos de saxofón con bocinazos y un patrón de batería de dos por cuatro. Entre los máximos exponentes del jump blues de la posguerra se encontraban el guitarrista T-Bone Walker, el saxofonista Eddie “Cleanhead” Vinson y el cantante de blues Big Joe Turner. La música gospel y blues proporcionó un sistema de técnicas vocales dramáticas, que fueron elaboradas por artistas en gestos personales altamente estilizados. El gospel, el jazz y el blues también proporcionaron formas musicales como canciones de 32 compases y patrones de blues de 12 compases al nuevo estilo. Unliketheswing era big bands, grupos de “jump blues” presentaban menos trompetas y un enfoque rítmico pesado marcado por una línea de bajo de boogie andante, solos de saxofón tocando la bocina y un patrón de batería de dos por cuatro. Entre los máximos exponentes del jump blues de la posguerra se encontraban el guitarrista T-Bone Walker, el saxofonista Eddie “Cleanhead” Vinson y el cantante de blues Big Joe Turner. La música gospel y blues proporcionó un sistema de técnicas vocales dramáticas, que fueron elaboradas por artistas en gestos personales altamente estilizados. El gospel, el jazz y el blues también proporcionaron formas musicales como canciones de 32 compases y patrones de blues de 12 compases al nuevo estilo. A diferencia de las grandes bandas de la era del swing, los grupos de “jump blues” presentaban menos trompas y un enfoque rítmico pesado marcado por una línea de bajo de boogie andante, solos de saxofón con bocinazos y un patrón de batería de dos por cuatro. Entre los máximos exponentes del jump blues de la posguerra se encontraban el guitarrista T-Bone Walker, el saxofonista Eddie “Cleanhead” Vinson y el cantante de blues Big Joe Turner. A diferencia de las grandes bandas de la era del swing, los grupos de “jump blues” presentaban menos trompas y un enfoque rítmico pesado marcado por una línea de bajo de boogie andante, solos de saxofón con bocinazos y un patrón de batería de dos por cuatro. Entre los máximos exponentes del jump blues de la posguerra se encontraban el guitarrista T-Bone Walker, el saxofonista Eddie “Cleanhead” Vinson y el cantante de blues Big Joe Turner. A diferencia de las grandes bandas de la era del swing, los grupos de “jump blues” presentaban menos trompetas y un enfoque rítmico pesado marcado por una línea de bajo andante, solos de saxofón y un patrón de batería de dos por cuatro. Entre los máximos exponentes del jump blues de la posguerra se encontraban el guitarrista T-Bone Walker, el saxofonista Eddie “Cleanhead” Vinson y el cantante de blues Big Joe Turner.

El cantante y saxofonista Louis Jordan lideró un conjunto de jump blues sumamente popular que presentaba su canto, que era un estilo vocal suave influenciado por el gospel. En 1949, la popularidad del estilo defendido por Jordan y otros llevó al productor Jerry Wexler, que trabajaba en la revista Billboard, a cambiar su título de lista de pop afroamericano a rhythm and blues, acuñando así el nombre de esta nueva música. El nuevo sonido, originalmente llamado “jump blues” y más tarde rhythm and blues, resultó extremadamente popular más allá de la comunidad afroamericana, marcando uno de los muchos momentos importantes de “cruce” en la historia de la música popular estadounidense. La fusión de técnicas musicales que distinguieron el ritmo y el blues está relacionada con el contexto socio-histórico específico de la América de mediados de siglo. Debido a una amplia oferta de puestos de trabajo causada por la Segunda Guerra Mundial, sureños negros y blancos inundaron el norte en busca de nuevas oportunidades y oportunidades de vida. Esta migración creó un cambio dramático en la demografía de las principales ciudades del norte, medio oeste y oeste. La floreciente economía estadounidense durante la guerra proporcionó a estos migrantes los recursos para buscar diferentes tipos de entretenimiento en sus nuevos lugares.

La letra de las canciones de rhythm and blues refleja la forma en que algunos migrantes negociaron estos cambios. Muchas letras de ritmos y blues hablan de la vida en el sur a través de una lente nostálgica; otros usan metáforas que hacen referencia a la vida en el campo; y otros hablan de las dificultades asociadas con la vida en el norte urbano. A medida que los afroamericanos presionaron al gobierno de los EE. UU. Para que pusiera fin a Jim Crow y las leyes del país que les negaban la igualdad de derechos, la línea de color entre las razas se volvió menos rígida y, como resultado, los estadounidenses blancos y negros obtuvieron un mayor acceso a las culturas de los demás. especialmente la música. Al igual que la música jazz ya lo era, el rhythm and blues era una fuente importante de intercambio cultural. De hecho, la popularidad del rhythm and blues allanó el camino para que el rock and roll reemplazara al jazz como la música popular por excelencia de Estados Unidos en la década de 1950. Pero la música siguió arraigada en el sonido de la iglesia afroamericana, aunque no exclusivamente. Algunas de las primeras grabaciones que ejemplifican la influencia del gospel en el rhythm and blues fueron el éxito de Cecil Grant de 1945 “I Wonder”, el clásico de Roy Brown de 1947 “Good Rocking Tonight” y el disco de Wynonie Harris de 1949 “All She Wants To Do Is Rock”.

Dinah Washington fue una de las primeras cantantes femeninas de ritmos y blues en dejar una huella en la industria del entretenimiento durante la década de 1940. Los estilos de sus canciones combinaban jazz, blues, gospel y baladas pop. Durante su infancia, Washington perfeccionó sus habilidades musicales en las iglesias bautistas de Chicago, aunque ella, como muchos otros, nació en el sur. Después de anotar éxitos con “Evil Gal Blues” y “Salty Papa Blues” al principio de su carrera, grabó una serie de éxitos para el sello Mercury, con el que comenzó una asociación en 1948. El trabajo grabado de Washington abarca varias categorías que incluyen ritmo y blues, pop, jazz y country.

Louis Jordan, sin embargo, es considerado el intérprete de jump blues o rhythm and blues más importante durante la década de 1940. Formó su grupo Louis Jordan and His Tympani Five en 1938 con el objetivo de entretener y capturar parte del mercado blanco. Su repertorio era ecléctico: jump blues, baladas y canciones novedosas. Con títulos como “Beans and Cornbread”, “Saturday Night Fish Fry” y “Ain’t Nobody Here but Us Chickens”, las canciones que revientan las listas de éxitos del grupo, como señaló el escritor Nelson George, “sugieren la vida en el campo, pero el tema de cada uno es realmente una escena de la ciudad “.

No pasó mucho tiempo antes de que este tipo de ritmos y blues crudos surgieran de cientos de sellos discográficos independientes que aparecieron en todo el país en la era de la posguerra. Con la mayor disponibilidad de grabaciones de rhythm and blues, un puñado de disc jockeys de radio afroamericanos se hizo famoso localmente como los primeros promotores y vendedores de esta música. Al llevar su colorido lenguaje callejero a las ondas de radio, los pioneros DJ afroamericanos como Al Benson y Vernon Winslow no solo ayudaron a popularizar el ritmo y el blues, sino que también marcaron la tendencia del pop moderno y la programación de radio afroamericana.

RHYTHM & BLUES Y LA IGLESIA AFROAMERICANA

A principios de la década de 1950, numerosos cuartetos de gospel y grupos de canto en las esquinas se propusieron establecer carreras en la escena musical popular afroamericana. Influenciados por grupos de música gospel como el Golden Gate Quartet y Harmonizing Four y el canto secular de grupos como Inkspots, aparecieron grupos vocales que realizaban complejas armonías en un estilo a capella. Como lo harían con los artistas de rap en las próximas décadas, las esquinas de los barrios urbanos se convirtieron en campos de entrenamiento para miles de jóvenes aspirantes a artistas afroamericanos. Esta música, conocida como doo wop, llegó por primera vez a la escena con la formación de los Ravens en 1945. Poco tiempo después, siguió una gran sucesión de “grupos de aves” de doo wop, incluidos los Orioles, que en 1953 consiguieron un éxito nacional. con “Crying in the Chapel”, una canción que, por primera vez en la música popular afroamericana, caminó por una línea casi indistinguible entre el gospel y la música pop convencional. En el mismo año, Billy Ward formó Dominoes, con el cantante principal Clyde McPhatter, hijo de un ministro bautista.

A raíz del éxito de estos grupos vocales, numerosos cantantes de gospel dejaron la iglesia para convertirse en estrellas de la música pop. En 1952, por ejemplo, los Royal Sons se convirtieron en el grupo pop Five Royales. Más tarde cambiaron su nombre a Gospel Starlighters (con James Brown), y finalmente Blue Flames. Cinco años más tarde, un joven cantante de gospel llamado Sam Cooke consiguió un éxito pop número uno con “You Send Me”, una canción que alcanzó popularidad entre el público blanco y negro.

La fuerte relación entre el gospel y el rhythm and blues fue evidente en la música de grupos de rhythm and blues más duros como Hank Ballard y los Midnighters. Manteniendo un sonido impulsor basado en el blues, la música de Ballard, mientras presenta armonías basadas en el gospel, retuvo temas seculares, como se evidencia en su éxito de 1954 “Work With Me Annie”. Sin embargo, la piedra angular del ritmo y el blues gospel apareció en el talento del pianista y cantante nacido en Georgia Ray Charles, quien en 1954 llegó a las listas de éxitos con “I Got a Woman”, que se basó en la canción gospel “My Jesus Is All the Mundo para mí “. La grabación de Charles de 1958, “What I Say”, es famosa por su patrón de llamada y respuesta que se asemeja directamente a la música que se canta en las iglesias de Santidad.

ROCK AND ROLL

El auge del rock and roll blanco alrededor de 1955 sirvió para abrir las compuertas para miles de artistas negros de rhythm and blues que anhelaban una audiencia nacional. Un término aplicado al rhythm and blues negro y sus equivalentes blancos a mediados de la década de 1950, el rock and roll representaba una etiqueta dada a una forma musical por los medios blancos y el mercado para atraer a una audiencia multirracial masiva. Alan Freed, un DJ blanco de Ohio, tiene el mérito de ser el primero en emitir una programación de radio apodada “rock ‘n roll” y, por lo tanto, es recordado en algunos círculos como el “padre del rock and roll”. Si bien el término en sí se había utilizado en la lengua vernácula negra durante años, los promotores blancos del rock and roll lo utilizaron para distinguirlo del rhythm and blues, que, por supuesto, estaba estrechamente asociado con la cultura musical negra. Muchos blancos sureños expresaron su indignación por el creciente interés en el rhythm and blues y el rock ‘n roll entre los adolescentes blancos, y varias autoridades organizaron campañas de “Don’t Buy Negro Records”. Como explicó el escritor de música afroamericano Nelson George, nombrar a esta música rock and roll, “atenuó la identificación racial e hizo que los jóvenes consumidores blancos de los Estados Unidos de la Guerra Fría se sintieran más cómodos”. Tomado de un término común entre las culturas delta y del blues eléctrico, el rock and roll era en realidad rhythm and blues rebautizado con un título más “socialmente aceptable”. Por supuesto, el término “rock and roll” también tenía connotaciones sexuales; esto, junto con sus raíces en la cultura negra, permitió a los conservadores culturales blancos de la época demonizar la forma. y varias autoridades montaron campañas de “No compre discos negros”. Como explicó el escritor de música afroamericano Nelson George, nombrar a esta música rock and roll, “atenuó la identificación racial e hizo que los jóvenes consumidores blancos de los Estados Unidos de la Guerra Fría se sintieran más cómodos”. Tomado de un término común entre las culturas delta y del blues eléctrico, el rock and roll era en realidad rhythm and blues rebautizado con un título más “socialmente aceptable”. Por supuesto, el término “rock and roll” también tenía connotaciones sexuales; esto, junto con sus raíces en la cultura negra, permitió a los conservadores culturales blancos de la época demonizar la forma. y varias autoridades montaron campañas de “No compre discos negros”. Como explicó el escritor de música afroamericano Nelson George, nombrar a esta música rock and roll, “atenuó la identificación racial e hizo que los jóvenes consumidores blancos de los Estados Unidos de la Guerra Fría se sintieran más cómodos”. Tomado de un término común entre las culturas delta y del blues eléctrico, el rock and roll era en realidad rhythm and blues rebautizado con un título más “socialmente aceptable”. Por supuesto, el término “rock and roll” también tenía connotaciones sexuales; esto, junto con sus raíces en la cultura negra, permitió a los conservadores culturales blancos de la época demonizar la forma. Tomado de un término común entre las culturas delta y del blues eléctrico, el rock and roll era en realidad rhythm and blues rebautizado con un título más “socialmente aceptable”. Por supuesto, el término “rock and roll” también tenía connotaciones sexuales; esto, junto con sus raíces en la cultura negra, permitió a los conservadores culturales blancos de la época demonizar la forma. Tomado de un término común entre las culturas delta y del blues eléctrico, el rock and roll era en realidad rhythm and blues rebautizado con un título más “socialmente aceptable”. Por supuesto, el término “rock and roll” también tenía connotaciones sexuales; esto, junto con sus raíces en la cultura negra, permitió a los conservadores culturales blancos de la época demonizar la forma.

Por lo tanto, la mayoría de los intérpretes de rhythm and blues nunca hizo la distinción entre rhythm and blues y rock and roll. Ike Turner, un buscador de talentos para el sello discográfico pionero Sun Studios, fue un líder de banda y guitarrista formidable; Su corte de 1951, “Rocket 88”, ha sido considerado por algunos como el primer disco de rock and roll. El tono de guitarra distorsionado de la canción se logró por accidente, proveniente de un altavoz amplificador roto, pero influiría en el sonido áspero de muchos guitarristas de rock y blues posteriores. Turner logró el éxito comercial en colaboración con su esposa, la cantante Tina Turner, cuya fama lo eclipsaría más tarde. Un artista de rhythm and blues que estableció una próspera carrera en el rock and roll fue el pianista Antoine “Fats” Domino, nacido en Nueva Orleans. Aunque había producido una gran cantidad de material rítmico y blues fuerte antes de su carrera en el rock and roll, Domino no llegó a las listas de éxitos hasta 1955 con “Ain’t That A Shame”, seguido de los clásicos “Blueberry Hill”, “I ‘m Walkin ”y“ Whole Lotta Loving ”. Otro pianista / cantante de rhythm and blues que ingresó al campo del rock and roll fue Little Richard Penniman, un ex cantante de gospel pentecostal cuya carrera en la música pop comenzó en 1956 con el éxito “Tutti Frutti”. Las ardientes vocalizaciones de Little Richard con gritos, alaridos y alaridos de falsete solo se igualaron en intensidad con su muy explosivo y rítmico toque de piano, que se basó en las tradiciones del blues y el gospel. Antes de ingresar a un seminario Adventista del Séptimo Día en 1959, Little Richard produjo una serie de éxitos: “Long Tall Sally”, “Rip It Up”, “The Girl Can’t Help It,

En 1955, cuando las melodías de blues y ritmo de Nueva Orleans de Fats Domino subieron en las listas, un joven guitarrista de St. Louis llamado Chuck Berry alcanzó la fama nacional cuando su canción de influencia country “Maybelline” alcanzó el número cinco en las listas. Respaldado por la sección rítmica del bluesman Muddy Waters, “Maybelline” ofrecía una forma única de rhythm and blues, combinando hillbilly blanco, o rockabilly, con jump blues; Berry revolucionó el ritmo y el blues al presentar la guitarra como solista, en lugar de un instrumento rítmico. Siguiendo el modelo de su mentor de guitarra de blues, T-Bone Walker, las curvas de la guitarra de doble cuerda y el ritmo sincopado de Berry crearon un telón de fondo para sus coloridos y poéticos relatos de la vida adolescente. Un músico muy ecléctico y creativo, Berry incorporó los sonidos del blues urbano, country, calipso, latín, e incluso la música hawaiana en su estilo único de rhythm and blues. Su clásico “Johnny B. Goode” grabado en 1958 se convirtió en un estándar en el repertorio de casi todas las bandas de rock and roll, incluido el héroe de la guitarra de rock de los años 60, Jimi Hendrix. Según el erudito de la música popular Timothy D. Taylor, muchos rockeros afroamericanos como Berry hicieron un esfuerzo concertado para cortejar a una audiencia integrada, una noción que es evidente en los cambios que hizo en una grabación posterior de la canción “Johnny B. Goode”.

“CROSSOVERS” EN LA MÚSICA COUNTRY

Los músicos afroamericanos no quedaron consignados a estilos estrechamente asociados con la cultura afroamericana. Dinah Washington, por ejemplo, grabó varias melodías pop comenzando con el título principal “What a Difference a Day Makes” en 1959, su primer gran éxito. También grabó lo que se conocía como “crossovers inversos”, canciones que originalmente aparecían en la categoría country o pop, pero que Washington interpreta con su estilo patentado de jazz-blues-gospel. Además, Chuck Berry no fue el único afroamericano que se interesó por la música country. La transición de Ray Charles a la música country a principios de la década de 1960 causó controversia en muchos círculos. En 1959, Charles grabó “I’m Moving On”, una melodía country de Hank Snow. A pesar de la oposición, Charles pasó a grabar una excelente colección de canciones en 1962 titulada Modern Sounds in Country Music. Llena de baladas conmovedoras y respaldada por coloridas secciones de cuerdas, la sesión produjo dos números clásicos “You Don’t Know Me” y “I Can’t Stop Loving You”. Su popularidad generó una secuela de 1963 Modern Sounds in Country Music Volume 2, produciendo varios éxitos más, incluidos “Your Cheating Heart” de Hank Williams y “Take These Chains From My Heart”.

A diferencia de otros artistas country afroamericanos, las interpretaciones de Charles permanecieron inmersas en su sonido único de blues gospel. Antes de la entrada de Charles en el campo de la música country, había muchos artistas country afroamericanos como Dedford Bailey, un músico de armónica parcialmente discapacitado que se convirtió en un artista destacado en el Grand Ole Opry de 1925 a 1941. Sin embargo, no fue hasta 1965, cuando Charley Pride llegó a la escena de la música country con sus grabaciones de RCA “Snakes Crawl at Night” y “Atlantic Coastal Line”, un artista afroamericano emergió como una superestrella en la tradición country. Las canciones de Pride estaban tan impregnadas de la tradición del país que muchos radioescuchas se quedaron asombrados al descubrir su identidad racial. Con la llegada del Orgullo, aparecieron otros artistas country afroamericanos como Linda Martel de Carolina del Sur, OB McClinton de Mississippi, Big Al Downing, nacido en Oklahoma, y ​​Stoney Edwards. Edwards, el más conocido de estos artistas, grabó dos éxitos nacionales en 1968 con “You’re On My Mind” de Jesse Winchester y “Bird on a Wire” de Leonard Cohen.

MÚSICA DE ALMA DULCE Y REVOLUCIÓN SOCIAL

Los tremendos trastornos sociales de la década de 1960, incluidos, entre otros, los movimientos por los derechos civiles, el poder negro y las mujeres y la fusión de una base juvenil, fueron paralelos a numerosas formas musicales nuevas. Quizás ningún género de canción popular encapsuló los altibajos de este período más que la música soul. La música soul se basó en varios modismos de la música afroamericana, incluidos el gospel, el jazz y el blues. Según el estudioso de la música David Brackett, las técnicas vocales del gospel que significaban éxtasis espiritual en el contexto religioso fueron trasplantadas por los cantantes de soul al contexto secular con resultados importantes. El más prominente de ellos es un sentido de pura pasión que identificó a los cantantes con las canciones y las canciones con la comunidad afroamericana. Por lo tanto, al nacer en la iglesia afroamericana,

Aunque tuvo precursores como el vocalista Clyde McPhatter, que grabó con los Dominoes y los Drifters, el tecladista cantante Ray Charles ha sido acreditado como uno de los fundadores del género soul. Sus primeros éxitos, en particular, “What’d I Say” y “I Got a Woman”, llevaron los arreglos emocionales de testificar y llamar y responder asociados con la música gospel a un contexto no religioso. Añadió el toque terrenal del blues y una complejidad armónica influenciada por el jazz a su distintiva mezcla musical. Este híbrido de ritmo azul y espíritu fue el gospel secular conocido como música soul. Tales innovaciones fueron controvertidas, pero los sonidos del soul endulzaron y enriquecieron el ritmo y el blues a partir de entonces. El ciego “Brother Ray” se convirtió en un ícono cultural en las décadas siguientes.

Si bien el rhythm and blues había funcionado durante algún tiempo como la contraparte mundana y pecaminosa del evangelio, enfocándose principalmente en las preocupaciones del cuerpo mientras que la música de la iglesia se dirigía al espíritu, el alma se negó a negar ninguno de los lados de la experiencia humana. Aun así, la exuberancia y la ambición del género joven lo hicieron ideal para reflejar las crecientes aspiraciones de la población negra de Estados Unidos. Inspirados por las enseñanzas y la organización no violenta del Dr. Martin Luther King Jr. y otros líderes de derechos civiles, los afroamericanos también respondieron a las canciones que anunciaban el cambio. “People Get Ready” y “Were a Winner” de Curtis Mayfield y las Impressions fueron los primeros himnos a medida que el soul crecía y atraía a muchos más oyentes.

Mientras tanto, el cantante y líder de la banda James Brown combinó la elevación y el ritmo duro, pasando gradualmente del embriagador soul / rhythm y blues a un nuevo territorio llamado funk con éxitos como “I Got You (I Feel Good)” y “Cold Sweat”. Brown dirigió uno de los barcos más estrechos alrededor, inspirando y intimidando alternativamente a sus músicos; la rotación era alta, pero el conjunto siempre fue una máquina bien engrasada. Aunque él refinaría el estilo funk — conduciendo ritmos enfatizando el “uno” o primer tiempo de cada compás; frases vocales repetitivas y gritos “eclesiásticos” improvisados; y figuras instrumentales mínimas, casi disonantes: durante los primeros años de la década de 1960, su contenido siguió siendo en gran parte sexual durante algún tiempo. El trabajo de Brown a mediados de la década de 1960 comenzó a sentar las bases musicales del funk, y su música celebraba principalmente la tradición dinámica del baile social afroamericano en canciones como “There Was A Time” y “Licking Stick”, a menudo nombrando bailes populares como el “boogaloo” y el “pollo funky” en las canciones. El mensaje político de Brown no se materializó por completo hasta finales de la década. Para entonces, sus sermones funky defendían la independencia económica de los afroamericanos y la libertad de la adicción. Brown tuvo un efecto sísmico en el pop; no solo los artistas del funk sino también decenas de músicos de rock y rap tomaron su trabajo como punto de partida. sus sermones funky defendían la independencia económica afroamericana y la libertad de adicción. Brown tuvo un efecto sísmico en el pop; no solo los artistas del funk sino también decenas de músicos de rock y rap tomaron su trabajo como punto de partida. sus sermones funky defendían la independencia económica afroamericana y la libertad de adicción. Brown tuvo un efecto sísmico en el pop; no solo los artistas del funk sino también decenas de músicos de rock y rap tomaron su trabajo como punto de partida.

Siguiendo el ejemplo de Brown, Sly and the Family Stone, dirigido por Sylvester “Sly Stone” Stewart, un DJ y productor del norte de California, un tinte de rock psicodélico y buenas vibraciones comunales al ritmo funk de base. Con músicos en blanco y negro, hombres y mujeres, el grupo ofreció una de las visiones más inclusivas en la historia del pop. Mientras que “Dance to the Music” trazó su utopía en términos musicales, pregonaron la tolerancia y la igualdad en éxitos felices como “Everyday People”, “Everybody Is a Star” y “You Can Make It If You Try”. Sin embargo, la visión de Stone se oscurecería sustancialmente más adelante.

Los ritmos sincopados de Nueva Orleans también fueron fundamentales para el desarrollo del funk moderno. Los Meters comenzaron como un cuarteto instrumental y eventualmente respaldaron actos tan diversos como el cantante Lee Dorsey, el grupo vocal The Pointer Sisters y el popster británico Robert Palmer. Durante la década de 1960, lograron algunos éxitos instrumentales, en particular “Cissy Strut”, antes de agregar voces en la década de 1970. Aunque finalmente se disolvieron y fueron subsumidos en parte por los sobrevivientes del alma, los Hermanos Neville, los Meters fueron profundamente influyentes.

ALMA NORTE Y SUR: STAX / VOLT, ATLANTIC Y MOTOWN

El creciente dominio de la música soul en la imaginación del público durante la década de 1960 tuvo mucho que ver con dos compañías discográficas, la subsidiaria de Atlantic Records, Stax / Volt en el sur y Motown en el norte. Stax / Volt fue un sello con sede en Memphis que presentó al mundo el sonido “funky” tosco del soul y el rhythm and blues sureños. Los mayores éxitos de la compañía se produjeron durante la década de 1960, gracias a una lista de poderosos artistas, talentosos compositores y una de las más grandes “bandas house” en la historia de la música. La banda en cuestión, dirigida por el teclista Booker T. Jones, era una formidable máquina de ritmos de raza mixta que no solo respaldó a toda la lista de Stax y numerosos actos en su sello matriz, Atlantic, sino que también logró el éxito como acto de grabación instrumental, Booker T .y los MG.

La lista de Stax incluía al dúo vocal Sam y Dave, Rufus y Carla Thomas, Eddie Floyd y Otis Redding. Los compositores house Isaac Hayes y David Porter escribieron éxitos como “Soul Man” y “Hold On, I’m Coming” para Sam y Dave; El propio Hayes se convertiría más tarde en una superestrella del pop / soul. Redding fue a la vez un cantante extraordinario y un talentoso melonero; escribió el luminoso “Muelle de la Bahía” y el justo “Respeto”. Esta última canción se transformó en un himno del feminismo naciente y la dignidad afroamericana gracias a la alquimia de Atlantic Records y Aretha Franklin. Franklin, un cantante de gospel convertido en un experto en pop, se convertiría en la “Reina del Soul” y una de las figuras más perdurables de la música popular. Mientras que Franklin hizo “Respect” y otras canciones celebradas como “Chain of Fools”, la incandescente “(You Make Me Feel Like a) Natural Woman, ”Y“ I Never Loved a Man ”en los estudios Fame en Muscle Shoals, Alabama, otras estrellas del soul atlántico vinieron a Memphis para hacer sus exitosos discos. El equipo de Stax colaboró ​​con Wilson Pickett en singles de gran éxito como “In the Midnight Hour” y “Land of 1,000 Dances”. Sin embargo, en última instancia, Stax perdió su impulso comercial y en la década de 1970 luchaba por competir con una panoplia de rivales.

A medida que la música soul ganaba un gran número de seguidores en la comunidad afroamericana, una compañía discográfica de Detroit, de propiedad y gestión familiar, surgió como una de las empresas comerciales afroamericanas más grandes y exitosas de los Estados Unidos. En 1959, Berry Gordy, un empresario, compositor y entusiasta del jazz moderno de Detroit, fundó Motown Record Corporation.

Con su sede ubicada en una modesta casa de dos pisos, la compañía exhibió con orgullo un letrero en el exterior que decía Hitsville USA. Aprovechando la diversidad del talento local, Gordy empleó equipos de contrato, escritores, productores e ingenieros con sede en Detroit. El estudio de Motown se convirtió en un gran laboratorio de innovaciones tecnológicas, avanzando en el uso de eco, seguimiento múltiple y sobredoblaje. En el estudio, Gordy contrató a los mejores músicos de jazz y clásicos de la ciudad para acompañar al joven talento cantante que firmó con la compañía.

A diferencia de la música soul emergente en estudios como Stax y Muscle Shoals, la música de Motown también se comercializó en

la clase media blanca; Gordy llamó a su música “The Sound of Young America” ​​y buscó producir actos glamorosos y bien arreglados. “El blues y el R&B siempre tuvieron un aspecto funky en aquellos días”, explicó el productor de Motown, Mickey Stevenson. “Sentimos que deberíamos tener una mirada que las madres y los padres querrían que sus hijos siguieran”. De hecho, una imagen glamorosa y meticulosamente controlada era un componente extremadamente importante en la ideología Motown de Berry Gordy. Solicitó que los artistas firmados con el sello asistieran a clases de etiqueta, presencia en el escenario y coreografía. De hecho, la estricta división del trabajo que Gordy estableció en esta empresa podría compararse con las líneas de montaje de automóviles por las que Detroit es bien conocida.

Por lo tanto, Motown se propuso producir un sonido, que consideraba más refinado y menos “desafinado” que la música interpretada por los principales artistas del soul y el blues. En sus primeros años de funcionamiento, Motown retuvo una influencia de rhythm and blues como se evidencia en canciones como “Please Mister Postman” de las Marvelettes (1961), “You Beat Me to the Punch” de Mary Wells (1962) y ” Orgullo y alegría ”(1963).

Una de las principales fuerzas responsables del surgimiento de un “sonido Motown” único apareció en el equipo de producción de Brian y Eddie Holland, y Lamont Dozier, o HDH, como se les conoció. Utilizando las técnicas de grabación del “muro de sonido” de Phil Spector, el equipo de HDH dio fama a muchos de los “grupos de chicas” de Motown, como Martha and the Vandellas y The Supremes, con Diana Ross.

Durante 1966 y 1967, HDH comenzó a utilizar arreglos de cuerdas más complejos basados ​​en estructuras de acordes menores. Esto dio lugar a lo que se ha denominado su “período clásico”. Como resultado, muchas canciones de Motown reflejaron el lado más oscuro del amor perdido y las condiciones de la vida del gueto. Este estado de ánimo fue capturado en canciones de Four Tops como “Reach Out, I’ll Be There”, “Bernadette” y “Seven Rooms of Gloom”.

Después de que el equipo Holland-Dozier-Holland abandonara Motown en 1968, la empresa, enfrentada a numerosos problemas artísticos y económicos, cayó en un estado de declive. Un año después, Gordy firmó con los Jackson Five, el último acto importante en unirse al sello antes de su desaparición. Los Jackson consiguieron 13 sencillos de éxito consecutivos, incluidos “ABC” y “I’ll Be There”, defendiendo un estilo que podría llamarse “bubblegum soul”: música afroamericana dirigida a un público preadolescente y adolescente, un legado que se vio en Grupos de los 80 y 90 como New Edition y Boyz II Men. En 1971, Gordy trasladó Motown Record Corporation a Los Ángeles, donde la compañía dirigió sus esfuerzos hacia la realización cinematográfica. A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, Motown continuó firmando actos como los Commodores, Lionel Richie y DeBarge. Pero en 1984,

ALMA PSICODÉLICA AL DISCO

La desilusión después de la muerte del defensor de los derechos civiles, el Dr. Martin Luther King Jr. y el defensor del poder negro Malcolm X, junto con el trauma persistente de la guerra de Vietnam y el empeoramiento de la difícil situación de las ciudades del interior de Estados Unidos, tuvieron una marcada influencia en la dirección del alma. Curtis Mayfield proyectó una visión de cautelosa esperanza en su trabajo de principios de la década de 1970. Su emblemática banda sonora para la película “blaxploitation” Superfly reflejaba el nuevo paradigma del soul: a la vez valiente y sinfónico, que abarca la ambición de largo alcance del soul y el realismo terrenal e intransigente del funk. El tema de Isaac Hayes de Shaft, otra película de acción urbana, ganó un premio de la Academia. Gran parte del funk y el soul de este período se basó no solo en los ritmos penetrantes desarrollados por Brown, sino también en el trabajo pionero de la guitarra de Jimi Hendrix.

Aclamado por muchos como el mejor guitarrista eléctrico de todos los tiempos, Hendrix había trabajado como acompañante de numerosos ritmos y blues, pero emergió como un rockero de primer orden a mediados de la década de 1960. En el momento de su muerte en 1970, había revolucionado la guitarra solista para siempre; Su uso del pedal wah-wah, un efecto que le dio una poderosa dimensión de percusión al instrumento, se convirtió en un elemento básico del funk. Su fusión de rock psicodélico, hard blues y soul, mientras tanto, influyó en el “alma psicodélica” que surgió a su paso.

El alma comercial abordó el tenor de los tiempos. Los pioneros Sly and the Family Stone se centraron menos en los sentimientos de colores del arcoíris de la era anterior y más en la agitación urbana con su álbum histórico, Hay un revuelo en marcha, al igual que Marvin Gaye con éxitos como “Trouble Man” y “What’s Goin ‘ Sobre.” Los O’Jays disfrutaron del éxito en las listas con sencillos tan ansiosos como “Backstabbers” y “For the Love of Money”, y The Temptations envolvieron sus prodigiosas habilidades vocales en torno a los problemas del centro de la ciudad en “Papa Was a Rolling Stone”, entre otros éxitos.

Estos lamentos comerciales fueron superados en atrevimiento, aunque no en ventas, por el trabajo de Funkadelic de Detroit. Encabezado por el cantante y peluquero George Clinton, quien dirigió un grupo de doo wop llamado The Parliaments en la década de 1950, Funkadelic mezcló las excursiones de guitarra cósmica del acid rock con ritmos implacables del funk; existía un peligro en su trabajo que limitaba su atractivo comercial, pero influía profundamente en el rock y el rap.

Finalmente, Clinton estableció otro grupo, Parliament, que se centró en el funk con cuernos y en álbumes conceptuales elaborados y orientados a la fantasía. Funkadelic y el Parlamento, aunque manifiestamente diferentes al principio, gradualmente se trasladaron a un territorio similar al de “P. Canguelo”; la “P” significa “puro”. Pronto P. Funk fue el término general para una familia de bandas que incluía Bootsy’s Rubber Band y Brides of Funkenstein. Clinton anotó en la década de 1980 como solista, sobre todo con el gran éxito “Atomic Dog”. P. Funk fue tan influyente que durante un tiempo el Parlamento se encontró compitiendo con actos que se apropiaban de su sonido y temas, incluidos los creadores de éxitos como los Ohio Players, Rick James, George Duke y Earth, Wind and Fire. Aunque el funk declinó durante la década de 1980, artistas como Prince lo llevaron en una dirección nueva y ecléctica.

Sin embargo, la década no careció de artistas más tradicionalmente románticos. Aparte de Marvin Gaye, los vocalistas masculinos más seductores de la época fueron posiblemente Al Green y Barry White. El rico falsete y el fraseo íntimo de Green en éxitos como “Let’s Stay Together” y “Love and Happiness” lo establecieron rápidamente como un visionario en el género; aunque dejó la música pop para cantar música gospel y predicar, siguió siendo una figura querida en el mundo del soul y regresó al redil para un álbum de 1995. Mientras tanto, las bandas sonoras del dormitorio de White mantuvieron cautivos a los amantes con una mezcla embriagadora de su voz de barítono y arreglos sinfónicos. Otra dirección funk se fusionó en el trabajo de artistas basados ​​en el jazz como Herbie Hancock y Patrice Rushen, ambos lograron éxitos en las décadas de 1970 y 1980 que coincidieron con la aparición del formato llamado “Quiet Storm” en la programación de radio de rhythm and blues. Cada uno se basó en el jazz, el rhythm and blues y el funk en sus grabaciones, algunos de ellos con solos de piano que los extendieron más allá de la duración de las típicas grabaciones de rhythm and blues.

A mediados de la década de 1970, las pistas de baile de los clubes estaban cada vez más dominadas por los pulsantes sonidos de la discoteca. Con su ritmo contundente y arreglos exuberantes, muchos vieron la música como una forma sacarina y escapista que traicionaba la misión del funk y el soul. Si bien varios artistas poderosos emergieron de la escena disco, pocos pudieron acercarse al poder estelar de la diva Donna Summer, quien disfrutó de una ola de éxitos antes de que una conversión religiosa la llevara al gospel. Aunque el éxito del “crossover” de la música disco significó que varios artistas que anotaron en ese formato eran blancos, varios actos totalmente afroamericanos, en particular Chic, Kool and the Gang y LaBelle, florecieron durante este período.

RAP: DE LA SUBCULTURA A LA APELACIÓN MASIVA

Mientras que el funk vendió millones de discos y recibió una amplia difusión en la radio a mediados de la década de 1970, la música rap surgió dentro de un pequeño círculo de artistas y animadores de Nueva York en los vecindarios del Alto Manhattan y el Sur del Bronx. La música rap pertenece a un sistema cultural más amplio conocido como hip hop, que comprende la escritura de graffiti y el breakdance (y sus derivados) junto con el rap en sí. Los disc jockeys en fiestas privadas descubrieron cómo usar “pequeños raps” entre canciones para mantener a los bailarines en pie. Desde detrás del micrófono, los DJ crearon un patrón de llamada y respuesta con la audiencia. El rap consiste en un vocalista que realiza declamaciones orales no a semi-melódicas sobre un fondo rítmico, que puede ser tan escaso como una sola pista de batería o una elaborada, con múltiples texturas y múltiples pistas instrumentales. Aprovechando su estatus de maestro de ceremonias, a menudo se jactaban de su destreza intelectual o sexual. “Pronto surgió una división del trabajo”, explicó Jefferson Morley. “Los DJ se concentraron en perfeccionar las técnicas de manipulación de los tocadiscos, mientras que los maestros de ceremonias (MC o raperos) se concentraron en rapear con rimas”. Mediante el uso de un lápiz óptico especial, los raperos movían los discos hacia adelante y hacia atrás en el tocadiscos para crear un sonido rítmico único, conocido dentro de la cultura del rap como balanceo de agujas y más tarde como “scratching”. En su corta historia, tanto los aspectos de MC como de DJ de la música rap han experimentado cambios significativos, y el género ha explotado en muchas direcciones artísticas y expresiones satelitales como hip hop soul, New Jack Swing y gangsta rap, entre otros enfoques. El tema abordado en la música rap ha sido igualmente ecléctico,

Sin embargo, mucho antes de que apareciera la cultura moderna del rap, o hip hop, había artistas afroamericanos que actuaban en un idioma de estilo rap. En 1929, por ejemplo, el cantante y comediante de Nueva York Pigmeat Markham ofreció actuaciones representativas de un estilo de rap temprano.

La música rap también tiene sus raíces en el estilo de jazz parlante de un grupo de ex convictos llamado Los Últimos Poetas. Durante la década de 1960, este conjunto de intelectuales afroamericanos rapeó con ritmos complejos sobre música interpretada por acompañantes de jazz. El miembro de Last Poet Jalal Uridin, grabando bajo el nombre de Lightning Rod, lanzó un álbum titulado Hustler’s Convention. Respaldada por la banda de funk Kool and the Gang, la grabación de Uridin se volvió muy influyente para los primeros raperos de Nueva York.

Uno de los primeros artistas de rap neoyorquino de principios de la década de 1970 fue Clive Campbell, alias Cool Herc, nacido en Jamaica. Herc, DJ callejero, desarrolló el arte del muestreo, el método de reproducir una sección de una grabación una y otra vez para crear una mezcla de baile única. Otros que se unieron a la escena neoyorquina fueron el DJ nacionalista negro Africa Bambaataa del sureste del Bronx y Joseph Saddler, conocido como Grandmaster Flash, del centro del Bronx. Flash formó el grupo Grandmaster Flash y The Three MCs (Cowboy, Kid Creole y Melle Mel). Más tarde agregó a Kurtis Blow y Duke Bootee, quienes fundaron los Furious Five.

Sin embargo, la música rap no llegó a una audiencia amplia hasta 1980, cuando la canción de Sugar Hill Gang, “Rapper’s Delight”, recibió amplia difusión por radio. Las pequeñas compañías discográficas comenzaron a afectar el desarrollo del pop por primera vez en años. Def Jam encabezó el auge de los raperos influyentes LL Cool J, Run-DMC y Public Enemy, mientras que Tommy Boy Records contribuyó al auge del electro-funk. A medida que los grupos de rap se reunieron durante la década, comenzaron a usar su arte para describir las duras realidades de la vida en el centro de la ciudad. A diferencia de la música rap antigua, que en general era optimista y de tono exuberante, el estilo de rap de la década de 1980 exhibía un fuerte sentido de conciencia racial y política. “The Message” de Grandmaster Flash fue el primer éxito de rap descaradamente político; su anhelo y desesperación recordaron los discos de soul llenos de angustia de la década anterior e insinuaron el potencial del rap. Hacia el final de la década, el rap llegó a expresar un creciente sentido de militancia racial. Inspirados por la Nación del Islam y las enseñanzas del líder racial mártir Malcolm X, los grupos de rap como Public Enemy convirtieron su música en voces que apoyaban el poder negro. El segundo LP de Public Enemy, It Takes A Nation of Millions to Hold Us Back, vendió más de 1 millón de copias. Su canción “Fight the Power” apareció en la película del director Spike Lee Do the Right Thing. El tercer álbum del grupo, Fear of a Black Planet, fue lanzado en 1990. Si bien es una declaración en contra de la “supremacía cultural occidental”, explicó el miembro del grupo Chuck D., también se trata de “la unión de todas las razas” en un “renacimiento racial”. .

Las mujeres también han jugado un papel en la formación de la música rap. Artistas de rap como Queen Latifah, MC Lyte y el grupo Salt-N-Pepa representan un número creciente de raperas que hablan por el avance de las mujeres negras en la sociedad estadounidense. Queen Latifah ha emergido como crítica del dominio masculino en la música

A fines de la década de 1980 también nació la escuela de rap “Native Tongues”, cuyos graduados emplearon una variedad ecléctica de muestras y se basaron más en el humor y las rimas barrocas que sus contrapartes duras y políticas. Los grupos más conocidos de esta escuela fueron De La Soul, A Tribe Called Quest y The Pharcyde; Mientras tanto, Digital Underground aspiraba abiertamente a ser “Sons of the P.” y tejió elaborados conceptos al estilo del Parlamento. Los artistas con una inclinación más bohemia comenzaron a depender en gran medida del jazz; algunos, como Digable

Planetas y US3, vendidos rápidamente. Algunos, como Arrested Development y Spearhead, se mantuvieron cerca de sus raíces soul y funk.

La historia más importante del rap durante la década de 1990 fue el auge del rap “gangsta”, que utilizaba ritmos funk de la vieja escuela y se basaba en el ajetreo y la violencia, generalmente sin el barniz del alma de optimismo cauteloso. El grupo NWA (Niggaz With Attitude) molestó a los conservadores sociales con su gran éxito “F___ Tha Police”, y sus alumnos Dr. Dre, Ice Cube y Eazy E se convertirían en grandes artistas en solitario. Ice-T dio un giro un poco más deliberado a sus historias de gánsteres, pero fueron Snoop Doggy Dogg de Dre y el ex miembro de Digital Underground Tupac Shakur, quienes se convertirían en los actos cruzados más grandes de todos. El estilo relajado de Snoop en particular le valió el estatus de pop con cortes como “Gin and Juice”, “Murder Was the Case” y “Doggy Dogg World”. ”El éxito cruzado de estas grabaciones fue tan preocupante para los conservadores antes mencionados que las letras de gangsta rap se convirtieron en un elemento básico en los discursos políticos, y los políticos y grupos activistas amenazaron con tomar medidas contra las compañías discográficas que publicaron dicho material. Shakur, Notorious BIG (también conocido como Biggie Smalls) y Lil ‘Kim, todos impactaron en la cultura hip hop con letras poderosamente explícitas. Los asesinatos de Shakur y Notorious BIG enviaron ondas de choque a toda la industria del entretenimiento e inspiraron súplicas apasionadas de los conocedores para atenuar algunas de las letras más violentas en el trabajo de algunos artistas. todos tuvieron un impacto en la cultura hip hop con letras poderosamente explícitas. Los asesinatos de Shakur y Notorious BIG enviaron ondas de choque a toda la industria del entretenimiento e inspiraron súplicas apasionadas de los iniciados para atenuar algunas de las letras más violentas en el trabajo de algunos artistas. todos tuvieron un impacto en la cultura hip hop con letras poderosamente explícitas. Los asesinatos de Shakur y Notorious BIG enviaron ondas de choque a toda la industria del entretenimiento e inspiraron súplicas apasionadas de los conocedores para atenuar algunas de las letras más violentas en el trabajo de algunos artistas.

Algunos raperos del pop, como MC Hammer (que finalmente abandonó el “MC”) y DJ Jazzy Jeff y Fresh Prince, disfrutaron de un éxito periódico y luego se desvanecieron de las listas. Aquellos que conservaron un poco más de credibilidad a nivel de la calle, por otro lado, como Naughty By Nature, que tuvo un gran éxito con “OPP”, y Coolio, que dominó las listas y obtuvo un premio Grammy por su “Gangster’s Paradise”. , ”Disfrutó de un reinado más largo. A partir de mediados de la década de 1980 y hasta la de 1990, artistas de rap como Will Smith (The Fresh Prince), Ice Cube, Ice-T, Tupac Shakur y Queen Latifah se cruzaron con éxito en proyectos de cine y televisión (algunos de ellos con hip temas de lúpulo), lo que confirma la amplia aceptación de estos artistas en toda la cultura estadounidense. Algunas de estas películas, como Do the Right Thing y Boyz N the Hood, gozaron de la aclamación de la crítica y la popularidad.

A mediados de la década de 1990, Das Efx, Fu-Schnickens, Mystikal, Bone Thugs-N-Harmony, Busta Rhymez y The Fugees, entre otros, perpetuaron el estilo y las técnicas de la rima creativa. Con su variedad de estilos y puntos de vista, el rap se ha convertido en una forma cultural primaria para los jóvenes afroamericanos. Al igual que la música de sus predecesores, el rap está lleno de energía artística y descripciones de la experiencia humana. Como dice una historia de portada de la revista Time de 1999, la música rap y el hip hop pasaron en 20 cortos años de una expresión subcultural a una que ha cambiado el curso de la cultura popular estadounidense de manera profunda.

NUEVAS DIRECCIONES: DE NUEVO SOUL AL POP-HIP HOP

Quizás en parte para contrarrestar el creciente dominio del hip hop hardcore en el mercado, el rhythm and blues y el soul se movieron en una dirección más suave durante la década de 1980; a medida que las bandas fueron reemplazadas por teclados secuenciados y cajas de ritmos, las grabaciones de este género fueron cada vez más dominadas por productores y vocalistas. Incluso leyendas del soul de toda la vida como Aretha Franklin y Chaka Khan se movieron en una dirección más brillante. Este período vio el surgimiento de un puñado de cantantes fenomenalmente exitosos, notablemente Whitney Houston, cuya madre Cissy había cantado con Franklin y otros. Después de un debut monstruoso, Houston obtuvo una serie de éxitos y premios; su apoteosis vino con las ventas gigantescas de la banda sonora de la película The Bodyguard en la que también tuvo un papel protagónico. Las atléticas habilidades vocales de Houston allanaron el camino para otras nuevas divas del soul, incluidas Toni Braxton, Mariah Carey y Mary J. Blige. Los productores LA Reid y Babyface estuvieron entre los creadores de éxitos más importantes de esta época; al igual que Babyface, R. Kelley tuvo éxito tanto como productor como como artista discográfico. Debe hacerse una mención especial al productor Teddy Riley, cuyo “New Jack Swing” combinó el canto de soul, ritmos de hip hop y actuaciones de rap intermitentes que capturaron al público de baile a finales de los ochenta y principios de los noventa. El equipo de producción con sede en Minneapolis, Jimmy Jam y Terry Lewis, también importantes innovadores en el idioma “New Jack Swing”, ayudaron a definir el sonido del pop-hip hop a principios de la década de 1990. Al dúo se le atribuye la creación del sonido extremadamente popular de la artista pop Janet Jackson a medida que maduraba su carrera.

Si bien la tendencia de bordes suaves continuó durante la década de 1990, algunos artistas dentro del redil, como el smash

grupos TLC y En Vogue, coquetearon con el soul de la vieja escuela. Mientras tanto, el soul “alternativo” o “nuevo” emergió en los márgenes, gracias a artistas como el bajista / cantautor Me’Shell Ndeg Ocello, la refugiada Arrested Development Dionne Farris y el discípulo de Marvin Gaye D’Angelo. Artistas como Erykah Badu, Lauryn Hill y Faith Evans disfrutaron de popularidad y éxito de crítica, con sus mezclas únicas de sensibilidad hip hop y estilos de canto soul. Boyz II Men, Brandy y Monica actualizaron el estilo soul de chicle de décadas anteriores.

Desde el año 2000, surgió un nuevo estilo soul clásico que se remonta a principios de mediados de la década de 1970 en busca de inspiración. Personificada mejor por la talentosa vocalista y poeta Jill Scott de Filadelfia, esta red flexible de artistas lucen peinados y ropa estrechamente identificados con el Black Power Movement. Como un colectivo de artistas del brazo cultural del Movimiento, los nuevos músicos de soul clásico combinan la poesía, la conciencia social y la crítica cultural con el sonido de bandas de funk en vivo y otros valores de producción del hip-hop, especialmente el acid jazz a ‘la Earth Wind and Fire, los jugadores de Ohio y la banda Gap. Temas de amor romántico y técnicas vocales empapadas de gospel también vinculan el nuevo soul clásico con el pasado, pero la sutil mezcla de fusión de jazz, funk, poesía, rap,

COMPOSITORES, MÚSICOS Y CANTANTES DE MÚSICA POPULARES

(Para localizar perfiles biográficos más fácilmente, consulte el índice al final del libro).

YOLANDA ADAMS. VER EL CAPÍTULO DE LAS TRADICIONES DE LA MÚSICA SAGRADA.

NICHOLAS ASHFORD Y VALERIE SIMPSON (1942– / 1946–) Cantantes, compositores

Uno de los equipos de compositores más perdurables que surgió de Motown es el dúo de Nicholas Ashford y Valerie Simpson. Durante más de un cuarto de siglo, el equipo ha escrito canciones de éxito para artistas desde Ray Charles hasta Diana Ross.

Nick Ashford nació en Fairfield, Carolina del Sur, el 4 de mayo de 1942; Valerie Simpson nació en la sección del Bronx de la ciudad de Nueva York el 26 de agosto de 1946. Los dos se conocieron a principios de la década de 1960 mientras cantaban en el mismo coro en la Iglesia Bautista White Rock de Harlem. Con el don de Ashford para las letras y las excepcionales habilidades compositivas y de piano gospel de Simpson, los dos comenzaron a escribir para el personal de Sceptre Records en 1964. Dos años más tarde, su canción “Let’s Go Get Stoned” se convirtió en un éxito para Ray Charles.

En 1962, Ashford y Simpson se unieron a Jobete Music de Motown, donde escribieron y produjeron canciones de éxito para Marvin Gaye y Tammi Terrell, incluyendo “Ain’t Nothing Like the Real Thing”, “Good Loving Ain’t Easy to Come By” y el “Canción de cebolla”. A continuación, trabajaron con Diana Ross, que acababa de establecer una carrera en solitario produciendo éxitos como “Remember Me”, “Reach Out (y Touch Somebody’s Hand)” y una versión actualizada de “Ain’t No Mountain High Enough . “

El éxito de Ashford y Simpson como compositores los llevó a lanzar su propia grabación en solitario Exposed en 1971. Después de firmar con Warner Brothers en 1973, grabaron varios éxitos LPS: Is It Still Good To Ya (1978); Mantente libre (1979); Un asunto musical (1980); y su mayor vendedor Solid en 1985. El dúo se retiró temporalmente de la grabación a finales de la década de 1980, pero regresaron a la escena discográfica en 1996, cuando lanzaron su propio sello Hopsack and Silk. Su primer lanzamiento fue una colaboración con la reconocida poeta Maya Angelou titulada Been Found. En 1999, la pareja celebró su 25 aniversario de bodas con una gala en Nueva York.

El 16 de agosto de 2006, Playbill Online informó que Ashford y Simpson están escribiendo la partitura de un musical basado en la novela Invisible Life de E. Lynn Harris. En enero de 2007, ellos, junto con Tina Turner, Mary J. Blige, Mariah Carey, Sidney Poitier, el director Spike Lee y el comediante Chris Tucker, acompañaron a Oprah Winfrey cuando abrió la escuela para niñas desfavorecidas en Sudáfrica.

ANITA BAKER (1958–) Cantante

Una de las divas del soul más sofisticadas que surgieron en la década de 1980, Baker se considera a sí misma “una baladista” dedicada a cantar música arraigada en la tradición de la música gospel y el jazz. Inspirada por sus ídolos Mahalia Jackson, Sarah Vaughan y Nancy Wilson, Baker trae al público un estilo vocal sincero que desafía las tendencias comerciales y la sobreproducción electrónica.

Nacido el 26 de enero de 1958 en Toledo, Ohio, Baker se crió en una familia monoparental de clase media en Detroit. Primero cantó en las iglesias de tiendas, donde era común que la congregación improvisara sobre varios temas del evangelio. Después de graduarse de Central High School, Baker cantó en el grupo de soul / funk de Detroit Chapter 8. Aunque Chapter 8 grabó el álbum I Just Want To Be Your Girl para el sello Ariola, la falta de éxito comercial del grupo hizo que se disolviera, y para el Los siguientes tres años, Baker trabajó como recepcionista en un bufete de abogados.

En 1982, Baker, después de firmar un contrato con Beverly Glen, se mudó a Los Ángeles, donde grabó el aclamado álbum en solitario Songstress. Luego de una batalla legal con Glen, Baker firmó con Elektra y grabó su exitoso álbum debut Rapture en 1986. Como productora ejecutiva del álbum, Baker buscó “un enfoque minimalista” con técnicas de grabación simples que capturaran los sonidos naturales de su voz. El sencillo del LP, “Sweet Love”, trajo a Baker un éxito cruzado inmediato. El esfuerzo de seguimiento de Baker, el multiplatino de ventas Giving You the Best I Got es considerado uno de los mejores álbumes de música pop de la década de 1990. Su tercer trabajo, Compositions, grabado en 1990, contó con varios músicos de respaldo, incluido el guitarrista de jazz de Detroit Earl Klugh.

Después de una pausa de casi cuatro años, Baker lanzó el Rhythm of Love de doble platino en 1994. En 1996, Baker presentó demandas contra Elektra, su gerencia y su personal legal. Posteriormente se unió al sello Atlantic, pero a mediados de 1999 aún no ha lanzado un álbum con ese sello. Rhino, sin embargo, publicó un álbum recopilatorio de Baker en 2002 titulado The Best of Anita Baker. Ganadora de cinco Grammys, dos NAACP Image Awards, dos American Music Awards, dos Soul Train Awards y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, Baker ha traído a su público música de elocuencia e integridad que la distingue de la mayoría de sus contemporáneos.

El productor Kenneth “Babyface” Edmonds, ganador del Grammy, presentó una demanda en abril de 2006 contra Anita Baker, alegando que el cantante no le pagó por una canción que produjo para ella. Babyface afirmó que le deben $ 100,000 por coescribir “Like You Used to Do” durante una sesión en Detroit en mayo de 2004. La canción se usó en el álbum de Baker “My Everything”. Babyface también pidió 150.000 dólares por dos programas cancelados que acordó hacer con Baker en julio de 2005.

HARRY BELAFONTE. VER CAPÍTULO DE CINE Y TELEVISIÓN.

CHUCK BERRY (1926–) Cantante, compositor, guitarrista

El primer héroe de la guitarra del rock and roll, los éxitos de la máquina de discos de Chuck Berry de la década de 1950 siguen siendo algunos de los cuentos poéticos más imaginativos de la historia de la música popular. Influenciado por músicos de blues como Aaron T-Bone Walker y los estilos de selección de músicos de rockabilly y country, el trabajo de guitarra solista de Berry llevó la guitarra a la vanguardia del rhythm and blues. Su sonido de conjunto de conducción allanó el camino para el surgimiento de bandas desde los Beach Boys hasta los Rolling Stones.

Charles Edward Anderson Berry, nacido el 18 de octubre de 1926 en San José, California, creció en un barrio de clase media en las afueras de St. Louis. Berry cantó por primera vez música gospel en casa y en la Iglesia Bautista de Antioquía. Aunque Berry se sintió atraído por los sonidos de músicos de blues como Tampa Red, Arthur Crudup y Muddy Waters, no se tomó en serio la música hasta que el músico local de ritmos y blues Joe Sherman le dio una guitarra. Tomado por los sonidos del rhythm and blues, Berry formó un trío con Johnny Jones al piano y Ebby Harding a la batería. Contratado para tocar barbacoas en el patio trasero, clubes y fiestas en casa, el trío amplió su repertorio para incluir baladas de Nat “King” Cole y canciones country de Hank Williams.

En 1955, Berry, de 28 años, se había convertido en un formidable guitarrista y cantante de ritmos y blues. Mientras estaba en Chicago, Berry visitó un club para escuchar a su ídolo, Muddy Waters, actuar. Por sugerencia de Waters, Berry visitó Chess Studios donde finalmente firmó con el sello. El primer éxito de Berry para Chess fue “Maybelline”, una canción country anteriormente titulada “Ida May”. En 1956, Berry continuó su camino hacia el estrellato con los éxitos “Roll Over Beethoven”,

“Oh Baby Doll”, seguido de “Rock and Roll Music” y el himno de guitarra “Johnny B. Goode”.

Liberado de la prisión federal de Indiana en 1964 después de cumplir una condena por violar la Ley Mann, Berry reanudó su carrera musical, grabando “Nadine” y “No Particular Place to Go”. Desde la década de 1970, Berry ha seguido grabando y girando. El lanzamiento de Berry en 1972 de la novedosa melodía “My-Ding-a-Ling” se convirtió en su sencillo más vendido. En 1988, Taylor Hackford rindió homenaje a la leyenda de la guitarra en su película Hail! ¡Granizo! Rock and roll. Berry también participó en la inauguración del Museo y Salón de la Fama del Rock and Roll de Cleveland en 1995. En 2000, Berry fue honrado en la Gala de Honores del Kennedy Center como uno de los músicos más influyentes del siglo XX. En 2004, la revista Rolling Stone clasificó a Chuck Berry en el quinto lugar de su lista de Los inmortales: los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

MARY J. BLIGE (1971–) Cantante de hip hop

Nacido en 1971 en Yonkers, Nueva York, Blige se crió en los proyectos de vivienda Schlobohm. En su juventud, Blige fue

influenciada por los álbumes de rhythm and blues, soul y funk que tocaba su madre, así como las primeras lecciones que le dio su padre, un músico profesional de jazz. Consiguió un contrato discográfico cuando Andre Harrell de Uptown Records escuchó una cinta de karaoke que había grabado a los 16 años.

Llamada la inventora de “New Jill Swing” por Stereo Review, el álbum debut de Blige What’s the 411 (1992) vendió más de 3 millones de copias y su segundo álbum My Life (1994) fue multiplatino, estableciendo su carrera como una estrella discográfica internacional. Ganó un premio Grammy en 1996 por “You’re All I Need”, que fue un dueto con el rapero Method Man. Su tercer proyecto Share My World (1997) también recibió el estatus de multiplatino. Blige también ha sido apodada la “Reina del Hip Hop Soul”, una designación que caracteriza los sellos distintivos de su estilo: melodías conmovedoras sobre pistas rítmicas de hip hop.

En 1999, el álbum Mary de Blige llegó a las listas de éxitos con sencillos como “All That I Can Say” y “Sexy”. En 2001, Blige lanzó su quinto álbum No More Drama, un álbum profundamente personal que siguió siendo un esfuerzo colectivo musicalmente pero que reflejaba más la composición de Blige que cualquiera de sus esfuerzos anteriores. En 2007, Blige había vendido más de treinta y cuatro millones de álbumes.

En 2006 Blige lanzó un álbum de duetos, Mary J. Blige & Friends, con un DVD que lo acompaña. Todas las ganancias del álbum hasta febrero de 2007 fueron destinadas al Boys & Girls Club of America.

El 12 de diciembre de 2006, se publicó Reflexiones: una retrospectiva . El álbum contenía algunas de las mejores canciones de Blige, así como cuatro canciones nuevas, incluidos los sencillos “We Ride (I See the Future)” (el primer sencillo) y “Reflections (I Remember)”. Ambas canciones fueron escritas y producidas con la ayuda de Bryan Michael Cox y Johnta Austin, el equipo que hizo “Be Without You”. El primer sencillo del álbum en el Reino Unido fue “MJB Da MVP”, y esta pista solo se incluyó en la versión internacional del álbum.

También recibió ocho nominaciones a los premios Grammy en los premios Grammy 2007 por The Breakthrough, la mayor cantidad de cualquier artista para los premios 2007. “Be Without You” fue nominada a Grabación del año y Canción del año. Mary ganó tres premios Grammy: Mejor interpretación vocal femenina de R&B, Mejor canción de R&B (ambas por “Be Without You”) y Mejor álbum de R&B por The Breakthrough.

BOW WOW (1987–) Cantante de hip hop

Bow Wow, quien nació como Shad Gregory Moss en Columbus, Ohio, comenzó su carrera en el rap cuando tenía cinco años usando el nombre de “Kid Gangsta”. Un año después, en 1993, actuó en una gira Chronic en Columbus con los raperos Snoop Dogg y Dr. Dre, quienes posteriormente le dieron el nombre artístico de “Lil ‘Bow Wow”. Más tarde, Dr. Dre lo contrató como telonero, lo que le valió oficialmente un lugar en la lista de Death Row Records. “Lil ‘Bow Wow” apareció en un sketch sobre el debut de Snoop, Doggystyle. En 1998, Bow Wow conoció al productor de discos Jermaine Dupri, quien ayudó a dar forma a su carrera.

En 2000 lanzó su primer álbum, Beware of Dog, y se convirtió en un exitoso artista de grabación bajo la tutela de Dupri; el mismo año, el sencillo de Bow Wow, “Bounce With Me”, también tuvo éxito. Después del éxito del álbum debut de Bow Wow, lanzó Doggy Bag en 2002 , que contenía, entre otras, las canciones “Thank You” y “Take You Home”. Durante este tiempo, eliminó el “Lil” de su nombre profesional. Con el tiempo, estalló por su cuenta en 2003 con el álbum Unleashed, que fue el primero sin la ayuda de escritura de Dupri; Las ventas del álbum fueron más bajas que las de sus dos primeros. Además de sus propios álbumes, Bow Wow ha aparecido como invitado en varios programas de televisión.

Bow Wow hizo su debut como actor en Like Mike, que se estrenó el 3 de julio de 2002, donde interpretó a un joven huérfano que tiene una oportunidad en la NBA. También coprotagonizó con Cedric the Entertainer, Vanessa Williams y Solange Knowles en Johnson Family Vacation. En 2005, Bow Wow lanzó su cuarto álbum, Wanted, en el que volvió a trabajar con Jermaine Dupri. El álbum contó con dos sencillos que alcanzaron el # 1 en las listas de R&B, “Let Me Hold You” (con Omarion) y “Like You”, con Ciara. Desde el éxito de Like Mike, Bow Wow ha protagonizado varias películas de Hollywood, en 2005 apareció en la película Roll Bounce.

Bow Wow también ha desarrollado una línea de ropa titulada Shago. En julio de 2006 recibió un premio Hollywood Life por ser “el artista crossover más emocionante”.

El quinto álbum de Bow Wow, The Price of Fame, fue lanzado el 19 de diciembre de 2006. Bow Wow fue una estrella invitada en el programa de televisión Smallville en noviembre de 2006 en el episodio titulado “Fallout”. Bow Wow posee varios negocios.

BRANDY (1979–) Cantante, actriz

Aunque solo era un adolescente, Brandy se convirtió en una de las mayores estrellas del pop de la década de 1990. Su inmenso talento se manifestó no solo en su carrera como cantante, sino también en su éxito como actriz de cine y televisión. Nacida como Brandy Rayana Norwood el 11 de febrero de 1979 en McComb, Mississippi, la familia de Brandy se mudó a Los Ángeles cuando ella tenía cuatro años. Hija de un director de coro, la formación vocal de Brandy comenzó en el coro de jóvenes de su iglesia. Al principio, ella y su hermano menor, Ray-J, mostraron suficiente talento para aparecer en presentaciones de coro. A los 11 años, Brandy había comenzado a cantar en eventos locales e incluso se ubicó en segundo lugar en un programa de talentos para todas las edades. Solo un año después, consiguió un lugar como cantante de respaldo del grupo de R&B Immature.

En 1993, a la edad de 14 años, Brandy firmó un contrato de grabación con Atlantic Records. Ese año también obtuvo un papel en la comedia de situación breve de ABC, Thea. Brandy lanzó su álbum debut homónimo en 1994, convirtiéndose en una sensación con los sencillos “I Wanna Be Down”, “Baby” y “Brokenhearted”. También experimentó un gran éxito como colaboradora de las bandas sonoras de las películas Waiting to Exhale (“Sittin ‘Up in My Room”), Batman Forever (“Where Are You Now?”) Y Set it Off (“Missing You”). .

Brandy volvió a la actuación y consiguió el papel protagónico en la exitosa comedia de situación de UPN, Moesha. El programa se desarrolló entre 1996 y 2001, lo que le valió a Brandy un seguimiento aún mayor. En 1997, apareció en el papel protagónico de la versión cinematográfica de Disney de Cenicienta, y en 1999, apareció junto a Diana Ross en la película para televisión Double Platinum. Brandy también hizo su debut cinematográfico ese año con un papel en la película Aún sé lo que hicisteis el verano pasado.

El lanzamiento de su segundo álbum en solitario, Never SAY Never (1998), resultó ser incluso más exitoso que el primero. “The Boy Is Mine”, un dueto con la sensación adolescente Monica, encabezó las listas de éxitos de pop y R&B durante semanas. El sencillo ganó el premio Grammy a la mejor interpretación de R&B por un dúo o grupo. Nunca DIGA Nunca llegó a vender más de cinco millones de copias. En 2002, Brandy lanzó su tercer álbum, Full Moon, y causó revuelo al anunciar que había estado casada en secreto durante meses con el productor y compositor Robert Smith. Su cuarto álbum fue Afrodisiac en 2004 y su quinto, The Best of Brandy, en 2006.

Se está haciendo un álbum en 2007. Además de cantar, Brandy también continúa trabajando en televisión y películas.

BOBBY BROWN (1969–) Cantante

El cantante Bobby Brown, inteligente e inteligente en la calle, posee un encanto carismático que le ha valido numerosos discos vendidos por millones. Nacido el 5 de febrero de 1969 en Boston, fue miembro fundador del exitoso grupo New Edition. Brown permaneció con el grupo de 1984 a 1987. Su álbum debut en solitario King of Stage incluyó el sencillo “Girlfriend”. El segundo lanzamiento de Brown Don’t Be Cruel produjo el sencillo “Don’t Be Cruel” y el video llega a “My Prerogative” y “Every Little Step”.

En 1990, Brown se embarcó en una gira mundial después de lanzar un exitoso sencillo de la banda sonora de la exitosa película Ghostbusters II. En julio de 1992, Brown se casó con la cantante y actriz Whitney Houston en una ceremonia repleta de estrellas. Dos años más tarde, los dos artistas solistas actuaron juntos por primera vez en el programa televisado de 1994 Soul Train Music Awards. Además de mantener una floreciente carrera musical, Brown es propietario de B. Brown Productions, así como de su propio estudio de grabación privado.

El temperamento violento de Brown y sus roces con la ley continúan siendo objeto de mucha publicidad hasta 2007, incluso eclipsando el lanzamiento de su grabación Remixes in the Key of B de 1993 y el álbum Forever en 1997. A principios de 1998 fue condenado por conducir ebrio. Más tarde ese año fue arrestado por un delito menor de agresión sexual, pero los cargos finalmente fueron retirados. En julio de 2000, Brown cumplió 65 días en la cárcel por violar su libertad condicional. Brown intentó volver a encarrilar su carrera en 2001 al aparecer en la película Two Can Play at That Game. En junio de 2005, Brown lanzó su propia serie de telerrealidad, “Being Bobby Brown”, en la cadena de televisión Bravo.

En el otoño de 2005, New Edition interpretó algunos de sus éxitos en la celebración del 25º año de BET y llevó a Brown al escenario para interpretar a Mr. Telephone Man. Brown luego derribó la casa con su gran éxito en solitario My Prerogative. Más tarde se anunció que Brown se había reincorporado a New Edition y el grupo era de nuevo un grupo de seis hombres. Aunque las revistas, los periódicos y las columnas de chismes en 2006 y 2007 incluyeron informes sobre la separación y el divorcio de Houston de los problemas de manutención de los hijos de Brown y Brown, las noticias de 2007 informan que Houston-Brown se reunió con su hija.

CHRIS BROWN (1989–) Cantante, actor

Chris Brown nació el 4 de mayo de 1989 y se crió en la pequeña ciudad de Tappahannock, Virginia. De joven actuó en concursos de talentos locales. Antes de convertirse en vocalista, Brown estaba interesado en convertirse en rapero, pero comenzó a notar su talento como cantante a los 11 años. A los 13 años, fue descubierto por un equipo de producción local que visitó la gasolinera de su padre en busca de nuevos talentos.

Brown comenzó su carrera discográfica y se mudó a Nueva York, permaneciendo allí durante dos años.

Aparte de su carrera como cantante, se ha diversificado en algo como actor. Hizo breves apariciones en One on One de UPN y The Brandon T. Jackson Show de The-N en su episodio piloto. Además, Brown consiguió un pequeño papel como fanático de la banda en la cuarta temporada de The OC de FOX en enero de 2007. Brown hizo su debut en la pantalla grande en Stomp The Yard (originalmente titulado Steppin ‘) junto a Ne-Yo, Meagan Good y Columbus Short. en enero de 2007.

En 2006, Brown ganó el premio Soul Train Music al mejor artista nuevo de R & B / Soul, el premio NAACP Image al artista nuevo destacado y los premios BET al mejor artista nuevo y la elección de los espectadores, el premio Billboard al artista masculino del año. Ha recibido muchas otras nominaciones. Sus dos álbumes son Chris Brown, 2005 y Exclusive 2007.

JAMES BROWN (1933-2006) Cantante, director de orquesta

El impacto de James Brown en la música popular estadounidense y africana ha sido de proporciones sísmicas. Su explosiva energía en el escenario y su intensa música gospel y su sonido basado en el ritmo y el blues le valieron numerosos títulos como “El padrino del soul”, “Mr. Dynamite ”y“ El hombre más trabajador del mundo del espectáculo ”. Durante la década de 1960 y principios de la de 1970, el grupo de respaldo de Brown llamado Flames, the Famous Flames, y luego JBSe, se fusionó como una de las mejores bandas de soul en la historia de la música moderna, una que sirvió como una fuerza importante en el desarrollo de la música. funk y jazz fusión.

Nacido en Barnell, Carolina del Sur, el 3 de mayo de 1933, Brown se mudó a Augusta, Georgia, a la edad de cuatro años. Aunque fue criado por varios parientes en condiciones de privación económica, Brown poseía una determinación inquebrantable de triunfar a una edad temprana. Cuando no estaba recogiendo algodón, lavando coches o lustrando zapatos, ganaba dinero extra bailando en las calles y en concursos de aficionados. Por la noche, Brown vio espectáculos de líderes de bandas como Louis Jordan y Lucky Millinder.

A los 15 años, Brown dejó la escuela para emprender una carrera musical a tiempo completo. En las iglesias, Brown cantó con el Swanee Quartet y los Gospel Starlighters, que poco después se convirtió en el grupo de rhythm and blues The Flames. Durante el mismo período también cantó y tocó la batería con ritmo y

bandas de blues. Mientras estaba con The Flames, Brown realizó muchas giras, interpretando una amplia gama de material popular, incluyendo “Baby Don’t Do It” de Five Royales, “One Mint Julep” de Clovers y Hank Ballard y el éxito de Midnight-ers “Annie Had a Bebé.”

En 1956, el talento de Brown llamó la atención de Syd Nathan, fundador de King Records. En el mismo año, después de firmar con el sello federal, una subsidiaria de King, Brown grabó “Please Please Please”. Después de que los Flames se disolvieron en 1957, Brown formó un nuevo conjunto Flames, con ex miembros de la banda de Little Richard. De vuelta en el estudio al año siguiente, Brown grabó “Try Me”, que se convirtió en un éxito pop Top 50. En el camino, Brown pulió su actuación en el escenario y su capacidad de canto, produciendo lo que se conoció como el “James Brown Sound”. Su éxito de 1965 “Papa’s Got a Brand New Bag” le valió un Grammy a la mejor grabación de rhythm and blues, una hazaña que repitió en 1986 con “Living in America”, una canción que apareció en la banda sonora de la película Rocky IV.

Después del lanzamiento de “Out of Sight”, la música de Brown exhibió un sonido más polirrítmico como se evidencia en estallidos de cuerno en staccato y líneas de bajo contrapuntísticas. Cada lanzamiento sucesivo exploró avenidas cada vez más nuevas de la música popular. El éxito de Brown de 1967 “Cold Sweat” y el lanzamiento de 1968 “I Got the Feeling” no solo enviaron ondas de choque a la industria de la música, sino que sirvieron como libros de texto de ritmo para miles de aspirantes a músicos. En 1970, Brown disolvió los Flames y formó los JB, con Bootsy Collins. El grupo produjo una serie de éxitos como “Super Bad” y “Sex Machine”. Universal James (1993) fue el 79º álbum de Brown.

A pesar de la publicidad negativa generada por el intérprete a menudo “en problemas”, la carrera de Brown siguió siendo efervescente desde finales de los años ochenta hasta los noventa. Incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986, el siempre popular Brown recibió el premio Ray Charles Lifetime Achievement Award de la Rhythm & Blues Foundation como parte del programa Pioneer Awards de la organización en 1993. Más tarde ese año, fue galardonado por su vida. logros en el banquete de premios Black Radio Exclusive en Washington, DC Además, Steamboat Springs, Colorado, votó para nombrar un puente en honor al soulster y la ciudad natal de Brown, Augusta, y siguió su ejemplo al nombrar una calle en su honor. Quizás el tributo más dulce que se le ha rendido a Brown ha sido el nombramiento de James Brown Cookeez por una empresa de galletas con sede en Georgia. Muchas de sus grabaciones se reeditaron en la década de 1990, y cientos de sus discos han sido muestreados por los círculos del rap y el hip hop, lo que ilustra la continua influencia musical de Brown. La aparición más reciente de Brown fue en el Estadio RFK en Washington, DC, en “United We Stand: What More Can I Give”, un beneficio para las víctimas de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001.

El 14 de noviembre de 2006, Brown actuó en la ceremonia en la que fue incluido en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido. En reconocimiento a sus logros como artista, Brown recibió el Kennedy Center Honors el 7 de diciembre de 2003. En 2004, la revista Rolling Stone clasificó a James Brown como el número 7 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. James Brown también fue honrado en su ciudad natal Augusta, Georgia por su filantropía y actividades cívicas. El 20 de noviembre de 1993, el alcalde Charles DeVaney de la ciudad de Augusta, Georgia, llevó a cabo una ceremonia para dedicar una sección de la calle 9 entre las calles Broad y Twiggs, rebautizada como “James Brown Boulevard”, en honor al artista. El 6 de mayo de 2005, como regalo de cumpleaños número 72 para Brown, la ciudad de Augusta inauguró una estatua de bronce de tamaño natural de la cantante en Broad Street.

En enero de 2004, Brown fue arrestado en Carolina del Sur por un cargo de violencia doméstica después de que Tomi Rae Hynie lo acusó de empujarla al piso durante una discusión en su casa, donde sufrió rasguños y moretones en el brazo derecho y la cadera. Más tarde, ese mismo año, en junio de 2004, Brown no impugnó el incidente de violencia doméstica, pero no cumplió condena en la cárcel. En cambio, se requirió que Brown perdiera una fianza de $ 1,087 como castigo.

Brown continuó actuando con regularidad incluso cuando estaba enfermo. El 25 de diciembre de 2006, el artista murió en Atlanta, Georgia. Después de la muerte de Brown el día de Navidad, los familiares y amigos de Brown, celebridades y miles de fanáticos asistieron a los servicios conmemorativos públicos en el Teatro Apollo de Nueva York el 28 de diciembre de 2006 y en el James Brown Arena el 30 de diciembre de 2006 en Augusta, Georgia. También se llevó a cabo un servicio conmemorativo privado separado en North Augusta, Carolina del Sur, el 29 de diciembre de 2006, al que asistieron la familia y amigos cercanos de Brown. Las celebridades que asistieron a los servicios conmemorativos públicos y / o privados de Brown incluyeron a Joe Frazier, Dick Gregory, MC Hammer, Jesse Jackson, Michael Jackson y Don King, entre otros. A principios de 2007, un miembro de la familia de Brown aún no se había decidido por un lugar de entierro permanente para Brown.

RUTH BROWN (1928-2006) Cantante

Nacida como Ruth Weston el 30 de enero de 1928 en Portsmouth, Virginia, Ruth fue inicialmente influenciada por los grandes del jazz Sarah Vaughn, Dinah Washington y Billie Holiday. Se escapó de casa en 1945 con el trompetista Jimmy Brown, con quien pronto se casó. Las frustraciones iniciales de su carrera, incluido un grave accidente automovilístico que la hospitalizó durante nueve meses desde 1948 hasta 1949, retrasaron su debut. Sin embargo, su primera grabación para Atlantic en 1949, “So Long”, fue un éxito de balada. A principios de la década de 1950, su seductora entrega vocal la colocó en las listas de ritmos y blues con melodías como “Teardrops in My Eyes”, “I Know”, “5-10-15 Hours” y “He Treats Your Daughter Mean”. En 1960 tenía una docena de éxitos en las listas de ritmos y blues antes de que su carrera decayera.

Brown crió a dos hijos y trabajó de nueve a cinco antes de revivir su carrera a mediados de la década de 1970 con apariciones en televisión, cine y teatro, incluido su espectáculo de Broadway de 1989 Black and Blue, por el que ganó un premio Tony. En la década de 1990, Ruth ha publicado algunas excelentes grabaciones que incluyen: Fine and Mellow (1991); Canciones de mi vida (1993); Live in London (1996); R + B = Ruth Brown (1997); y Buen día para los azules. También condujo programas de radio en National Public Radio y formó la fundación sin fines de lucro Rhythm & Blues Foundation, una organización que ayuda a los músicos a recuperar su parte de las regalías (Ruth personalmente ha soportado una pelea de nueve años con Atlantic para recuperar sus regalías). En 1999, Brown publicó Miss Rhythm: The Autobiography of Ruth Brown, Rhythm and Blues Legend que narra su carrera y el auge de la música Blues.

El reinado de Ruth durante la década de 1950 ayudó a establecer la prominencia del blues como una fuerza de mercado. Murió a los setenta y ocho años en Las Vegas el 17 de noviembre de 2006.

MARIAH CAREY (1970–) Cantante y compositora de R&B

Mariah Carey nació en Long Island, NY, de madre irlandesa y padre hispano negro en 1970. Un día después de su graduación de la escuela secundaria, Mariah se mudó a la ciudad de Nueva York para seguir una carrera como cantante. Su primer álbum Mariah Carey en 1990 llegó al número uno en las listas y su segundo álbum, Emotions, en 1991 también fue exitoso. Lanzó su tercer álbum, Music Box, en 1993, que incluía los sencillos número uno Dreamlover y Hero. En 1994 lanzó un álbum navideño, Merry Christmas, en 1995 el álbum Daydream y en 1997, Butterfly. Carey lanzó una compilación de sus trece sencillos de éxito llamados # 1 en 1998. Continuó siendo prolífica lanzando Rainbow en 1999 y después de firmar con Island / Def Jam, creó su propio sello, MonarC Music y lanzó Charmbracelet en 2002 y The Emancipation of Mimi en 2005, un éxito multiplatino. The Emancipation of Mimi, con el exitoso sencillo “We Belong Together”, obtuvo 8 nominaciones al Grammy. Ganó tres, incluido uno por Mejor Álbum de R&B Contemporáneo. Carey también ha hecho una variedad de apariciones en televisión, videos y películas.

RAY CHARLES (1930-2004) Cantante, pianista, director de orquesta

Ray Charles Robinson nació el 23 de septiembre de 1930 en Albany, Georgia. Cegado por el glaucoma a la edad de seis años, Charles recibió su primera formación musical en una escuela para ciegos en St. Augustine, Florida. Sus padres murieron cuando él era un adolescente y, después de tocar con bandas locales, Charles se mudó a Seattle en 1947, donde formó un trío. Influenciado por el suave estilo pop / rítmico y blues de Charles Brown y Nat King Cole, Charles obtuvo un éxito entre los diez primeros en ritmo y blues con “Baby Let Me Hold Your Hand”. A principios de la década de 1950, se asoció con Guitar Slim y Ruth Brown antes de conseguir un segundo éxito de rhythm and blues con “I Got a Woman” en 1955. Esta grabación fue la primera en capturar el gemido gospel de Charles y los arreglos de trompeta que se convirtieron en su marca registrada. .

A lo largo de la década de 1950, Charles lanzó una serie de éxitos de rhythm and blues que combinaban arreglos sofisticados con la garra emocional del rhythm and blues que se conocería como música “soul”. Charles también anotó su primer éxito entre los diez primeros pop con “What’d I Say”, que destacó la voz de la iglesia suplicante de Charles con una línea de piano de rock and roll. Su forma de cantar y tocar el piano se basó en muchas fuentes, incluido el jazz, y cortó lados de jazz puro con David “Fathead” Newman y Milt Jackson, lo que ayudó a imbuir un sentido de “soul” y “funkiness” instrumental en el idioma del jazz.

A fines de la década de 1950, Charles se cambió a ABC Records y obtuvo el control artístico de su trabajo. Su éxito en el pop quedó asegurado con “Hit the Road Jack” seguido en 1962 por “I Can’t Stop Loving You”, una canción country y occidental que encabezó las listas de éxitos. Charles fue inmensamente popular hasta mediados de la década de 1960 antes de que su carrera se detuviera en 1965 por su participación en las drogas. Surgió con más éxitos a finales de la década de 1960, aunque había comenzado a centrarse casi por completo en la música pop.

Charles fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986, recibió una Medalla Nacional de las Artes en 1993 y participó en el Festival de Jazz de Newport JVC de 1995. Charles, quien ha recibido más de diez premios Grammy y es presidente vitalicio honorario del Salón de la Fama del Rhythm and Blues, también es miembro del Salón de la Fama del Pop, el Salón de la Fama del Rock and Roll y el Salón de la Fama de los Compositores. Recibió un doctorado honorario en 1999 de la Universidad de Wilberforce. En 2001, Charles se asoció con Bally’s Entertainment para crear la primera máquina tragamonedas para ciegos. Charles continúa actuando y haciendo música, lanzando su último álbum, Thanks For Bringing Love Around Again en 2002, marcando su séptima década en el negocio de la música. Charles estuvo involucrado en la película biográfica Ray, una película de octubre de 2004 que retrata su vida y carrera entre 1930 y 1966 y está protagonizada por Jamie Foxx como Charles. Foxx ganó el Premio de la Academia 2005 al Mejor Actor por el papel. Antes de que comenzara el rodaje, Foxx conoció a Charles y se sentaron a dos pianos y tocaron juntos. Durante dos horas, Charles desafió a Foxx, quien reveló la profundidad de su talento, y finalmente, Charles se puso de pie, abrazó a Foxx y le dio su bendición. Ray Charles murió el 10 de junio de 2004 después de una larga batalla contra el cáncer.

CIARA (1985–) R&B, cantante de hip hop

Ciara Princess Harris, nacida el 25 de octubre de 1985 en Austin, Texas, creció en bases militares en los Estados Unidos y Alemania porque sus padres estaban en el ejército. Cuando era una adolescente, Ciara, impresionada cuando vio las actuaciones de Destiny’s Child, decidió que quería una carrera en la música. Ciara se unió a un grupo de chicas llamado Hearsay e intentó perfeccionar sus habilidades para escribir canciones, pero dejó el grupo debido a diferencias. Ciara consiguió un contrato editorial y conoció al productor Jazze Pha, quien la ayudó a firmar con LaFace Records después de graduarse de la escuela secundaria en 2003.

Ciara hizo su debut en el verano de 2004 con el sencillo número uno de Billboard Goodies en un álbum del mismo nombre. El álbum se convirtió en un éxito comercial en los Estados Unidos vendiendo más de dos millones y medio de copias y alcanzó el número uno tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido. El segundo y tercer sencillo 1, 2 Step con Missy Elliott y Oh con Ludacris fueron los cinco mejores sencillos en ambos países. En 2006, Ciara ganó su primer Grammy por Lose Control de Missy Elliott en la categoría Mejor video musical de formato corto. En abril de 2006, Ciara apareció en el single So What de los diez primeros en Billboard de Field Mob. Al mes siguiente, debutó como actriz en la producción de MTV Films All You’ve Got. Ciara completó su segundo álbum en diciembre de 2006 y planeaba lanzar Maximum Ciara en 2007.

GEORGE CLINTON (1942–) Cantante, compositor, director de orquesta, productor

El padre de “P. Funk ”(es decir,“ puro ”) George Clinton convirtió la fórmula del funk refinada por James Brown en una institución. Sus grupos Parliament y Funkadelic y una panoplia de ramificaciones mantuvieron al resto del mundo del rhythm and blues esforzándose por mantenerse al día durante la década de 1970; por

En la década de 1990, la prodigiosa obra grabada bajo el sobrenombre de P. Funk ejerció una enorme influencia en el rap, el soul y el rock. Aunque confió en gran medida en un grupo de talentosos músicos para dar vida a sus visiones, Clinton fue el visionario detrás del legendario “Parliafunkadelicment Thang”.

Clinton nació en Carolina del Norte y se mudó con su familia a Nueva Jersey durante su adolescencia; allí ayudó a formar un grupo de doo wop llamado Los Parlamentos. Después de años de lucha y mudarse a Detroit, el grupo logró vender algunas canciones a otros artistas, pero nunca logró el éxito por sí solo. Con el advenimiento del rock psicodélico a mediados de la década de 1960, The Parliaments comenzó a cambiar de forma; se transformaron en Funkadelic en 1968, añadiendo guitarras de hard rock y ritmos espaciales. Los primeros álbumes de Funkadelic, en particular Maggot Brain, se convirtieron en clásicos del funk rock indómito.

Clinton desplegó el Parlamento como un vehículo funk un poco más convencional a principios de la década de 1970, haciendo hincapié en las bocinas y los arreglos más orientados al baile. A mediados de la década, el Parlamento se había convertido en un gran creador de éxitos con sus álbumes conceptuales de temática fantástica y sus actuaciones de circo. Canciones como “Flash Light”, “Bop Gun (especie en peligro de extinción)”, “Mothership Connection” y “Aqua Boogie” se convirtieron en elementos básicos del funk.

Funkadelic comenzó a tomar un giro más comercial, particularmente después de firmar con Warner Bros. Records; sus mayores éxitos llegaron con los álbumes One Nation Under a Groove y Uncle Jam Wants You. Clinton ayudó a su bajista Bootsy Collins a convertirse en una leyenda del funk por derecho propio y supervisó álbumes de empresas de P. Funk como The Brides of Funkenstein, Parlet y P. Funk All-Stars, entre muchas otras. También lanzó una gran cantidad de grabaciones en solitario; su mayor éxito en esta capacidad fue el bullicioso “Atomic Dog”. Aunque el negocio declinó por estos actos durante la década de 1980, la influencia de Clinton fue constante en el pop afroamericano; en la década de 1990, las grabaciones de P. Funk estaban entre las más muestreadas en hip hop. Clinton llegó tan lejos como para establecer un sencillo sistema de licencias para los artistas de rap que querían sacar algo de su trabajo. Gracias a la adoración de todos desde el Dr. Dre para rockeros como los Red Hot Chili Peppers, Clinton se convirtió en una figura omnipresente en la escena de la cultura pop. Presidió el P. Funk All-Stars en el Festival Lollapalooza y apareció en numerosas películas y comerciales de televisión.

En 1999, Clinton presentó una demanda contra su compañía discográfica por los derechos de sus canciones de 1960 y 1970. Clinton, sin embargo, perdió su demanda en 2001 debido a un contrato que firmó en 1983. George Clinton continúa de gira con los P. Funk All-Stars y, a menudo, se puede ver en campus universitarios y lugares más pequeños.

NATALIE COLE (1950–) Cantante

Con cinco discos de oro y su estrella en Hollywood Boulevard, Natalie Cole ha emergido desde la década de 1980 como una de las principales estrellas de la música pop. Nacida el 6 de febrero de 1950 en Los Ángeles, Natalie fue la segunda hija del pianista de jazz y leyenda de la música pop Nat “King” Cole. A principios de la década de 1970, Cole actuó en clubes nocturnos, mientras estudiaba psicología infantil en la Universidad de Massachusetts. En 1975, grabó su primer álbum Inseparable en los Custom Studios de Curtis Mayfield. Sus otros álbumes incluyen: Thankful (1978); Estoy listo (1983); Es bueno estar de vuelta (1989); Eche un vistazo (1993); y Holly and Ivy (1994), que coincidió con su especial de PBS “Natalie Cole’s Untraditional Traditional Christmas”.

En 1991, Cole lanzó una colección de 22 canciones de los éxitos de su padre. El álbum, que contiene una versión remezclada de la canción principal “Unforgettable”, presenta un dueto entre Cole y su padre y le valió los premios Grammy de “Disco del año” y “Álbum del año”, complementando los premios Grammy que ganó en 1976. a mejor artista nuevo y en 1976 y 1977 a la mejor interpretación vocal femenina de rhythm and blues. Cole también ganó dos NAACP Image Awards a mediados de la década de 1970 y un American Music Award en 1978.

En 1996, Cole lanzó su próximo álbum Stardust. Dejó la gira con el álbum en espera para poder unirse al elenco de la película animada Cats Don’t Dance que llegó a los cines en 1997. En 1998, Cole publicó su autobiografía titulada Angel on My Shoulder que describe su triunfo sobre el consumo de drogas y malos matrimonios. A finales de 2000, NBC emitió Livin ‘Large: The Natalie Cole Story, una película para televisión en la que Cole actuó. En 2002, Cole se casó con el obispo Kenneth H. Dupree y también firmó un contrato con Verve Records para producir sus próximos álbumes. Su primer álbum de Verve es en el otoño de 2002. En septiembre de 2006, lanzó “Leavin” ‘, un álbum de versiones de temas popularizados por Shelby Lynne, Kate Bush, Sting y Fiona Apple, entre otros; el álbum es un híbrido de rock, música pop y R&B.

SEAN “PUFFY” COMBS (1969–) Ejecutivo de una compañía musical, emprendedor

Sean Combs nació en Nueva York, Nueva York, en 1969. Su oído para el rap y el hip hop combinado con sus habilidades de producción son una combinación probada. Comenzó a hacerse notar a los 19 años en la escena hip hop de Nueva York. Como pasante en Uptown Records, el talento de Combs le valió un puesto permanente. Dirigió el departamento de Artista y Repertorio de Uptown, donde sus principales responsabilidades eran firmar y desarrollar nuevos talentos.

En 1991, la suerte de Combs empeoró. Los fanáticos ansiosos por un juego de baloncesto benéfico se apresuraron a entrar y mataron a nueve personas. El evento, organizado por Combs, puso una mancha negra en su joven carrera. Los ataques de los medios de comunicación y las investigaciones de la alcaldía llevaron a Combs a una depresión. Incapaz de trabajar, se limitó a vivir en su casa de Mt. Vernon, Nueva York. En un año, Uptown lo despidió.

La frustración y el rechazo inspiraron a Combs a perseguir los sueños de su vida. Su talento le había ganado una reputación, lo que llevó a Arista Records a firmarlo. Combs llamó a esta división de Arista Records “Bad Boy Entertainment”. El éxito pronto siguió cuando Bad Boy lanzó éxitos de los raperos Craig Mack y Notorious BIG, a quienes se atribuye el descubrimiento de Combs.

La capacidad de encontrar ese talento distingue a Combs de la mayoría de los demás productores de hip hop. El éxito de los artistas de hip hop de Bad Boy llevó al desarrollo de nuevos artistas. Varios proyectos, incluido el lanzamiento en 1996 del debut de la cantante Faith Evans, mantuvieron a Combs ocupado. Después de la muerte a tiros de su amigo, Notorious BIG, el 7 de marzo de 1999, Combs reescribió algunas de las letras de su propio álbum debut No Way Out. El álbum produjo tres sencillos exitosos, incluido “I’ll Be Missing You”, un tributo a Notorious BIG Combs que continúa siendo impulsado hacia el éxito, abriendo un restaurante de comida soul en Manhattan y una marca de ropa a fines de la década de 1990.

A principios de 2000, Combs fue acusado de dos cargos de posesión criminal de un arma. Más tarde ese año se declaró inocente de los cargos de soborno relacionados con un tiroteo en diciembre de 1999 en un club nocturno de Nueva York. El ex conductor de Combs, Wardel Fenderson, también demandó al productor de música rap por $ 3 millones. Fenderson afirma que sufrió lesiones personales mientras ayudaba a Combs a huir del tiroteo de 1999 en Nueva York. Afortunadamente para Combs, fue absuelto de los cuatro cargos de posesión criminal de armas y un cargo de soborno a un testigo en 2001. El tiempo de Combs en la corte no hizo nada para frenar su producción musical. El álbum de Combs de 2001, The Saga Continues with the Bad Boy Family, alcanzó el puesto número dos en las listas de éxitos. En 2002, Combs regresó a los tribunales para resolver una demanda de paternidad presentada por su ex novia, la madre de su hijo.

Diddy preside un imperio mediático que incluye el sello discográfico Bad Boy Records, las líneas de ropa Sean John y Sean de Sean Combs, una productora de películas y dos restaurantes. Ha asumido los papeles de ejecutivo de grabación, intérprete, productor de “Making the Band” de MTV, escritor, arreglista, diseñador de ropa y actor de Broadway. Fue anfitrión de los MTV Video Music Awards 2005 y fue nombrado una de las 100 personas más influyentes de 2005 por la revista Time. Diddy lanzó el álbum Press Play el 17 de octubre de 2006, su primer álbum en 4 años. El álbum incluyó una variedad de apariciones especiales y contemporáneas como Christina Aguilera, Keyshia Cole, Mario Winans (firmado con su sello ‘Bad Boy Records’), Nas, Will.i.am (Black Eyed Peas), Mary J. Blige, Nicole Scherzinger (de las Pussycat Dolls), Jamie Foxx, Big Boi (Outkast), Ciara y Brandy.

En la edición de febrero de 2007 de la revista Blender, Diddy habló sobre su guardarropa. Combs ha seguido atrayendo a grandes audiencias.

SAM COOKE (1931-1964) Cantante, compositor

El sofisticado estilo vocal y la imagen refinada de Sam Cooke lo convirtieron en uno de los más grandes ídolos de la música pop de principios de la década de 1960. Cooke, uno de los primeros artistas de la música gospel en fusionarse con la música popular, produjo canciones de calidad atemporal, llenas de emoción humana y optimismo espiritual.

Nacido en Clarksdale, Mississippi, el 2 de enero de 1931, Sam Cooke creció como hijo de un ministro bautista en Chicago, Illinois. A la edad de nueve años, Cooke, junto con dos hermanas y un hermano, formaron un grupo de gospel llamado Singing Children. Cuando era adolescente, se unió al grupo de gospel Highway QCs, que actuaba en el mismo proyecto de ley con actos de gospel de fama nacional.

En 1950, Cooke reemplazó al tenor Rupert H. Harris como cantante principal del renombrado grupo de gospel Soul Stirrers. La primera grabación de Cooke con Soul Stirrers, “Jesus Gave Me Water”, fue grabada para el sello especializado de Art Rupe. Aunque la canción reveló la inexperiencia de Cooke, de 20 años, exhibió una calidad de inmensa pasión y sentimiento elevado. Bajo el seudónimo de Dale Cooke, Sam grabó la canción pop “Loveable” en 1957. Ese mismo año, en una sesión para el productor Bumps Blackwell en el sello Keen, Cooke grabó “You Send Me” que escaló al número uno en el ritmo y el blues. gráficos. En el sello Keen, Cooke grabó ocho éxitos consecutivos más, incluidos “Everyone Likes to Cha Cha Cha”, “Only Sixteen” y “Wonderful World”, todos escritos o coescritos por Cooke.

Después de que su contrato con el sello Keen expirara en 1960, Cooke firmó con RCA y fue asignado al personal de productores Hugo Peretti y Luigi Creatore. En agosto, la grabación de Cooke “Chain Gang” alcanzó el puesto número dos en las listas de éxitos. Bajo la lujosa producción de Hugo y Luigi, Cooke produjo una serie de éxitos como “Cupido” en 1961, “Twistin ‘the Night Away” en 1962 y “Another Saturday Night” en 1963. A principios de 1964, Cooke apareció en el “Tonight Show”, debutando dos canciones de su próximo LP que incluía la composición de influencia góspel “A Change Is Gonna Come”. El 11 de diciembre, Cooke se registró en un motel de tres dólares la noche donde exigió la entrada a la habitación del gerente nocturno. Después de una breve lucha física, el gerente disparó tres tiros de pistola que hirieron de muerte a Cooke. A pesar de su trágica muerte,

FATS DOMINO (1928–) Cantante

Antoine Domino nació el 26 de febrero de 1928 en Nueva Orleans. Cuando era adolescente, Domino recibió lecciones de piano de Harrison Verret. Mientras tocaba en clubes nocturnos, Domino trabajaba en una fábrica y cortaba césped en Nueva Orleans. A los 20 años, tomó un trabajo como pianista con el combo del bajista Billy Diamond en el Hideaway Club. En algún momento de su carrera temprana, su cuerpo de cinco pies y cinco pulgadas y 200 libras lo llevó al apodo de “Grasas”.

En 1949, mientras tocaba con el grupo de Diamond, Domino fue descubierto por el productor y arreglista David Bartholomew, un buscador de talentos, músico y productor del sello Imperial. Durante el año siguiente, Domino llegó a las listas de éxitos con la melodía autobiográfica “Fat Man”. Después del lanzamiento de “Fat Man”, tocó en una gira respaldado por la banda de Bartholomew.

Aunque Domino lanzó varios lados a principios de la década de 1950, no fue hasta 1955 que ganó prominencia nacional con el éxito “Ain’t That A Shame”. En los siguientes seis años, Domino logró 35 éxitos con canciones como “Blueberry Hill” (1956), “Blue Monday” (1957), “Whole Lotta Lovin” (1958) y “I’m Walkin” (1959). . El éxito discográfico de Domino lo llevó a aparecer en varias películas en la década de 1950, incluidas The Girl Can’t Help It, Shake Rattle and Roll, Disc Jockey Jamboree y The Big Beat.

Después de que el contrato de Domino con Imperial expirara en 1963, firmó con ABC, donde realizó varias grabaciones comerciales. En 1965, Domino se mudó a Mercury y luego a Reprise en 1968. A principios de la década de 1970, Domino comenzó a hacer giras con mayor regularidad que durante la cima de su carrera. En 1995, mientras estaba de gira en Inglaterra, Domino fue hospitalizado por infección y agotamiento. A pesar de las sugerencias de que su salud está en declive, Domino continúa trabajando en material nuevo y los honores fluyen hacia él. Estos honores incluyen un Premio Pioneer de la Fundación Rhythm and Blues en 1995 y una Medalla Nacional de las Artes en 1998. Domino continúa de gira, haciendo apariciones especiales en lugares como Harrah’s Jazz Casino, donde ha realizado espectáculos en 1999, 2000, 2001 y 2002. En 2005, la casa de la infancia de Domino fue dañada por el huracán Katrina, pero pronto se hicieron esfuerzos para reconstruirla. En mayo de 2006, la biografía de Domino.Blue Monday — Fats Domino and the Lost Dawn Of Rock ‘n’ Roll, escrito por Rick Coleman, fue lanzado por Da Capo Press.

DR. DRE (1965–) Cantante de rap, productor

Desde que tenía cuatro años, Dr. Dre, cuyo nombre de nacimiento era Andre Ramelle Young, hacía de DJ en las fiestas de su madre. En 1981, escuchó una canción de Grandmaster Flash que lo inspiró a cambiar su nombre en honor a la estrella del baloncesto Julius “Dr. J. ” Erving y conviértete en DJ. Dr. Dre comenzó a hacer girar discos en un club nocturno de Los Ángeles, produciendo las cintas de baile en el estudio de cuatro pistas del club. Además de usar las marcas comerciales de rap de samples, scratching y cajas de ritmos, agregó teclados y voces.

En 1982, cuando Dre tenía 17 años, formó el World Class Wreckin ‘Cru con otro DJ. Su primer sencillo lanzado de forma independiente vendió 50.000 copias. Al año siguiente, Dre se graduó de Compton, Centennial High School de California. Le ofrecieron un puesto de dibujo mecánico en una empresa de aviones, pero lo rechazó para dedicarse a la música. En 1985, Dr. Dre se unió al grupo recién formado, NWA (Niggaz With Attitude), junto con Ice Cube, Eazy E, Yella, MC Ren y Arabian Prince. Ese año también produjo el primer álbum de platino de Eazy E, Eazy-Duz-It.

El exitoso pero controvertido trabajo de NWA incluyó el multiplatino Straight Outta Compton, lanzado en 1989 en Eazy E y Dr. Dre’s Ruthless Records. Dr. Dre produjo el DOC, un rapero que había descubierto en Texas. El resultado fue que el álbum No One Can Do It Better llegó al número uno en la lista de álbumes de R&B de Billboard. Dre también produjo un álbum de platino para Michel’le, otra grabación número uno.

En enero de 1990, Ice Cube dejó NWA por una disputa financiera; NWA grabó la última de sus cuatro grabaciones sin él en 1991. Más tarde ese año, Dre dejó Ruthless para co-fundar Death Row Records con Suge Knight. El primer trabajo en solitario de Dre, The Chronic, fue lanzado en 1993. El trabajo, con artistas de rap en ciernes como Snoop Doggy Dogg, vendió 3 millones de copias. Continuó produciendo el debut de Snoop, Doggystyle.

En 1994, Dre recibió un premio Grammy a la mejor interpretación en solitario de rap. En los Source Awards, fue nombrado mejor productor, artista solista y The Chronic fue nombrado mejor álbum. Al año siguiente, Spin lo nombró “Uno de los 10 mejores artistas que más importaron, 1985; 1995”. En 1996, Dre sorprendió a la comunidad del hip hop al anunciar que dejaba el corredor de la muerte. Tenía la esperanza de que el sello se extendiera a otros géneros como el jazz y el reggae, pero el rap siguió aportando dinero y otros no compartieron su visión. En cambio, Dre comenzó su propio sello, Aftermath Entertainment. Continuó editando videos, además de escribir su biografía. También apareció en un pequeño papel como actor en la película Set It Off de 1996.

En 2000, Dre se unió al grupo de rock Metallica en una lucha legal contra Napster Inc., la compañía que produce software que permite a los usuarios de Internet compartir música desde los discos duros de sus computadoras. Ellos y otros artistas lograron proteger su material protegido por derechos de autor para que no se descargue del sitio. Más tarde ese año, Dr. Dre recibió un Lifetime Achievement Award en los Source Hip-Hop Music Awards. Fue la primera entrega de premios dedicada a la música hip-hop. 2001 fue un año aún más trascendental para Dre. Ganó premios Grammy a la mejor interpretación de rap de un dúo o grupo por “Forgot About Dre”, su dúo con Eminem, y productor del año (no clásico) de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación. También fue honrado con un American Music Award en la categoría de “artista favorito de rap / hip hop”. Como fundador y actual CEO de Aftermath Entertainment, ha producido muchos álbumes con una variedad de artistas. Para 2007, se estima que la riqueza personal de Dre superará los 150 millones de dólares.

KENNETH “BABYFACE” EDMONDS (1958–) Compositor, productor

Edmonds nació a fines de la década de 1950 en Indianápolis, Indiana, y pasó sus años de escuela secundaria buscando entrevistas con ídolos de estrellas del pop como Jackson 5 y Stevie Wonder. Después de tocar en varias bandas de rhythm and blues, Edmonds comenzó una colaboración con Antonio “LA” Reid en 1981; entonces eran miembros de un acto llamado Deele, pero pronto ganaron elogios escribiendo y produciendo canciones para otros artistas como Shalamar y Bobby Brown.

En 1989, Edmonds y Reid formaron su propia compañía, LaFace Records, respaldada por el sello Arista. Continuaron su éxito escribiendo y produciendo éxitos de pop, soul y rhythm and blues para artistas como Paula Abdul y Whitney Houston, y a Edmonds y Reid también se les atribuye haber dado un comienzo considerable a las carreras de TLC y Toni Braxton. El dúo ha ganado numerosos premios Grammy, incluido uno para productor.

del año por la banda sonora de 1993 de la película de Eddie Murphy Boomerang y han compartido varios honores como compositor del año de Broadcast Music Inc. (BMI).

Edmonds también es un popular solista e intérprete por derecho propio, con tres lanzamientos bien recibidos a su nombre, incluido el lanzamiento de 1993 For the Cool in You, un vendedor de platino cuyo éxito “When Can I See You” le valió el Grammy de 1993 para el mejor vocalista masculino de ritmos y blues. Durante varios meses, entre 1994 y 1995, Edmonds estuvo de gira, actuando como telonero de Boyz II Men, otro de los grupos de enorme éxito para los que ha escrito y producido. A finales de 1995 ganó más elogios por producir la banda sonora de la aclamada película Waiting to Exhale. En 1997 Edmonds lanzó la grabación Babyface: MTV Unplugged y siguió con un álbum de Navidad en 1998. En 2001, se lanzó el último trabajo de Edmonds como “Babyface”, llamado Face2Face. Edmonds continúa prosperando como magnate de los récords, intérprete,

Edmonds presentó una demanda por incumplimiento de contrato en 2006 contra la cantante Anita Baker, alegando que le debe más de 250.000 dólares. Presentada en Los Ángeles, la demanda afirma que Baker rompió dos acuerdos orales con Edmonds, quien en 2004 coescribió, produjo e interpretó la canción “Like You Used to Do” del álbum “My Everything” de Baker. La demanda afirma que Baker se negó a pagar regalías del productor de Edmonds equivalentes a al menos $ 100,000 de un estimado de más de 500,000 álbumes vendidos. Edmonds también afirmó que él y Baker tenían un acuerdo para tocar juntos en cuatro conciertos, pero que Baker canceló dos espectáculos y se negó a pagar 150.000 dólares por esas fechas. Edmonds ha escrito éxitos para varias estrellas del R&B.

MISSY ELLIOTT (1971–) Rapera, cantante y compositora

Melissa Arnette Elliott, nacida el 1 de julio de 1971 en Portsmouth, Virginia, fue conocida por primera vez como “Delito menor” Elliott, aunque ahora usa el nombre “Missy” Elliott. En 2007, Elliott había vendido más de veinticuatro millones de discos en todo el mundo, lo que la convirtió en una de las raperas más vendidas. Fue la cuarta rapera en llegar al platino, detrás de Lil ‘Kim, Foxy Brown y Da Brat. Es la única rapera que tiene seis álbumes de platino. Missy Elliott también es una de las favoritas de la crítica, con dos de sus sencillos clasificados entre los cinco primeros de la década de 2000 en Acclaimedmusic.net.

Elliott es conocido por una serie de éxitos que incluyen “The Rain (Supa Dupa Fly)”, “Hit ‘Em Wit Da Hee”, “Get Ur Freak On”, “One Minute Man”, “Work It” y “Lose Control . ” Sus álbumes incluyen Supa Dupa Fly (1997), Da Real World (1999), Miss E. . . Tan adictivo (2001), En construcción (2002), ¡ esto no es una prueba! (2003), The Cookbook, (2005) y Respect ME(2006, un lanzamiento fuera de EE. UU.). Además, ha recibido el reconocimiento como una de las compositoras más exitosas de la era de la música moderna, habiendo escrito muchos éxitos para artistas como Melanie B, Fantasia, Aaliyah, 702, Total, Nelly Furtado, Ciara, Nicole Wray y Tweet. , a menudo con su amigo de la infancia Timbaland. Elliott ha ganado cuatro premios Grammy como intérprete y algunos como productor. También ha actuado en cine y televisión.

ROBERTA FLACK (1939–) Cantante, pianista

Nacida en Black Mountain, Carolina del Norte, el 10 de febrero de 1939, Roberta Flack se mudó a Washington, DC, con sus padres a la edad de nueve años. Tres años más tarde estudió piano clásico con la prominente concertista afroamericana Hazel Harrison. Después de ganar varios concursos de talentos, Flack ganó una beca para la Universidad de Howard, donde se graduó con una licenciatura en educación musical. A principios de la década de 1960, Flack enseñó música en el sistema de escuelas públicas de Washington, DC.

Mientras tocaba en un club en 1968, Les McCann descubrió a Flack, cuyas conexiones dieron como resultado un contrato con Atlantic Records. El primer álbum de Flack, First Take, apareció en 1970 e incluía la exitosa canción “The First Time Ever I Saw Your Face”. A lo largo de la década de 1970, Flack consiguió varios éxitos como “Killing Me Softly With His Song” y “The Closer I Get to You”, un dueto con Donny Hathaway; ambas canciones obtuvieron premios Grammy, y “Killing Me Softly” fue rehecho en 1996 por el grupo de rap The Fugees. A principios de la década de 1980, Flack colaboró ​​con Peabo Bryson para grabar el éxito “Tonight I Celebrate My Love For You”. En 1991, Flack disfrutó de otro éxito Top 10 “Set the Night to Music”, un dueto con Maxi Priest. Más recientemente, Flack ha estado involucrada en proyectos educativos, y en 1994, grabó el álbum Roberta, una grabación de jazz nominada al Grammy,

La música de Flack llegó a una generación completamente nueva en 1996 cuando los Fugees rehicieron su éxito “Killing Me Softly With His Song”. Incluso tocó la canción en su programa de radio Brunch with Roberta Flack, un programa de radio sindicado de dos horas durante el cual gira discos y recuerda sus días en el centro de atención del pop. En 1997, lanzó su siguiente álbum de canciones navideñas titulado simplemente Álbum de Navidad. En 1999, Flack inició una gira internacional y se le permitió el honor de cantarle a Nelson Mandela durante su escala en Sudáfrica. Flack continúa haciendo e interpretando su música en todo el mundo. En 2003, Flack lanzó un álbum navideño, “Holiday”, que incluye una colección de canciones de temporada y algunos de sus clásicos. Participó en el álbum “Songs From the Neighborhood”, un tributo de estrellas a la música del difunto Fred “Mr.

ARETHA FRANKLIN (1942–) Cantante, pianista, compositora

Durante la década de 1960, la colaboración de Aretha Franklin y el productor de Atlantic Records, Jerry Wexler, produjo algunas de las músicas populares más profundas y sinceras jamás grabadas. Como “Reina del Soul”, Franklin ha reinado supremamente desde finales de la década de 1960. Su voz trae inspiración espiritual a su género, raza y el mundo.

Hija del famoso reverendo Charles L. Franklin, Aretha nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis, Tennessee. Criada en el lado este de Detroit, Franklin cantó en la Iglesia Bautista New Bethel de su padre. Aunque comenzó a estudiar piano a los ocho años, Franklin se negó a aprender lo que ella consideraba melodías juveniles y simples. Por lo tanto, aprendió piano de oído, y ocasionalmente recibió instrucción de personas como el reverendo James Cleveland. Las habilidades para cantar de Franklin se inspiraron en cantantes de música gospel y amigos de la familia, incluida Clara Ward y artistas de rhythm and blues como Ruth Brown y Sam Cooke.

A los 14 años, Franklin dejó la escuela para irse de gira con la Franklin Gospel Caravan de su padre, un recorrido interminable en el que la familia viajó miles de millas en automóvil. Después de cuatro años en la carretera, Aretha viajó a la ciudad de Nueva York para establecer su propia carrera como artista pop. En 1960, firmó con el cazatalentos de Columbia Records, John Hammond. Sin embargo, su estadía de seis años en Columbia Records produjo solo unos pocos éxitos y poco material que se adaptaba a los talentos únicos de Franklin.

En 1966, Franklin firmó con Atlantic Records y, al año siguiente, grabó una sesión para Wexler que resultó en el éxito “I Never Loved a Man (The Way That I Loved You)”. Ese mismo año, la carrera de Franklin recibió otro impulso cuando su reelaboración de la canción “Respect” de Otis Redding llegó a las listas de éxitos. El primer LP de Franklin I Never Loved a Man fue seguido por una sucesión de álbumes de éxito artístico y comercial: Aretha Arrives, Lady Soul, Aretha Now! Y This Girl’s In Love With You. Su prominencia creció tanto que Franklin apareció en la portada de la revista Time en 1968. Ese año actuó en el funeral de Martin Luther King Jr. y en la Convención Nacional Demócrata.

Durante la década de 1970, Franklin continuó de gira y grabando. En 1971, lanzó el LP en vivo Aretha Live en el Fillmore West, respaldado por la sección de trompeta y ritmo de Tower of Power. Su siguiente lanzamiento, Amazing Grace, contó con el reverendo James Cleveland y el Coro de la Comunidad del Sur de California. En 1977, actuó en la toma de posesión del presidente Jimmy Carter, y luego hizo lo mismo para el presidente estadounidense Bill Clinton en 1993.

En 1980, Franklin apareció en la película The Blues Brothers. No es ajena a la televisión, apareció en los especiales “Aretha”, “Aretha Franklin: The Queen of Soul” y “Duets”, en 1986, 1988 y 1993, respectivamente. La década de 1980 también vio a Franklin obtener su primer gran éxito comercial en más de una década con el álbum Who’s Zooming Who ?, con el sencillo “Freeway of Love”. En 1988, lanzó un LP en vivo doble One Lord, One Faithan esfuerzo dedicado a su padre, quien falleció el año anterior.

Franklin ha ganado 15 premios Grammy en su carrera, incluido el premio a la trayectoria, que le fue otorgado en 1995. Otros de sus honores incluyen un American Music Award y un American Black Achievement Award de la revista Ebony, ambos en 1984; declaración como “recurso natural” del estado de Michigan en 1985; inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987; un premio Essence en 1993; y un Kennedy Center Honors Award en 1994. Sólo Janet Jackson ha igualado el récord de Franklin de 14 sencillos de oro, la mayor cantidad de una solista femenina.

Franklin se ha mantenido activa en la década de 1990, una década en la que se reeditaron muchas de sus grabaciones clásicas. Fue cabeza de cartel en el Festival de Jazz y Herencia de Nueva Orleans de 1994 y prestó una pista para la banda sonora de Waiting to Exhale de 1995. En 1995, Franklin se embarcó en una nueva empresa, lanzando su propio sello, World Class Records. Franklin también actuó en el concierto especial de 1998 VH-1 “Divas Live”, junto con Gloria Estefan, Celine Dion, Mariah Carey, Shania Twain y otros. El concierto recaudó dinero para financiar la educación musical en las escuelas primarias. Finalmente, en un concierto celebrado el 17 de julio de 1999 de los “Tres Tenores” Luciano Pavarotti, José Carreras y Plácido Domingo en Detroit, Franklin interpretó el himno nacional. Franklin también recibió la Medalla Nacional de las Artes en 1999 del entonces presidente Bill Clinton.

En 2000, Franklin publicó su autobiografía Aretha: From These Roots con la ayuda de Davis Ritz. En 2001, Franklin fue saludado durante “Divas Live: The One and Only Aretha Franklin” de VH1. El evento contó con Franklin cantando con otros grupos y solistas como Mary J. Blige, Jill Scott, Celia Cruz, Marc Anthony, Kid Rock, Nelly Furtado y los Backstreet Boys.

En 2002 aparecieron numerosos álbumes recopilatorios de Franklin, incluido un álbum con ella y el fallecido gran rock Otis Redding. En 2003 se lanzó su álbum So Damn Happy. La revista Rolling Stone la clasificó novena en su lista de 2004 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. El presidente George W. Bush le otorgó la Medalla Presidencial de la Libertad en 2005. Su cita decía: La Reina del Soul, Aretha Franklin ha grabado más de 20 singles número uno y revolucionó la música estadounidense. Su voz reconocible al instante ha cautivado a los oyentes desde que estuvo de gira con la revista de gospel de su padre en la década de 1950. Ella es una de las artistas musicales más importantes de nuestra nación y ha capturado los corazones de millones de estadounidenses. Estados Unidos honra a Aretha Franklin por su trayectoria de logros y por ayudar a dar forma a la herencia artística y cultural de nuestra nación.

En el mismo año, 2006, los honores de Franklin continuaron acumulándose cuando se convirtió en la segunda mujer en ser incluida en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido y recibió un título honorario de Doctor en Música por el Berklee College of Music. En 2006, Aretha Franklin recibió su decimonoveno Grammy con un premio a la mejor voz tradicional de R&B por “A House Is Not a Home”, una pista del tributo So Amazing de Luther Vandross. En 2007 lanzó un ablum llamado A Woman Falling Out of Love.

KIRK FRANKLIN (1970–) Cantante de gospel

Franklin nació en Texas y fue criado por una tía anciana que asistía regularmente a la iglesia. Comenzó a tocar el piano cuando solo tenía cuatro años y le ofrecieron un contrato de grabación a los siete. A los once años fue nombrado ministro de música de su iglesia. Finalmente, a los 19 años, Kirk hizo su primera grabación en casa. En 1992, formó The Family, eligiendo a diecisiete cantantes. Lanzó su primer álbum de gospel, Kirk Franklin & Family, en 1993, y dirigió coros de gospel contemporáneos como Kirk Franklin & the Family, Kirk Franklin’s Nu Nation, God’s Property y Kirk Franklin Presents 1NC. Kirk Franklin y la familia llegaron a lo más alto de las listas de Billboard Gospel. Todos sus álbumes lo han hecho bien. Ha ganado muchos premios Grammy y ha producido muchos álbumes con ventas de platino. Su música combina gospel, hip hop y R&B.

El 4 de octubre de 2005, se lanzó su álbum Hero, con sus sencillos “Looking For You” e “Imagine Me”. Las canciones de Franklin son publicadas por Zomba Music Publishing, una división de BMG Music. Kirk Franklin ganó dos premios Grammy 2007 por su álbum Hero. También apareció recientemente en la canción, “Lose My Soul” en el álbum Portable Sounds. Canciones para la tormenta, vol. 1. Casi todos sus álbumes fueron de oro o platino. Franklin ha colaborado con los nombres más importantes de la música gospel, incluidos Mary Mary, Tonex, Donnie McClurkin, Richard Smallwood, Crystal Lewis, la pastora Shirley Caesar, tobyMac, Jaci Velasquez y Willie Neal Johnson.

Grupo de canto de hip hop THE FUGEES

Con un sonido que a menudo se describe como “ecléctico”, los Fugees aterrizaron en las listas de hip hop en 1993 con su debut en Ruff House, Blunted on Reality. Inicialmente conocidos como Tranzlator Crew, Lauryn Hill, Prakazrel “Pras” Michel y Wyclef Jean han estado trabajando juntos desde que eran adolescentes en el norte de Nueva Jersey. Se vieron obligados a cambiar su nombre cuando una banda de la nueva ola de la década de 1980 llamada Translator presentó una protesta legal.

Lanzado con el nombre de Fugees, su primer álbum Blunted on Reality recibió críticas entusiastas. Las ventas del álbum fueron moderadas, mientras que los críticos anunciaron que Hill debería seguir una carrera en solitario.

Con ventas de 17 millones, el segundo lanzamiento del trío, The Score (1996), los convirtió en el acto de rap más vendido de la historia. Producido por Jean y Hill, el álbum incluyó versiones de “Killing Me Softly with His Song” de Roberta Flack y “No Woman, No Cry” de Bob Marley. La banda hizo grandes avances al llevar el hip hop con una actitud positiva a una nueva generación.

Los Fugees han declarado que planean lanzamientos futuros, pero el éxito de los proyectos individuales de los miembros deja en duda el futuro del grupo. Jean lanzó su debut en solitario multiplatino The Carnival (1997). El álbum fue bien recibido en los Estados Unidos y en su Haití natal, y lo siguió con The Ecleftic: 2 Sides II a Book (2000). Los esfuerzos en solitario de Michel culminaron en Ghetto Superstar (1998). También en 1998, Hill lanzó su álbum debut en solitario The Miseducation of Lauryn Hill, que le valió cinco premios Grammy sin precedentes. Su aparición en MTV Unplugged fue lanzada como MTV Unplugged No. 2.0 en 2002. El grupo se reunió para algunas actuaciones en 2005 y 2006.

MARVIN GAYE (1939-1984) Cantante, compositor

Hijo de un ministro pentecostal, Marvin Gay nació el 29 de abril de 1939 en Washington, DC (la “e” final en su apellido no se agregó hasta principios de la década de 1960). Criado en una sección segregada y plagada de barrios marginales de Washington DC, Gaye experimentó una educación religiosa estricta. Como Gaye recordó más tarde: “Vivir con mi padre era como vivir con un rey, un rey muy peculiar, cambiante, cruel y todopoderoso”. Por lo tanto, Gaye buscó la música para su liberación. Alrededor de los tres años, comenzó a cantar en la iglesia. Mientras asistía a Cardoza High School, Gaye estudió batería, piano y guitarra. Sin estar inspirado por sus estudios formales, Gaye a menudo dejaba de asistir a clases para ver a James Brown y Jackie Wilson actuar en el Howard Theatre.

Poco después, Gaye sirvió un corto tiempo en la Fuerza Aérea, hasta obtener una baja honorable en 1957. Al regresar a Washington, DC, Gaye se unió al grupo doo wop the Marquees. Después de grabar para el sello subsidiario de Columbia Record, Okeh, los Marquees se mudaron al sello Chess / Checker donde grabaron con Bo Diddley. Aunque las Marquees interpretaron sus propias composiciones y realizaron giras con regularidad, no lograron ganar popularidad. No fue hasta que les presentaron a Harvey Fuqua, que estaba en el proceso de reformar Moon-glows, que los Marquees atrajeron la atención en el mundo de la música pop. Impresionado por su sonido, Fuqua contrató a los Marquees para formar un grupo con el nuevo nombre de Harvey and the Moonglows. Aún bajo contrato en Chess, Fuqua llevó a los Moonglows al estudio de la compañía en Chicago para grabar el éxito de 1959, Los Diez Mandamientos del Amor.

En 1960, Fuqua y Gaye viajaron a Detroit, donde Fuqua creó su propio sello y firmó con la subsidiaria de Motown, Anna. Después de una temporada como cantante de respaldo, músico de estudio y baterista en la banda de gira de Smokey Robinson, Gaye firmó un contrato con Motown como solista. Lanzado en 1962, el primer álbum de Gaye fue un esfuerzo orientado al jazz titulado The Soulful Moods of Marvin Gaye. Con la mirada puesta en una carrera inspirada en el cantante de baladas Frank Sinatra, Gaye no se mostró entusiasmado cuando Motown le sugirió que grabara un disco de baile con material de ritmo y blues. Sin embargo, Gaye grabó la canción “Stubborn Kind of Fellow” en 1962; entró en las listas Top 10 de R&B. A esto le siguió una larga sucesión de éxitos de Motown, como “Hitch Hike”, “Pride and Joy”, “Can I Get a Witness” y “Wonderful One”.

Los siguientes proyectos de Motown para Gaye incluyeron varios dúos vocales, el primero de los cuales apareció con la cantante Mary Wells en el álbum Together de 1964. En colaboración con el cantante Kim Weston, Gaye grabó el exitoso LP It Takes Two de 1967. Sin embargo, su asociación más exitosa fue con Tammi Terrell. En su asociación de dos años, Gaye y Terrell grabaron, bajo el equipo de redacción y producción de Ashford y Simpson, éxitos como “Ain’t No Mountain High Enough” y “Your Precious Love” y “Ain’t Nothing Like the Real Thing ”en 1968.

De vuelta en el estudio como solista, Gaye grabó el éxito “Heard It Through the Grapevine”. Con su creciente éxito, Gaye logró una mayor independencia creativa en Motown, lo que lo llevó a coproducir el exitoso álbum de 1971 What’s Going On, una sesión que produjo los sencillos más vendidos “What’s Going On”, “Mercy Mercy (the Ecology)”, y “Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)”.

Después de su último LP para Motown In Our Lifetime, Gaye firmó con CBS Records en abril de 1981, y al año siguiente lanzó el álbum Midnight Lover, con el éxito ganador del Grammy “Sexual Healing”. El domingo 1 de abril de 1984, después de una acalorada discusión, Gaye fue asesinado a tiros por su padre en Los Ángeles, California. A pesar de su imagen pública, Gaye había sufrido años de conflicto interno y abuso de drogas. “Este trágico final solo puede ser suavizado por el recuerdo de un hermoso ser humano”, describió su viejo amigo Smokey Robinson. “Él podía estar lleno de alegría a veces, pero otras, lleno de dolor, pero al final qué compasivo, qué maravilloso, qué emocionante era Marvin Gaye y su música”.

BERRY GORDY JR. (1929–) Ejecutivo de una compañía musical

Berry Gordy Jr., de trabajador de la cadena de montaje a empresario de Motown Record Corporation, surgió como propietario de una de las empresas de propiedad de afroamericanos más grandes de la historia de Estados Unidos. Un boxeador profesional, compositor, productor y hombre de negocios, Gordy ha sido un hombre hecho a sí mismo. A través de su determinación y pasión por la música, la leyenda viviente ayudó a crear uno de los sonidos más famosos de la música moderna.

El séptimo de ocho hijos, Berry Gordy nació el 28 de noviembre de 1929 en Detroit. Berry Gordy Sr., propietario de una tienda de comestibles, una empresa de enlucido y una imprenta, les enseñó a sus hijos el valor del trabajo duro y la unidad familiar. A pesar de su disgusto por el trabajo manual, Berry poseía un fuerte deseo de tener éxito comercial. Después de dejar la escuela secundaria para convertirse en boxeador profesional, Berry ganó varios concursos antes de dejar la profesión en 1950. Un año después, Gordy fue reclutado en el ejército de los Estados Unidos, donde obtuvo un diploma equivalente a la escuela secundaria.

Al regresar de una gira militar por Corea en 1953, Berry abrió 3-D Record Mart, una tienda minorista orientada al jazz. Obligado a la quiebra, Berry cerró la tienda en 1955 y, posteriormente, aceptó un trabajo como trabajador de una línea de montaje en Ford Motor Company. Sus visitas nocturnas a la próspera escena del jazz y el rhythm and blues de Detroit inspiraron a Gordy a dedicarse a la composición. En 1957, uno de los ex compañeros de box de Gordy, Jackie Wilson, grabó el éxito “Reet Petite”, una canción escrita por Berry, su hermana Gwen y Billy Davis. Durante los siguientes cuatro años, el equipo de guionistas de Berry-Gwen-Davis proporcionó a Wilson cuatro éxitos más: “To Be Loved”, “Lonely Teardrops”, “Por eso (te amo tanto)” y “I’ll Be Satisfied . “

En 1959, Billy Davis y Gwen Gordy fundaron el sello Anna, que distribuía material a través de Chess Records en Chicago. La grabación de Barret Strong de “Money (That’s What I Want)”, escrita por Gordy y Janie Bradford, se convirtió en el sencillo más vendido del sello. Con experiencia como escritor y productor con el sello Anna, Gordy decidió comenzar su propia compañía. En 1959, formó Jobete Music Publishing, Berry Gordy Jr. Enterprises, Hitsville USA y Motown Record Corporation. Con un equipo de músicos, escritores y productores de estudio locales, el sello de Berry obtuvo su primer éxito en 1961 con “Shop Around” de Smokey Robinson. A mediados de la década de 1960, Gordy reunió a una gran cantidad de talentos, incluidos The Supremes, The Four Tops, The Marvelettes, Marvin Gaye y Stevie Wonder.

En 1971, Gordy trasladó a Motown Recording Corporation a Los Ángeles. Aunque la mayoría de los actos y miembros del personal originales no se unieron a la migración de la empresa a la costa oeste, la empresa de Gordy se convirtió en una de las principales empresas de propiedad afroamericana del país. Durante las décadas de 1970 y 1980, Motown continuó produciendo artistas como los Jackson Five, los Commodores, Lionel Richie, Rick James y DeBarge. Gordy también probó suerte en la producción de largometrajes. Lady Sings the Blues (1972), Mahogany (1975) y The Last Dragon (1985) no fueron éxitos de crítica, pero atrajeron la participación de celebridades como Diana Ross, Billy Dee Williams, Richard Pryor y Vanity. Ante los problemas económicos, Gordy firmó un acuerdo de distribución con MCA en 1984 y vendió la etiqueta en su totalidad al gigante seis años después.

La incorporación de Gordy al Salón de la Fama en 1988 trajo el reconocimiento a un gigante de la industria discográfica que ayudó a transformar el sonido de la música popular. Fue honrado con un premio a la trayectoria en el banquete de premios Black Radio Exclusive de 1993. Entre los 400 estadounidenses más ricos de Forbes a mediados de la década de 1980, Gordy escribió su autobiografía To Be Loved: The Music, the Magic, the Memories of Motown en 1994. En 1997, Berry obtuvo créditos como co-compositor en I’ll Be There, and You ‘ me ha hecho muy feliz. Gordy fue honrado en 1998 en los Premios Essence con el premio Image Maker y en 2001, fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Independiente. Una renovada conversación sobre Gordy y Motown fue engendrada por el lanzamiento de la película Dreamgirls en 2006, una película basada libremente en el ascenso de las Supremes al estrellato.

AL GREEN (1946–) Cantante, compositor, predicador

Al poseer una de las voces más suplidas de la música popular, Al Green lanzó una serie de éxitos en las listas de soul durante la década de 1970. Pero el nativo de Arkansas le dio la espalda al pop más tarde en esa década, cantando gospel y predicando en una iglesia de Memphis. Su influencia en el desarrollo del soul fue tal, sin embargo, que tuvo la tentación de volver al reino secular para un álbum de 1995.

Green pasó sus primeros años cantando gospel en el sur, pero cambió al pop y anotó un éxito “Back Up Train” en 1967. No fue hasta que se conectó con el productor Willie Mitchell, sin embargo, que encontró su nicho. Grabando para Hi Records de Mitchell en Memphis con una banda de renombre, Green logró una síntesis notable de pop romántico e íntimo y soul áspero. Los frutos de esta feliz unión incluyeron “Cansado de estar solo”, “Amor y felicidad”, “Sigamos juntos” y “Todavía estoy enamorado de ti”. Su ardiente “Take Me to the River” fue versionada por muchos otros artistas.

Aunque “nació de nuevo” en el cristianismo en 1973, Green continuó grabando música en gran parte secular con un tinte religioso durante varios años. Después de fundar su propia iglesia, el Tabernáculo del Evangelio Completo, en Memphis, regresó a la música gospel. Sus grabaciones obtuvieron honores regulares en los círculos del gospel e incluso un premio Grammy, pero su presencia continuó sintiéndose en el mundo del soul / rhythm and blues. Sin embargo, aparte del dúo ocasional, se mantuvo alejado del pop hasta su regreso en 1995 con Your Heart’s In Good Hands.

En 2000, Green, con la ayuda de Davin Seay, publicó su autobiografía Take Me To the River. En 2001, Green fue honrado en la Rhythm & Blues Foundation que celebra la 12ª Gala Anual de Premios con un premio Lifetime Achievement. Green, quien continúa lanzando una serie de retrospectiva y nuevos álbumes tanto sagrados como seculares. Su álbum de 2007, CD y DVD, se llama Definitive Greatest Hits.

MC HAMMER (1963–) Cantante de rap

Nacido como Stanley Kirk Burrell en 1963 en East Oakland, California, MC Hammer comenzó su carrera con un grupo que formó llamado “The Holy Ghost Boys”, en el que interpretó raps religiosos a mediados de la década de 1980 en clubes de Oakland. Hammer grabó su primera canción “Ring ‘Em” en su sótano y vendió las copias de 12 pulgadas del maletero de su auto. La canción alcanzó el número uno en el área de la Bahía de San Francisco.

En 1988 Capitol Records relanzó su primer álbum, renombrándolo Let’s Get It Started. Produjo tres sencillos Top 10 y fue doble platino. El segundo álbum de Hammer, Please Hammer, Don’t Hurt ‘Em, lanzado en 1990, permaneció en la lista de éxitos de Billboard durante 21 semanas. Hammer se hizo conocido internacionalmente por un rap de estilo “cruzado”, trajes coloridos y un estilo de baile llamativo. Su sencillo “Can’t Touch This” produjo un vídeo de éxito aclamado por su producción innovadora y el baile enérgico de Hammer. Too Legit to Quit de Hammer de 1991, que fue multiplatino, criticó el uso de samples en la música hip hop, utilizando músicos y vocalistas en vivo. La estrella de Hammer ascendió rápidamente y se convirtió en una verdadera industria artesanal a principios de la década de 1990.

Hammer se dirigió al extremo de producción del negocio y lanzó las carreras de 3.5.7., Angie B. y Special Generation; también dirigió Heavy D & the Boyz, Troop, Ralph Tresvant y el boxeador Evander Holy-field por un corto tiempo. La música de Hammer ha aparecido en películas como Rocky V, Teenage Mutant Ninja Turtles y The Addams Family. Ha ganado muchos honores, incluidos tres premios Grammy, siete premios American Music, tres premios Soul Train y dos premios MTV. Después de una caída en la popularidad, crecientes críticas de los críticos de hip hop sobre su descarado comercialismo y los consiguientes problemas financieros, Hammer regresó a la música cristiana en 1997, proclamando un nuevo ministerio musical de evangelización con el proyecto Family Affair. En 2001, Hammer continuó su mensaje de esperanza y religión con su nuevo álbum Active Duty. Hammer filmó un video musical junto al espejo de agua del Capitolio de Washington DC para el primer sencillo del álbum, “No Stoppin ‘Us-USA”. Todas las ganancias del video y el sencillo fueron a los afectados por los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001.

HERBIE HANCOCK. VEA EL CAPÍTULO DE BLUES Y JAZZ.

ANDRE HARRELL (1960–) Ejecutivo de compañía musical, productor, músico

Andre O’Neal Harrell nació en el Bronx, Nueva York, el 26 de septiembre de 1960. Mientras crecía con tiempos difíciles en los proyectos de vivienda allí, el joven Harrell desarrolló el deseo de triunfar. Cuando era adolescente, Harrell se asoció con Alonzo Brown para formar el divertido dúo de rap Dr. Jekyll (Harrell) y Mr. Hyde (Brown). En poco tiempo, tenían tres éxitos del Top 20 en su haber y se estaban haciendo un hueco en el rap.

A pesar de su temprano éxito en el rap, Harrell se inscribió en clases en el Lehman College del Bronx. Después de tres años de estudios en comunicaciones y administración de empresas, Harrell conoció a Russell Simmons en 1983. Simmons atrajo a Harrell para que trabajara para él en Rush Management, una compañía que ayudó a definir el hip hop de la época. En dos años, Harrell se había abierto camino hasta convertirse en vicepresidente y gerente general y fue fundamental en la construcción de la carrera de íconos del rap como LL Cool J, Run-DMC y Whodini.

El éxito continuó siguiendo a Harrell dondequiera que fuera. Dejó Rush Management para comenzar su propia compañía discográfica, Uptown Records. En 1988, los logros de Uptown Records provocaron un contrato discográfico de 75.000 dólares de la megacompañía musical MCA. Artistas como Al B Sure !, Guy y Heavy D prosperaron bajo la dirección de Harrell. Para 1992, Uptown y sus artistas habían abierto un brillante rastro de álbumes de oro y platino y habían conseguido un acuerdo multimedia sin precedentes de 50 millones de dólares con MCA. Pronto, proyectos como el programa de televisión “In Living Color” y una exhibición de artistas de Uptown como Mary J. Blige y Jodeci en “Unplugged” de MTV estaban en proceso. En 1995, Harrell dejó las riendas de Uptown para convertirse en el nuevo presidente / CEO de Motown Records. Continúa produciendo álbumes que encabezan las listas como Face2-Face de Babyface y What’s the 411 de Mary J. Blige. Después de dos años en Motown, Harrell renunció. No pudo devolver Motown a su antigua gloria. Después de su mandato en Motown, Harrell formó Harrell Entertainment y volvió a hacer lo que hace bien: trabajar y consultar con nuevos artistas. En el otoño de 1998, Sean “Puffy” Combs, fundador y director ejecutivo de Bad Boy Entertainment, contrató a Andre Harrell como consultor. Mientras hablaba de Harrell con la escritora Anita M. Samuels de Billboard, Combs dijo: “Es uno de los hombres más sabios en el negocio”, me enseñó casi todo lo que sé “. En 2005 y 2006, Harrell desarrolló dos programas de televisión. Sean “Puffy” Combs, fundador y director ejecutivo de Bad Boy Entertainment, contrató a Andre Harrell como consultor. Mientras hablaba de Harrell con la escritora Anita M. Samuels de Billboard, Combs dijo: “Es uno de los hombres más sabios en el negocio”, me enseñó casi todo lo que sé “. En 2005 y 2006, Harrell desarrolló dos programas de televisión. Sean “Puffy” Combs, fundador y director ejecutivo de Bad Boy Entertainment, contrató a Andre Harrell como consultor. Mientras hablaba de Harrell con la escritora Anita M. Samuels de Billboard, Combs dijo: “Es uno de los hombres más sabios en el negocio”, me enseñó casi todo lo que sé “. En 2005 y 2006, Harrell desarrolló dos programas de televisión.

ISAAC HAYES (1942–) Cantante, pianista, productor

Nacido el 20 de agosto de 1942 en Covington, Tennessee, Isaac Hayes se mudó a Memphis a los siete años, donde conoció los sonidos del blues, el country western y la música del ídolo Sam Cooke. A través de las conexiones del saxofonista Floyd Newman, Hayes comenzó una carrera como músico de estudio para Stax Records en 1964. Después de tocar el piano en una sesión para Otis Redding, Hayes formó una sociedad con el compositor Dave Porter. Juntos fueron responsables de proporcionar una serie de éxitos a Carla Thomas, William Bell y Eddie Floyd.

La primera oportunidad real para el equipo de Hayes-Porter llegó cuando fueron reclutados para producir el dúo de soul con sede en Miami Sam and Dave. En el lapso de cuatro años, Hayes y Porter lograron convertir a Sam y Dave Stax en el acto más vendido de Sam y Dave Stax, produciendo éxitos como “Hold On I’m Coming”, “Soul Man” y “I Thank You!” Durante este período, Hayes y Porter continuaron actuando en un grupo que los estableció como una leyenda underground en la escena musical de Memphis.

A fines de la década de 1960, la carrera en solitario de Hayes surgió de manera improvisada, cuando una sesión nocturna con el baterista Al Jackson y el bajista Duck Dunn llevó a Stax a lanzar su próximo trabajo. Hot Buttered Soul obtuvo el doble platino en 1969. Con una versión soul de la canción country “By the Time I Get to Phoenix”, la interpretación de Hayes marcó la tendencia del sonido disco / soul de la década de 1970. Tras el lanzamiento de los álbumes To Be Continued e Isaac Hayes Movement, Hayes grabó la banda sonora de la película “blaxplotation” Shaft y el álbum Black Moses. En 1971, “Theme from Shaft” ganó un premio de la Academia a la mejor canción en una película y premios Grammy a la mejor música instrumental y original para una película. Black Moses también ganó un Grammy, este a la mejor interpretación instrumental pop.

Hayes dejó el sello Stax para unirse a ABC en 1974. Hayes grabó una serie de álbumes disco. En 1977, la recesión comercial en la carrera de Hayes lo obligó a declararse en quiebra. Aunque compuso “Deja Vue” de Dionne Warwick, nominado a un Grammy en 1978, su último disco de oro “Don’t Let Go” fue lanzado con el sello Polydor en 1979. Hayes se trasladó a las décadas de 1980 y 1990 apareciendo en programas de televisión y en películas como el thriller futurista Escape From New York (1981) y la parodia de comedia Robin Hood: Men in Tights (1993).

Ganador de un premio Georgy en 1994, otorgado por el Georgia Music Hall of Fame, Hayes ha influido mucho en la música de finales de los 80 y principios de los 90; Junto con James Brown, Hayes ha sido uno de los artistas muestreados con más frecuencia por los proveedores de rap. Sin embargo, al elegir no abandonar el barco, Hayes se ha aferrado a su propia marca de “alma caliente con mantequilla”. En 1995, publicó sus primeras grabaciones nuevas en siete años Branded and Raw and Refined y contribuyó con una pista a la película Dead Presidents de los hermanos Hughes. Hayes también ha prestado su voz para el papel de “Chef” en el programa de animación South Park, ganador del premio Cable Ace, un papel que lo ha presentado a una nueva generación de fanáticos.

Durante 2000 y 2001, Hayes apareció en numerosas bandas sonoras de películas como Shaft y South Park: The Movie. En 2002 Hayes fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2002. Durante 2004, Hayes apareció como Jaffa Tolok en la serie de televisión Stargate SG-1. Al año siguiente, apareció en la película independiente Hustle & Flow. Hayes fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 2006.

JIMI HENDRIX (1942-1970) Guitarrista, compositor

Cuando Jimi Hendrix llegó a la escena de la música rock internacional en 1967, redefinió casi sin ayuda el sonido de la guitarra eléctrica. El extraordinario enfoque de Hendrix ha dado forma al curso de la música desde el jazz fusión hasta el heavy metal.

El 27 de noviembre de 1942, en Seattle, Washington, nació Johnny Allen Hendrix, hijo de un soldado del ejército de los Estados Unidos y una madre adolescente. Cuatro años más tarde, Johnny Allen pasó a llamarse James Marshall Hendrix. Debido a la afición de su madre por la vida en los clubes nocturnos y las frecuentes ausencias de su padre, Hendrix era un niño solitario pero creativo. En la escuela ganó varios concursos por su poesía y artes visuales basadas en la ciencia ficción. A la edad de ocho años, Hendrix, incapaz de pagar una guitarra, tocaba ritmos en una escoba. Finalmente, se graduó con un sustituto fabricado a partir de una caja de puros, seguido de un ukelele y, finalmente, una guitarra acústica que fue comprada por su padre.

A fines de la década de 1950, Hendrix comenzó a tocar en bandas locales en Seattle. Cuando era adolescente, tocó junto con grabaciones de artistas de blues como Elmore James y John Lee Hooker. Después de una temporada de 26 meses (1961; 1962) en la 101st Airborne Division, Hendrix tocó en la escena del rhythm and blues de Nashville con el bajista Billy Cox. Durante los siguientes tres años, Hendrix actuó bajo el nombre de Jimi James, respaldando actos como Little Richard, Jackie Wilson, Ike y Tina Turner, y los Isley Brothers.

En 1964, Hendrix se mudó a la ciudad de Nueva York, donde actuó en varios clubes de Greenwich Village. Mientras estaba en Nueva York formó el grupo Jimi James and the Blue Flames. Después de ser descubierto por el productor y manager Chas Chandler, el ex bajista de los Animals, se instó a Hendrix a irse a Inglaterra. Al llegar a Inglaterra en 1966, Hendrix, junto con el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell, formaron la Experiencia Jimi Hendrix. En 1967, después de una gira por Europa, el trío llegó a las listas de éxitos con una versión de la canción de Leaves, “Hey Joe”. En el mismo año, el grupo lanzó el revolucionario álbum Are You Experienced?

En 1968, The Experience grabó Axis Bold As Love, lo que llevó a una extensa gira por Estados Unidos y Europa. En el próximo LP de Experience, Electric Ladyland, Hendrix buscó expandir el sonido basado en tríos del grupo. Electric Ladyland, un doble esfuerzo discográfico, contó con numerosos artistas invitados como los tecladistas Steve Winwood y Al Kooper, el saxofonista Freddie Smith y el conga Larry Faucette. El disco también contenía “All Along the Watchtower”, una canción escrita por el ídolo poético y musical de Hendrix, Bob Dylan.

Después de que The Experience se disolvió en 1969, Hendrix tocó en el Festival de Música y Arte de Woodstock con Gypsy Sons y Rainbows, con el bajista Billy Cox. Junto con el baterista Buddy Miles, Hendrix y Cox formaron Band of Gypsys, y en 1970 el grupo lanzó un álbum con el mismo título. Meses después, Mitchell reemplazó a Miles en la batería. En agosto, la alineación de Mitchell-Cox tocó detrás de Hendrix en su última actuación importante celebrada en el Festival Isle of Wight de Inglaterra. El 18 de septiembre de 1970, Hendrix murió de una sobredosis de pastillas para dormir en una habitación de hotel en Inglaterra. A pesar de su corta carrera, Hendrix se estableció como una figura importante en la historia de la música pop. En 1992, Hendrix fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

LAURYN HILL. VER LOS FUGEES.

WHITNEY HOUSTON (1963–) Modelo, cantante, actriz

Ganadora de múltiples premios Grammy cuyo rostro ha aparecido en las portadas de revistas desde Glamour hasta Cosmopolitan, Whitney Houston emergió como uno de los talentos de la música popular más vibrantes durante la década de 1980. Houston, una talentosa cantante, modelo y actriz, dominó las listas de éxitos en la década de 1990. Sus mayores éxitos se asociaron con dos películas en las que tuvo papeles importantes.

Nacido el 9 de agosto de 1963, Houston creció en East Orange, Nueva Jersey. Como miembro del Coro Bautista New Hope, hizo su debut como cantante a los 11 años. Más tarde, Houston apareció como cantante de respaldo en numerosas grabaciones, con su madre, Cissy Houston, y su prima Dionne Warwick. A pesar de su éxito como modelo de moda, Houston encontró la profesión “degradante” y, posteriormente, renunció para buscar una carrera en la música. Respaldó a personas como Chaka Khan, Lou Rawls y los hermanos Neville.

A los 19 años, Houston había recibido varias ofertas de contratos de grabación. En 1985, lanzó su álbum debut en el sello Arista titulado Whitney Houston, que produjo cuatro éxitos: “Saving All My Love for You”, que ganó el Grammy a la mejor interpretación pop femenina; “Tú das buen amor”; “How Will I Know”, que ganó un premio MTV Video Music Award al mejor video femenino; y “El mayor amor de todos”. El álbum ganó siete American Music Awards, una hazaña que duplicaría en 1994. El segundo LP de Houston, Whitney, apareció en 1987 y, al igual que su primer esfuerzo, el trabajo dio lugar a varios éxitos, entre ellos “I Wanna Dance With Somebody”, “Didn “¿No lo tenemos casi todo?”, “Tan emotivo”, “¿A dónde van los corazones rotos?” y “El amor salvará el día”. El álbum recibió cuatro American Music Awards. Tras el éxito de su segundo disco,

En 1992, Houston se casó con el cantante Bobby Brown e hizo su debut como actriz en la película The Bodyguard, coprotagonizada por Kevin Costner. El primer sencillo de la banda sonora, un remake de “I Will Always Love You” de Dolly Parton, pasó 14 semanas seguidas en la cima de la lista de sencillos pop; de acuerdo con las estadísticas de la revista Billboard, Houston estableció un récord por la mayor cantidad de tiempo pasado en la cima de las listas, superando a “End of the Road” de Boyz II Men’s (13 semanas) y “Don’t Be Cruel” de Elvis Presley (11 semanas). Su interpretación vocal en la banda sonora le valió siete American Music Awards, incluido el Premio al Mérito de 1994; cuatro premios Grammy que incluyen récord del año, álbum del año y mejor interpretación pop femenina; dos Soul Train Music Awards, incluido el Sammy Davis Jr. Premio a la Artista del Año y Premio al Sencillo Femenino de Rhythm and Blues por “I Will Always Love You”; cuatro premios NAACP Image Awards; y el premio a la trayectoria de la Asociación Nacional de Locutores de Propiedad Negra. Más adelante en el año, AT&T contrató a Houston como portavoz de la campaña “True Voice” de la corporación; Houston cantó en dos de los comerciales de la compañía.

La próxima oferta de Houston no se hizo esperar. Con Angela Bassett, Lela Rochon y Loretta Devine, Houston coprotagonizó la adaptación cinematográfica de 1995 de Waiting to Exhale de Terry McMillan. Ganadora de taquilla, la banda sonora de la película fue escrita por el productor Babyface y contó, además de Houston, con artistas como Aretha Franklin y Toni Braxton. Houston cantó el exitoso primer sencillo “Exhale (Shoop Shoop)”. Su película más reciente, The Preacher’s Wife, le permitió a Houston regresar a sus raíces evangélicas. Su último álbum My Love is Your Love fue lanzado en el otoño de 1999.

En 2000, Houston lanzó su álbum de grandes éxitos, Whitney: The Greatest Hits. Unas semanas más tarde, Houston fue acusado oficialmente de posesión de marihuana, derivado de un incidente a principios de año. Sus abogados anuncian que su caso de posesión de marihuana podría ser desestimado en tres meses si cumplía con ciertas condiciones similares a la de libertad condicional. Houston cumplió con esas condiciones y, en marzo de 2001, se retiraron los cargos en su contra. En agosto de 2001, Houston firmó un contrato con Arista Records por valor de más de $ 100 millones. Su primer álbum para Artista, Love, Whitney salió unos meses después. Houston, que continúa actuando en todo el mundo, ha vendido 130 millones de álbumes y 50 millones de sencillos. Solicitó el divorcio de su esposo Bobby Brown en 2006.

JENNIFER HUDSON Cantante, Actriz

Jennifer Hudson, nacida en Chicago, Illinois, el 12 de septiembre de 1981, actuó de joven en su iglesia local con el apoyo y el aliento de su abuela, Julia Hudson. Después de graduarse de la escuela secundaria, trabajó en un restaurante de comida rápida mientras tocaba en una producción de Big River en Chicago, donde cantaba profesionalmente. Pronto, su talento para el canto comenzó a hacerse evidente para muchos después de que fue contratada por el crucero Disney’s Wonder.

Hudson decidió probar para el programa American Idol de 2004 y llegó al Top 12. Su actuación llamó la atención de estrellas y fans en los Estados Unidos y Europa, lo que le dio muchas oportunidades de actuar. En 2005 fue elegida como Effie White en la película Dreamgirls que apareció en los cines en 2006. Sus electrizantes actuaciones dramáticas y musicales, especialmente la canción And I’m Telling You I’m Not Going, la llevaron a una serie de premios, incluido el Golden Globe Award en 2006 y un Oscar en 2007, ambos a la Mejor Actriz de Reparto. También recibió un premio de imagen 2007 de la NAACP,

PHYLLIS HYMAN (1949-1995) Cantante

Phyllis Hyman era una cantante del corazón y era apreciada por los conocedores del jazz romántico y del ritmo y el blues. Nació en Filadelfia el 6 de julio de 1949 y se crió en Pittsburgh. Una maestra de escuela primaria notó y cultivó sus talentos vocales, pero creció en la pobreza y se preparó para una carrera como secretaria legal.

Sin embargo, Hyman llegó a Nueva York cuando tenía poco más de veinte años y pronto comenzó a trabajar como vocalista. En 1974 formó su propia banda, Phyllis Hyman and the PH Factor. Se convirtió en una habitual de los clubes toney del Upper West Side, Rust Brown’s y Mikell’s. En 1976 fue descubierta por el percusionista y productor Norman Connors y participó en su álbum You Are My Starship cantando la balada “Betcha By Golly Wow”, que ayudó a Hyman a conocer al coguionista de la canción y a su buen amigo de toda la vida, Linda Creed.

Hyman firmó con el sello discográfico Arista en 1977, y uno de sus primeros lanzamientos, “Somewhere in My Lifetime”, fue producido por la estrella vocal Barry Manilow y se elevó muy alto en las listas de ritmos y blues. Su éxito característico fue la balada “You Know How to Love Me”. Personalmente, su matrimonio con el gerente Larry Alexander a fines de la década de 1970 terminó en divorcio.

Su carrera tomó un auge a finales de la década de 1970 cuando firmó con el elenco de Broadway de Sofisticadas Damas, una revista de la música de Duke Ellington. Cantó en el programa durante tres años y obtuvo una nominación al Tony por su actuación en 1981. Su interpretación de “In a Sentimental Mood” está en el álbum del elenco original. En 1986 Hyman se trasladó al sello Philadelphia International e hizo algunas de sus mejores grabaciones. Living All Alone pronto se lanzó y contó con sus baladas románticas tristes y exuberantes, incluida una nueva canción escrita por su amiga, Linda Creed. La propia Hyman comenzó a escribir canciones que reflejaban la historia de su vida, razón por la cual sus canciones eran tan emocionalmente verdaderas y convincentes. Prime of My Life de 1991 contenía canciones con títulos como “It’s Not About You (It’s About Me)”, “It Takes Two” y “Why Not Me?”

En 1988, apareció en la película de Spike Lee School Daze. También realizó una gira por Estados Unidos, Europa y Japón a fines de la década de 1980 con un exitoso espectáculo que presentó el Harlem Apollo, Oakland’s Paramount y el Fox Theatre en St. Louis. Era una artista deslumbrante, alta y vestida con ropa africana.

Sin embargo, en los programas de entrevistas, Hyman fue abierta sobre su búsqueda de amor durante toda su vida y admitió sentirse sola. Cuando su amiga Linda Creed murió en 1993, se rumoreaba que Hyman estaba luchando contra el alcohol y las drogas. El 30 de junio de 1995, antes de una actuación en el Apollo, murió por una sobredosis de pastillas. Sin embargo, su leyenda sigue creciendo, ya que se han lanzado cinco álbumes desde su muerte, incluido We Love You Phyllis: A Tribute to Phyllis Hyman (1998), con Norman Connors y Jean Carne.

ICE CUBE (1969–) Cantante de rap, actor

Detrás de su imagen de gángster a menudo misógina y racista, el rapero Ice Cube es un artista serio. Dedicado al negro

orgullo, es un vocero acérrimo del nacionalismo negro. Ice Cube considera su música como un medio para lanzar una “revolución mental” con el fin de despertar a los jóvenes afroamericanos al valor de la educación y la creación de empresas económicas privadas afroamericanas.

Nacida como Oshea Jackson, Ice Cube creció en el lado oeste del centro sur de Los Ángeles. Mientras estaba en noveno grado, Jackson escribió su primera rima en la clase de mecanografía. Impulsado por sus padres para seguir una educación después de la escuela secundaria, asistió a un curso de dibujo de un año en el Instituto Phoenix en 1988. Al año siguiente, Ice Cube logró un gran éxito comercial como miembro de NWA (Niggaz With Attitude). Uno de los miembros fundadores del grupo, junto con Dr. Dre y Eazy E, Ice Cube escribió o coescribió la mayor parte del material de los dos primeros álbumes de NWA. Boyz N the Hood fue lanzado en 1986. El barítono autoritario de Ice Cube le ganó una legión de fanáticos por su himno de rap de NWA “Gangsta Gangsta”. También escribió el guión de gran parte del primer trabajo en solitario de Eazy, Eazy-Duz-It, seguido del platino de NWA Straight Outta Compton.

Aunque todavía trabajó esporádicamente con Dr. Dre después de dejar NWA, Ice Cube lanzó su álbum en solitario de 1990 AmeriKKKa’s Most Wanted, producido con Chuck D. de Public Enemy y Bomb Squad, la grabación se convirtió en oro en tres meses. Luego formó Street Knowledge, una compañía de producción discográfica, y produjo Make Way for the Motherlode de la rapera Yo Yo. Durante el mismo año, Ice Cube también hizo su debut como actor en la película Boyz N the Hood del director John Singleton. El rapero-actor protagonizó varias películas, entre ellas Trespass (1992) con Ice-T; Higher Learning, vehículo de Singleton de 1994; la comedia Friday de 1995, que coescribió y coprodujo; La obra de Charles Burnett de 1995 The Glass Shield; Anaconda en 1997; y I Got the Hook Up en 1997. A finales de los 90, Ice Cube interpretó papeles más serios en películas como The Players Club, Three Kings, y Fantasma de Marte. Ice Cube regresó a la comedia en 2000 con una secuela de su éxito de 1995 Friday Next Friday y una tercera película Friday After Next en 2002.

Después de haber grabado su propio Kill at Will y Death Certificate en 1991, Ice Cube permaneció activo en la carrera de Yo Yo, sirviendo como productor ejecutivo de su Black Pearl en 1992, y trabajó con otros artistas, dirigiendo videos, incluido uno para el artista de blues-rock Ian Moore. en 1993. Ice Cube también se mantuvo en la cima de su propio juego musical, lanzando The Predator en 1992; la grabación debutó en el número uno en dos listas de Billboard, el pop y el rhythm and blues al mismo tiempo, la primera en hacerlo desde 1976 y Stevie Wonder’s Songs in the Key of Life. En 1992, Ice Cube apareció en el cartel de Lollapalooza II, un festival de rock itinerante anual. Lethal Injection de 1993 presentó el exitoso sencillo “It Was a Good Day”. Ice Cube también publicó Bootlegs B-Sides y, en 1995, contribuyó a la banda sonora de la película Streetfighter.

En 1998, Ice Cube lanzó el volumen uno de su éxito de ventas War and Peace. El álbum vio a Ice Cube colaborando con artistas como Mister Short Khop, Mack Ten y Korn. El segundo volumen de War and Peace llegó a los atriles en 2000. Ese mismo año, Ice Cube recibió un Lifetime Achievement Award en los Source Hip-Hop Music Awards. En 2006, Ice Cube lanzó su octavo álbum en solitario, Laugh Now, Cry Later, en su sello Da Lench Mob Records. Ha sido certificado Gold. El álbum contó con la producción de Lil Jon y Scott Storch, quienes produjeron el sencillo principal “Why We Thugs”. Ice Cube también ha continuado trabajando en cine, video y televisión y apareció en la película Barbershop en 2002 y Barbershop 2: Back to Business en 2004. Su álbum de 2006 se titula Laugh Now, Cry Later.

ICE T (1958–) Cantante de rap, actor

Con su imagen de estafador callejero, Ice-T se convirtió en uno de los primeros grandes artistas de rap de la Costa Oeste, estableciendo un estilo que luego sería adoptado por raperos “gangsta” como Dr. Dre y Snoop Doggy Dogg. Ice-T, quien se convirtió en uno de los primeros raperos en tener etiquetas de advertencia en sus álbumes, también marcó el tono de gran parte de la controversia que seguiría a la música rap durante la década de 1990 y el nuevo milenio.

Nacido como Tracey Morrow en Newark, Nueva Jersey, el 14 de febrero de 1959, Ice-T se mudó a Los Ángeles tras la muerte de sus padres. Asistió a Crenshaw High School y adoptó el nombre de Ice-T después de leer los libros de Iceberg Slim, un ex proxeneta. Ice -T hizo varias grabaciones y tuvo papeles menores en las películas Breakin ‘(1984), Breakin’ 2: Electric Boogaloo (1984) y Rappin ‘(1985).

En 1987, Ice-T firmó un importante; contrato de grabación de etiquetas con Sire Records. Lanzó Rhyme Pays el mismo año. Junto con la canción principal de la película Colors (1988), la descripción del álbum de la vida en el gueto, la violencia y la actividad criminal atrajo la atención nacional de Ice-T. Siguió con Power (1988) y The Iceberg / Freedom of Speech. & Just Watch What You Say (1989). El lanzamiento de Ice-T en 1991, OG Orginal Gangster, resultó ser un disco fundamental en la historia del rap “gangsta”. Incluido en el álbum estaba la pista “New Jack Hustler”, tema principal de la película New Jack City (1991), en la que Ice -T protagonizó con Wesley Snipes.

OG Orginal Gangster también presentó el debut de la banda de rap / metal de Ice-T, Body Count, que lanzó un completo; álbum de larga duración al año siguiente. Body Count (1992) contenía la famosa canción “Cop Killer”. La pista provocó protestas de policías y políticos, y le valió a Ice-T un lugar en la lista de amenazas nacionales del FBI. Finalmente, luego de amenazas de boicot a las tiendas que venden el álbum, Sire retiró el disco y lo reeditó sin la controvertida canción. La controversia en torno a Ice-T comenzó a desvanecerse gradualmente. Continuó grabando álbumes de rap en solitario, incluidos Home Invasion (1993), The Last Temptation of Ice (1995), Cold as Ever (1996), VI: Return of the Real (1996), 7th Deadly Sin (1999) Gangsta Rap (2006); pero también tuvo éxito en la actuación.

Ice-T ha hecho numerosas apariciones en televisión. Además de un papel protagónico en la serie Law & Order: Special Victims Unit, también ha aparecido como el presentador de Being Tough. Los créditos cinematográficos de Ice-T incluyen Trespass (1992), Surviving the Game (1994), Johnny Mnemonic (1995), Rhyme and Reason (1997), Mean Guns (1997), Body Count (1997), Crazy Six (1998), Amenaza urbana (1999), The Wrecking Crew (1999), Leprechaun in the Hood (1999), Judgment Day (1999), Sonic Impact (2000), Ablaze (2000), Kept (2001) y Gangland (2001) y Ice -T’s Rap School (2006).

JANET JACKSON (1966–) Cantante, Actriz

La hija menor de una familia de niños talentosos, Janet Jackson es una intérprete tremendamente enérgica, cuya

Los estilos de canto y baile han alcanzado una inmensa popularidad en todo el mundo. Ella es una de las más exitosas de una familia de artistas de gran talento, incluido su hermano Michael, el llamado “Rey del Pop”. En la década de 1990, ella emergió completamente de su sombra y se convirtió en un símbolo sexual y un modelo a seguir en toda regla.

Nacida el 16 de mayo de 1966 en Gary, Indiana, Janet Jackson comenzó a actuar con sus hermanos a los seis años, haciendo impresiones de estrellas famosas como Mae West y Cher. Hizo su primer debut como cantante profesional en uno de los espectáculos de Jackson Five en el Grand Hotel de Las Vegas. Antes de que tuviera diez años, Jackson fue descubierta por el productor de televisión Norman Lear, lo que resultó en sus apariciones en programas de televisión como “Good Times”, “Different Strokes” y “Fame”.

En 1982, el álbum debut de Jackson para el sello AM, Janet, contenía solo unos pocos éxitos menores. Junto con los productores Jimmy Jam y Terry Lewis, Jackson lanzó su LP más exitoso comercialmente, Dream Street. Su lanzamiento de 1986, Control, obtuvo seis sencillos de éxito, incluidos “What Have You Done For Me Lately”, “Nasty”, “When I Think of You”, “Control”, “Esperemos un momento” y “Pleasure Principle”. Bajo la dirección de Jam y Lewis, Jackson lanzó el álbum orientado al baile de Janet Jackson’s Rhythm Nation 1814 en 1989, que obtuvo el cuádruple platino. Entre los numerosos sencillos del disco se encuentran “Miss You Much”, “Come Back To Me” y “Black Cat”.

Después de una extensa gira mundial en 1990, Jackson dejó el sello AM para firmar un contrato con Virgin Records en 1991. El contrato de cuatro álbumes tenía un valor estimado de $ 80 millones con $ 50 millones garantizados por adelantado. Dos años más tarde, protagonizó junto a Tupac Shakur en Poetic Justice de John Singleton. Jackson interpretó a un peluquero que buscaba el alma, propenso a escribir poesía; Maya Angelou, quien también apareció en la película, proporcionó los poemas que leyó el personaje de Jackson. En 1994, Jackson lanzó a janet. Aclamado por la crítica, el álbum también tuvo un buen desempeño comercial. El sencillo “Any Time, Any Place” le valió a Jackson su decimocuarto single de oro, la mayor cantidad de cualquier artista solista femenina que no sea Aretha Franklin. Al año siguiente, Jackson colaboró ​​con su hermano Michael en un tema titulado “Scream. ”El video visualmente impactante asociado con el single fue uno de los más caros jamás hechos. Más tarde, en 1995, su Diseño de una década: 1986; 1996 hizo un debut llamativo. También contribuyó con una canción a la banda sonora de Ready to Wear. Su siguiente álbum de janet, The Velvet Rope, debutó en la posición número uno en la lista Billboard 200, un testimonio de su poder de estrella.

En 2000, el “esposo secreto” de Jackson durante nueve años, Rene Elizondo, hizo público su matrimonio solicitando el divorcio. En 2001, el divorcio era definitivo, pero no hizo nada para frenar la carrera de Jackson. En abril de 2001, el séptimo álbum de Jackson, All For You, fue lanzado con éxito de crítica. El álbum le valió un premio American Music Award en la categoría de “artista femenina de pop / rock favorita”, así como un Grammy a la mejor grabación de danza, por “All For You”, de la Academia Nacional de Ciencias de las Artes de la Grabación.

Jackson se ha ganado mucho reconocimiento a lo largo de su carrera. Entre 1986 y 1992, obtuvo cuatro premios Billboard; siete premios American Music Awards; dos premios MTV Video Music Awards; un premio Grammy; tres premios Soul Train; un premio BMI Pop; y el premio Sammy Davis Jr. de 1992 al artista del año. En 1990, adquirió una estrella en el “Paseo de la Fama” de Hollywood y, en 1992, la NAACP le otorgó su Premio del Presidente. Tres años después, recibió un premio Essence. Jackson también recibió el premio Lena Horne por logros profesionales sobresalientes (1997). En 2001 Jackson recibió un premio especial al mérito en los American Music Awards por su destacada contribución musical. También recibió un premio Billboard Artist Achievement Award ese año por su continua perseverancia en la industria de la música. Jackson lanzó un álbum en 2004, Damita Joe,

MICHAEL JACKSON (1958–) Cantante, Compositor

Desde niño como estrella del canto con los Jackson Five hasta su éxito como solista en la década de 1980, Michael Jackson ha acumulado el mayor número de seguidores de cualquier cantante afroamericano en la historia de la música popular. Jackson tiene una audiencia que trasciende las fronteras de las naciones y cierra las brechas provocadas por las diferencias generacionales. A pesar de algunos pasos en falso a principios de la década de 1990, el “Rey del Pop” reina de forma suprema.

El quinto de nueve hijos, Michael Jackson nació el 29 de agosto de 1958 en Gary, Indiana. Cuando era niño, Michael, junto con sus hermanos Tito, Jermaine, Jackie y Marlon, formaban los Jackson Five. Bajo la tutela de su padre, Joe, los cinco niños aprendieron a cantar y bailar. Los fines de semana, el grupo de canto familiar viajó cientos de millas para presentarse en concursos de aficionados y conciertos benéficos.

Después de dos años de gira, el grupo consiguió una audición con Motown Records. Tras firmar con el sello en 1969, los Jackson Five llegaron a las listas de éxitos con el éxito número uno “I Want You Back”, una canción arreglada y producida por Berry Gordy Jr. En grabaciones y programas de televisión, la imagen saludable de Michael y el estilo vocal principal atrajeron fans de todas las razas y grupos de edad. Durante la estadía de seis años del grupo en Motown, los Jackson Five obtuvieron 13 sencillos consecutivos en el Top 20 como “ABC”, “The Love You Save” y “I’ll Be There”.

Mientras era vocalista principal de los Jackson Five, Michael había firmado un contrato por separado con Motown en 1971, formalizando una carrera en solitario que produjo los éxitos “Got to Be There” en 1971, “Ben” en 1972 y “Just a Little Bit of You”. ”En 1975. Cuando fue elegido para el papel del espantapájaros en la película de Motown de 1975 The Wiz, Jackson conoció al productor Quincy Jones, quien más tarde colaboró ​​con él para grabar el exitoso LP Off the Wall de 1979 en el sello Epic. Dos años más tarde, Jackson, guiado por las habilidades de producción de Jones, grabó el álbum más vendido de todos los tiempos, Thriller. Los siete sencillos de éxito incluyeron “Beat It”, “Billie Jean”, “Wanna Be Startin ‘Something” y la canción principal, que contó con una voz en off de la figura de culto del terror Vincent Price. El video de la canción era casi una mini-película, protagonizada por Jackson como un hombre lobo bailando enloquecido,

En 1985, Jackson coescribió la canción “We Are the World” para el fondo de ayuda contra la hambruna de Estados Unidos para África. Después de unirse a Jones para producir Bad en 1987, Jackson dirigió la gira de mayor éxito comercial de la historia. Cuatro años después, Jackson lanzó Dangerous, que incluía el exitoso sencillo “Black or White”.

En 1993, Jackson anunció que el aclaramiento progresivo de su piel ha sido el resultado de un trastorno cutáneo conocido como vitiligo y no de un blanqueamiento intencional. La declaración pública fue una de las muchas que Jackson se encontraría haciendo sobre varios temas en los años siguientes. Lleno de escándalos, Jackson sufrió un retroceso en su carrera luego de las acusaciones de abuso de menores que fueron retiradas y la salida a la luz de una adicción a los analgésicos provocada por la mala salud.

Inmediatamente después de revelaciones tan devastadoras, HIStory: Past, Present, and Future, Book I (1995) incluyó éxitos del pasado y obras nuevas. En comparación con sus grabaciones anteriores, las ventas fueron decepcionantes y la grabación no se consideró un éxito comercial. Sin embargo, la lealtad de los fanáticos al talentoso músico llevó a algunas de las nuevas canciones a competir en las listas de éxitos, como “The Earth Song”, la controvertida “They Don’t Care About Us” y la melodiosa balada “You Are Not Alone”. La compilación también le dio a Jackson la oportunidad de trabajar con su hermana Janet, cuando los dos colaboraron en el dúo “Scream”, el primer sencillo que se lanzó. El video resultante de “Scream” costó $ 7 millones, lo que lo convierte en uno de los videos más caros y llamativos jamás producidos. El siguiente álbum de Jackson a HIStory, Blood on the Dance Floor, fue lanzado en 1997,

En 2001, Jackson les dio a sus fans su primer álbum completamente original desde Dangerous de 1992 titulado Invincible. 2001 también vio la reunión televisada de los Jackson Five durante un tributo del 30 aniversario a Jackson. También aparecieron para honrar a Jackson los grandes de la música Ray Charles, el guitarrista Slash y el productor Quincy Jones.

Jackson había aparecido en los titulares en 1994, cuando anunció su compromiso con Lisa Marie Presley, hija de la fallecida leyenda del rock Elvis Presley. El matrimonio de Jackson y Presley se consideró muy inusual, y muchos críticos lo descartaron como un truco publicitario. El 14 de junio de 1995, Jackson y Presley fueron entrevistados por Diane Sawyer en Prime Time Live de ABC. Durante la entrevista, los dos insistieron en que estaban profundamente enamorados y planeaban tener hijos con el tiempo. Sin embargo, en enero de 1996, Lisa Presley anunció que se divorciaría de Jackson. Jackson se volvió a casar más tarde ese año con su amiga Debbie Rowe. Les nació un hijo a principios de 1997, seguido de una hija en la primavera de 1998.

Las empresas comerciales de Jackson han tenido más poder de permanencia. Un hombre de negocios astuto, firmó un acuerdo de publicación conjunta de $ 600 millones con Sony en 1995. El acuerdo combinó la división de publicación de música de Sony con el ATV Music Catalog de Jackson, que una vez poseyó los derechos de toda la colección de la obra de The Beatles.

Más importante aún, Jackson continúa cosechando elogios, a pesar de sus reveses. En 1993, recibió tres American Music Awards, incluido el primer International Artist Award, y fue reconocido en la ceremonia de los World Music Awards en Monte Carlo, Mónaco. Además, recibió premios Grammy especiales ese año. Dos años después, ganó tres premios MTV Video Awards. En 2002, Jackson fue honrado con el premio Artista del Siglo en los American Music Awards. Si bien muchos argumentan que su trabajo ha sido desigual, su contribución al pop moderno ha sido enorme. De hecho, Jackson redefinió el estrellato para la era del video. La cultura popular nunca volverá a ser la misma. En el otoño de 2006, Raymone Bain, el agente de prensa de Jackson, anunció que Jackson había vendido más de 750 millones de álbumes y sencillos en todo el mundo, convirtiendo a Jackson en uno de los artistas musicales más vendidos de todos los tiempos.

ETTA JAMES (1938–) Cantante

Nacida como Jamesetta Hawkins el 25 de enero de 1938, Etta James era una niña prodigio que cantaba música gospel en la radio de Los Ángeles cuando tenía cinco años. Cuando era adolescente en 1950, formó un grupo de canto llamado The Creolettes con dos amigas. El trío fue descubierto por la estrella de rhythm and blues Johnny Otis en 1954. Otis cambió el nombre del grupo a The Peaches y se llevó a las chicas de gira con él. The Peaches grabaron su primera canción “Roll with Me, Henry”, que encabezó las listas en 1955, junto con “Good Rocking Daddy”. El éxito de ese disco llevó a una gira con la estrella de rock and roll Little Richard y trabajos de coros de estudio con Marvin Gaye, Minnie Riperton y Chuck Berry. James firmó con Chess y consiguió diez éxitos en las listas de éxitos entre 1960 y 1963, incluidos “At Last”, “Trust in Me” y “Something’s Got a Hold on Me”.

Aunque tuvo éxito en las listas de ritmos y blues, James no logró alcanzar un público más amplio en la década de 1960. Con Chess hasta 1975, James continuó grabando con un éxito moderado en la región gris entre blues, soul, rhythm and blues y rock. Después de un lapso de grabación que duró gran parte de la década de 1980, grabó el álbum The Seven Year Itch para Island Records en 1988. A pesar de su incapacidad para establecerse como una superestrella convencional, James ha sido una gran influencia para muchos cantantes que alcanzaron ese estado. incluyendo a Diana Ross y Janis Joplin.

En 1993, James fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 1995, fue coautora de su autobiografía con David Ritz titulada Rage to Survive: The Etta James Story. Continuó publicando álbumes a lo largo de la década de 1990, como Stickin ‘to My Guns (1990); El momento adecuado (1992); Respétate a ti mismo (1997); y El corazón de una mujer (1999). Blue Gardenia llegó a las tiendas en 2001, los álbumes más recientes son Let’s Roll, 2003, Blues to the Bone, 2004 y dos en 2006, The Definitive Collection y All the Way.

JAY Z (1969–) Rap, Hip Hop, Emprendedor musical

Jay-Z nació como Shawn Corey Carter el 4 de diciembre de 1969 en Brooklyn, Nueva York. Es un artista de grabación de hip-hop y actual presidente y director ejecutivo de Def Jam y Roc-A-Fella Records. Además, es copropietario de The 40/40 Club y es copropietario de los New Jersey Nets de la NBA. Ha demostrado ser uno de los gerentes financieros y emprendedores más inteligentes entre los artistas de hip-hop. Se retiró en 2003 pero regresó a finales de 2006 con el álbum Kingdom Come, que vendió 680.000 copias en su primera semana. Jay-Z fue uno de los fundadores de Roc-A-Fella Records, un sello discográfico de hip-hop que también lanzó las carreras de artistas como Beanie Sigel, Kanye West, Memphis Bleek, Young Gunz, Freeway y Rihanna.

Desde el comienzo de su carrera discográfica comercial, cuando ningún sello importante le dio un contrato discográfico, Jay-Z creó Roc-A-Fella Records como su propio sello. Después de hacer un trato con Priority para distribuir su material, Jay-Z lanzó su álbum debut en 1996, Reasonable Doubt. En 1997 Def Jam lanzó el seguimiento de Jay-Z In My Lifetime, Vol. 1, con la ayuda del productor ejecutivo Sean “Puff Daddy” Combs. Su Vol. De 1998. 2. . . Hard Knock Life demostró ser el mayor éxito de su carrera en ese momento. Fue multiplatino en los EE. UU. Y vendió más de 8 millones en todo el mundo. En 1999, Jay-Z lanzó Vol. 3. . . Vida y época de S. Carter. El álbum fue un éxito y vendió más de 5,6 millones de discos en todo el mundo.

Jay-Z decidió comenzar a desarrollar a otros artistas. Alrededor del 2000, Damon Dash y él firmaron a varios artistas, incluidos Beanie Sigel y Freeway, y comenzaron a presentarlos al público. Luego apareció en The Dynasty: Roc La Familia, que fue pensado como un álbum recopilatorio para presentar a estos nuevos artistas, aunque el álbum tenía el nombre de Jay-Z para fortalecer el reconocimiento del mercado. The Blueprint, 2001, se considera uno de los clásicos del hip hop. Fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, el álbum logró debutar en el # 1, vendiendo más de 450,000 álbumes en su primera semana. El éxito del álbum se vio ensombrecido por los ataques terroristas ese mismo día. Eminem fue el único artista invitado en el álbum, produciendo y rapeando en el sencillo “Renegade”. Cuatro de las 13 pistas del álbum fueron producidas por Kanye West.

El siguiente álbum en solitario de Jay-Z fue el de 4 millones (solo en EE. UU.) De 2002 que vendió The Blueprint 2.1; The Gift and the Curse, un álbum doble. Más tarde fue reeditado en una versión de un solo disco, The Blueprint 2.1, en 2003 e incluyó la mitad de las pistas del original. Continuó vendiendo 800.000 copias más. Surgieron dos sencillos exitosos del álbum, “Excuse Me Miss” y “Bonnie and Clyde” con Jay-Z’s

novia de cuatro años Beyoncé Knowles. En 2003 lanzó The Black Album, que fue multiplatino.

QUINCY JONES (1933–) Trompetista, arreglista, productor

Ganador de 20 premios Grammy y autor de más de 52 bandas sonoras de películas, Quincy Jones es el músico / productor por excelencia de la música popular. Además de tocar la trompeta con músicos de jazz como Lionel Hampton y Dizzy Gillespie, Jones ha producido para artistas desde Frank Sinatra hasta Michael Jackson.

Quincy Jones nació el 14 de marzo de 1933 en Chicago, Illinois. A los diez años, Jones se mudó a Bremerton, Washington. Como miembro de la Junior Orchestra de Bump Blackwell, Jones actuó en funciones sociales locales de Seattle. En 1949, Jones tocó la tercera trompeta en la banda de Lionel Hampton en la escena de clubes locales de Seattle. Después de entablar amistad con el bajista de jazz Oscar Pettiford, Jones se estableció como un músico y arreglista capaz.

De 1950 a 1953, Jones se convirtió en miembro habitual de la banda de Hampton y, posteriormente, realizó una gira por Estados Unidos y Europa. A mediados de la década de 1950, Jones comenzó a grabar discos de jazz con su propio nombre. En 1956, realizó una gira por Oriente Medio y Sudamérica con la Banda del Departamento de Estado de los Estados Unidos encabezada por Dizzy Gillespie.

En 1961, Jones fue nombrado director musical de Mercury Records. En busca de nuevos horizontes musicales, Jones comenzó a producir música popular, incluido el éxito de 1963 de Leslie Gore, “It’s My Party”. El creciente prestigio de Jones en Mercury lo llevó a su ascenso a vicepresidente de la compañía, lo que marcó la primera vez que un afroamericano ocupaba un puesto ejecutivo en un sello importante. Durante este tiempo, Jones también comenzó a escribir y grabar bandas sonoras de películas. En 1967, produjo la banda sonora de la película In the Heat of the Night. También produjo la banda sonora de la miniserie de televisión de Alex Haley “Roots” y coprodujo la adaptación cinematográfica de El color púrpura de Alice Walker con Steven Spielberg.

Después de su producción de la película The Wiz de 1978 respaldada por Motown, Jones pasó a producir la estrella de la película, Michael Jackson, en grabaciones como el lanzamiento de 1979 Off the Wall y el éxito récord de 1985 Thriller. El lanzamiento de Jones en 1989 Back on the Block, ganador de un Grammy, fue elogiado por la crítica y sin duda fue una señal del papel continuo de Jones en el futuro desarrollo de la música popular afroamericana. Dos años después, Jones se sentó con su viejo amigo Miles Davis. El encuentro musical fue grabado y lanzado en 1993 como Miles Quincy Live en Montreux, junto con un video documental del mismo nombre. En 1995, Jones lanzó su álbum Q’s Juke Joint, que presenta versiones actualizadas de melodías popularizadas en las casas de ruta posteriores a la esclavitud.

Jones también es influyente en la industria de los medios. Es presidente de Quest Broadcasting; en 1994, el grupo se asoció con Tribune Co. de Chicago para comprar estaciones de televisión en Atlanta y Nueva Orleans. Su empresa conjunta con la revista Time WarnerVIBE, que Jones fundó, ha tenido mucho éxito. La publicación cubre la música y la cultura urbana y tiene un gran número de lectores entre los afroamericanos y los latinos. A finales de la década de 1990, Jones se dedicó a explorar el ámbito multimedia. Lanzó un CD-ROM, Q’s Juke Joint, que, como su álbum del mismo nombre, es un examen de la música afroamericana.

En 1997, Jones recibió el premio WGCI-AM / FM Granville White Lifetime Achievement Award por la excelencia en la industria de la música. En 1999, Jones fue honrado con el premio James D. Patterson, que reconoce a las personas que han ayudado a asegurar la existencia continua de colegios y universidades históricamente negros y la educación de estudiantes negros. A principios de 2001, Jones vendió Qwest Records a Warner Music y se concentró a tiempo completo en su compañía de producción de películas y televisión. También publicó Q: The Autobiography of Quincy Jones en ese año. En diciembre de 2001, Quincy recibió un honor del Kennedy Center. Su honor más reciente vino nuevamente de la Academia Nacional de Ciencias de las Artes de la Grabación cuando recibió el Grammy al Mejor Álbum de Palabras Habladas por Q: The Autobiography of Quincy Jones. Su trabajo sigue siendo popular, como se demostró cuando el rapero Ludacris sampleó Soul Bossa Nova de Jones para su single Number One Spot de 2005. Jones apareció en el video y también realizó un cameo en Austin Powers en Goldmember, que también contó con Soul Bossa Nova en su banda sonora. Jones dirige su compañía Quincy Jones Entertainment, que produjo los programas de televisión Fresh Prince of Bel-Air. Jones también es el fundador de Vibe Magazine y propietario de la publicación Spin.

LOUIS JORDAN (1908-1975) Cantante, saxofonista alto, líder de banda

Louis Jordan dirigió una de las bandas más populares e influyentes de la década de 1940. El ritmo shuffle boogie de su conjunto de jump blues, el Tympany Five, tuvo un profundo impacto en la aparición del rhythm and blues. Como admitió el guitarrista Chuck Berry, “Me identifico con Louis Jordan más que con cualquier otro artista”. Porque fueron los ritmos oscilantes de Jordan, la presencia teatral en el escenario y las canciones sobre la vida cotidiana lo que lo convirtió en uno de los favoritos entre los músicos y oyentes a lo largo de la década de 1940.

Nacido en Brinkley, Arkansas, el 8 de julio de 1908, Jordan era hijo de un líder de banda y profesor de música. Recibió su educación musical en las escuelas públicas de Brinkley y en el Baptist College en Little Rock. La carrera musical temprana de Jordan como clarinetista incluyó temporadas con Rabbit Foot Minstrels y la orquesta de Ruby Williams. Poco después de mudarse a Filadelfia en 1932, Jordan se unió al grupo de Charlie Gains; en algún momento alrededor de 1936, se unió a la banda del baterista Chick Webb.

Después de la muerte de Webb en 1938, Jordan fundó su propio grupo. Debido a que Jordan actuó para audiencias blancas y negras, él, para usar sus propias palabras, aprendió a “cruzar la valla” tocando música que iba desde blues hasta música de baile formal. Firmando con Decca Records durante el mismo año, Jordan comenzó una carrera discográfica que, a principios de la década de 1940, produjo una serie de millones de grabaciones vendidas como “Is You Is or Is You Ain’t (My Baby)”, “Choo Choo Ch “Boogie”, “Saturday Night Fish Fry” y “Caledonia”. Además de trabajar con artistas como Louis Armstrong, Bing Crosby y Ella Fitzgerald, Jordan apareció en varias películas, como el lanzamiento de 1949, Shout Sister Shout.

Aunque no logró el éxito que experimentó durante la década de 1940, Jordan lideró una gran banda a principios de la década de 1950. Durante las décadas de 1960 y 1970, continuó de gira por Estados Unidos, Europa y Asia. Su carrera llegó a su fin en 1975 cuando sufrió un infarto fatal en Los Ángeles. Jordan fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987. En 1990 fue reconocido en la exitosa producción teatral de Five Guys Named Moe.

EDDIE KENDRICKS (1939-1992) Cantante

Como miembro de The Temptations en la década de 1960, el articulado falsete conmovedor de Eddie Kendricks proporcionó a Motown una serie de clásicos de la música pop. El trasfondo de la música gospel de Kendricks “le permitió aportar una seriedad inusual al canto de letras de amor”, escribió el historiador musical David Morse. “Solo se le puede comparar con Ray Charles en su capacidad para tomar la balada más raída y convertirla en una declaración dramática y completamente convincente”.

Nacido el 17 de diciembre de 1939 en Birmingham, Alabama, Kendricks creció con un amigo cercano y miembro de Temptations, Paul Williams. En 1956 Kendricks y Williams dejaron la escuela y viajaron hacia el norte para convertirse en estrellas del canto en la tradición de sus ídolos Clyde McPhatter y Little Willie John. En Detroit, Kendricks y Williams formaron el grupo de canto doo wop The Primes, que actuaba en concursos de talentos y fiestas en casa. En 1961, los Primes grabaron las canciones “Mother of Mine” y la melodía de baile “Check Yourself” para el efímero sello Miracle de Berry Gordy.

Por sugerencia de Berry Gordy, los Primes cambiaron su nombre a Temptations y después de agregar a David Ruffin como vocalista principal, se propusieron convertirse en uno de los grupos más exitosos del sello Motown. A lo largo de la década, Kendricks protagonizó varias canciones, incluidos los clásicos “My Girl” en 1965, “Get Ready” en 1966 y “Just My Imagination (Running Away With Me)” en 1972.

En junio de 1971, Kendricks siguió una carrera en solitario y finalmente grabó dos éxitos de influencia disco “Keep on Truckin” en 1973 y “Boogie Down” en 1974. La carrera de Kendricks pronto cayó en declive. Incapaz de encontrar material que se adaptara a su sensibilidad artística única, Kendricks cambió de sello discográfico varias veces antes de reunirse con The Temptations en 1982. Después de la reunión, Kendricks actuó con The Temptations en la transmisión de Live Aid y en el álbum Live at the Apollo Theatre con David. Ruffin y Eddie Kendricks. En 1987, Ruffin y Kendricks firmaron un contrato con RCA y grabaron el LP Ruffin and Kendricks. Afectado por un cáncer de pulmón, Kendricks murió en octubre de 1992.

ALICIA KEYS (1980) Cantante, compositora, músico

Alicia Augello-Cook nació el 25 de enero de 1980. Keys nació de una madre irlandesa-italiana, Terri Augello, y de un padre jamaicano, Craig Cook, en Harlem. En 1985, Keys y un grupo de otras chicas ganaron los papeles como invitados a la fiesta de pijamas de Rudy Huxtable en un episodio de The Cosby Show. Comenzó a tocar el piano cuando tenía siete años, aprendiendo música clásica de compositores como Beethoven, Mozart y Chopin. Escribió su primera canción “Butterflyz” a la edad de catorce años; la canción se grabó más tarde para su álbum debut. Keys se graduó de la Professional Performing Arts School, una escuela secundaria en Manhattan, a la edad de dieciséis años. Aunque fue aceptada en la Universidad de Columbia, decidió seguir su carrera musical. Keys firmó un contrato con Jermaine Dupri y su sello So So Def, luego distribuido por Columbia Records. Escribió y grabó una canción titulada Dah Dee Dah (Sexy Thing), que apareció en la banda sonora del éxito de taquilla de 1997, Men in Black. La canción fue la primera grabación profesional de Keys; nunca fue lanzado como single y su contrato discográfico con Columbia Records terminó rápidamente. Keys más tarde conoció a Clive Davis, quien la fichó con Arista Records y, más tarde, con el sello J Records, grabó las canciones Rock wit U y Rear View Mirror, incluidas en las bandas sonoras de las películas Shaft (2000) y Dr. Dolittle 2 (2001). ) especialmente. Luego, Keys lanzó su álbum debut Songs in A Minor en 2001. quien la fichó con Arista Records y, más tarde, con el sello J Records, grabó las canciones Rock wit U y Rear View Mirror, incluidas en las bandas sonoras de las películas Shaft (2000) y Dr. Dolittle 2 (2001) especialmente. Luego, Keys lanzó su álbum debut Songs in A Minor en 2001. quien la fichó con Arista Records y, más tarde, con el sello J Records, grabó las canciones Rock wit U y Rear View Mirror, incluidas en las bandas sonoras de las películas Shaft (2000) y Dr. Dolittle 2 (2001) especialmente. Luego, Keys lanzó su álbum debut Songs in A Minor en 2001.

Keys interpretó Someday All Be Free de Donny Hathaway en el concierto benéfico televisado America: A Tribute to Heroes luego de los ataques del 11 de septiembre de 2001. Otro sencillo de Songs in A Minor, A Woman’s Worth, también se ubicó entre los diez primeros en los EE. UU. Keys y el álbum ganaron cinco premios Grammy en 2002, incluyendo Mejor Artista Nuevo y Canción del Año por Fallin ‘. Más tarde, en 2002, Keys lanzó Remixed & Unplugged in A Minor, una reedición de Songs in A Minor, que incluye ocho remixes y versiones de algunas de las canciones de su álbum debut. Las críticas críticas del álbum fueron en su mayoría positivas.

Keys siguió su debut con The Diary of Alicia Keys, 2003, que vendió ocho millones de copias en todo el mundo. Los sencillos You Don’t Know My Name y If I Ain’t Got You alcanzaron los cinco primeros de la lista Billboard Hot 100, y otro sencillo, Diary, entró en los diez primeros. If I Ain’t Got You se convirtió en el primer sencillo de una artista femenina en permanecer en la lista Billboard Hot R & B / Hip-Hop Songs de sesenta y tres años durante más de un año, superando a “Your Child” de Mary J. Blige. (cuarenta y nueve semanas). Keys se convirtió en la artista femenina de R&B más vendida de 2004.

En los MTV Video Music Awards de 2004, Keys ganó el premio al Mejor Video de R&B por If I Ain’t Got You. Al año siguiente, 2005, ganó el premio al Mejor Video de R&B en su segundo año consecutivo por Karma. Ese año ganó cuatro premios Grammy: Mejor Álbum de R&B por The Diary of Alicia Keys, Mejor Interpretación Vocal Femenina de R&B por If I Ain’t Got You, Mejor Canción de R&B por You Don’t Know My Name y Mejor Interpretación de R&B por un Dúo o grupo con voces para My Boo con Usher. También fue nominada para Álbum del año por The Diary of Alicia Keys, Canción del año por If I Ain’t Got You, Mejor interpretación de R&B de un dúo o grupo con voces para Diary (¡con Tony! Toni! Toné!) y Mejor Canción de R&B por My Boo.

Keys actuó y grabó su entrega de la serie MTV Unplugged el 14 de julio de 2005 en la Academia de Música de Brooklyn. Durante esta sesión en vivo, Keys agregó arreglos completamente nuevos a sus canciones originales, como A Woman’s Worth y Heartburn, y realizó algunas versiones de su elección. Parte de la audiencia de Keys también incluía a sus artistas invitados; colaboró ​​con los raperos Common y Mos Def en “Love It or Leave It Alone”, el artista de reggae Damian Marley en Welcome to Jamrock y el cantante principal de Maroon 5 Adam Levine en una versión de Wild Horses de 1971 de The Rolling Stones. Además de una versión de Every Little Bit Hurts, anteriormente interpretada por cantantes como Aretha Franklin y Brenda Holloway, Keys también estrenó dos nuevas canciones originales: Stolen Moments, que coescribió con el productor Lamont Green, e Unbreakable Known simplemente como Unplugged. , el álbum alcanzó el número uno en la lista Billboard 200 de EE. UU. El debut de Keys ‘Unplugged fue el debut más alto para un álbum de MTV Unplugged desde MTV Unplugged de Nirvana en 1994 en Nueva York y el primer Unplugged de una artista femenina en debutar en el número uno. Fue nominada a cuatro premios Grammy: Mejor interpretación vocal femenina de R&B por Unbreakable, Mejor interpretación vocal de R&B tradicional por If I Was Your Woman, Mejor canción de R&B por Unbreakable y Mejor álbum de R&B. El álbum ganó tres premios NAACP Image Awards: Artista femenina sobresaliente, Canción sobresaliente por Unbreakable y Video musical sobresaliente por Unbreakable. Fue nominada a cuatro premios Grammy: Mejor interpretación vocal femenina de R&B por Unbreakable, Mejor interpretación vocal de R&B tradicional por If I Was Your Woman, Mejor canción de R&B por Unbreakable y Mejor álbum de R&B. El álbum ganó tres premios NAACP Image Awards: Artista femenina sobresaliente, Canción sobresaliente por Unbreakable y Video musical sobresaliente por Unbreakable. Fue nominada a cuatro premios Grammy: Mejor interpretación vocal femenina de R&B por Unbreakable, Mejor interpretación vocal de R&B tradicional por If I Was Your Woman, Mejor canción de R&B por Unbreakable y Mejor álbum de R&B. El álbum ganó tres premios NAACP Image Awards: Artista femenina sobresaliente, Canción sobresaliente por Unbreakable y Video musical sobresaliente por Unbreakable.

Keys ya ha comenzado a trabajar en su tercer álbum de estudio, cuyo lanzamiento está previsto para el verano de 2007. También actúa en cine y televisión.

CHAKA KHAN (1953–) Cantante

Nacida en la Estación de Entrenamiento Naval de los Grandes Lagos, Illinois, en 1953, Chaka Khan (de soltera Yvette Marie Stevens) cambió su nombre después de asistir al Centro de Artes Africanas de la Tribu Yoruba en Chicago, su ciudad natal. Cantó con varios grupos, incluidos Lyfe, Lock and Chains, Baby Huey and the Babysitters y Ask Rufus, que acortó su nombre a Rufus y firmó con ABC en 1973. Después de un álbum debut de ventas modestas, el segundo proyecto de Rufus contó con la composición de Stevie Wonders. “Tell Me Something Good” en el álbum Rags to Rufus (1974). Pronto, Khan ganó el premio “con Chaka Khan”, y el grupo produjo una serie de proyectos exitosos que incluyen Rufusized (1974), Rufus con Chaka Khan (1975) y Ask Rufus (1977).

Khan se embarcó en una carrera en solitario en 1978. Durante este tiempo colaboró ​​con los gigantes de la industria Quincy Jones (“Stuff Like That”) y Joni Mitchell (“Don Juan’s Reckless Daughter”). Sus esfuerzos como solista incluyeron colaboraciones con luminarias como George Benson, The Average White Band, The Brecker Brothers y Phil Upchurch. A lo largo de la década de 1980, Khan expandió su reputación grabando en situaciones eclécticas que incluían estándares de jazz, rock y soul contundente. Colaboró ​​con una vertiginosa mezcla de músicos como Prince, Freddie Hubbard, Chick Corea y Grandmaster Melle Mel. En la década de 1990, la música de su carrera anterior siguió siendo un elemento básico en los formatos de radio de rhythm and blues y smooth jazz. Su lanzamiento de 1998 Come 2 My House es un proyecto de colaboración con “el artista anteriormente conocido como Prince”.

y presenta el estilo vocal característico de Khan: una amplia gama, intensa musicalidad, tono de clarín y sentimiento sensual. Ese mismo año, Chaka Khan recibió el primer premio Rhythm & Soul Heritage de ASCAP. En 2000, Khan fue honrado con el premio Granville White Lifetime Achievement Award.

En octubre de 2004, Khan lanzó su álbum de versiones ClassiKhan de su propio sello Earth Song Records y Sanctuary Records. El álbum de sus estándares contó con la Orquesta Sinfónica de Londres y se grabó principalmente en los estudios Abbey Road de Londres. A principios de 2006, firmó con el nuevo sello Burgundy Records de Sony BMG para lanzar su álbum de portadas de estudio, I-Khan Divas, en 2007. Además, Khan, quien recientemente ha abrazado el cristianismo, participó en un concierto de gospel en vivo de estrellas para el artista Richard. El nuevo álbum de Smallwood Journey: Live In New York. Khan aparece en la canción Holy Is Your Name. El 11 de febrero de 2007, Khan encabezó y actuó en la fiesta oficial posterior al premio Grammy de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación 2007, que se llevó a cabo inmediatamente después del evento en el centro de convenciones de Los Ángeles.

GLADYS KNIGHT (1944–) Cantante

Nacida el 28 de mayo de 1944 en Atlanta, Georgia, Gladys Knight se crió en una familia que valoraba la educación y los sonidos de la música gospel. A los cuatro años, Knight comenzó a cantar música gospel en la Iglesia Bautista Mount Moriah. Cuando tenía ocho años, Knight ganó el primer premio en el programa de televisión “Ted Mack’s Amateur Hour” por una interpretación de la canción “Too Young”. Entre los años 1950 y 1953, Knight realizó una gira con el Coro Morris Brown de Atlanta, Georgia. Por esta misma época, Knight se unió a su hermana Brenda, su hermano Merald y sus primos William y Eleanor Guest para formar un grupo de canto de la iglesia local. En 1957, el grupo tomó el nombre de The Pips por sugerencia del primo y gerente James “Pips” Woods.

Dos años más tarde, Langston George y Edward Patten reemplazaron a Brenda Knight y Eleanor Guest. Aunque Gladys dejó periódicamente el grupo, se reincorporó en 1964. Después de grabar para varios sellos discográficos, los Pips finalmente firmaron con la subsidiaria de Motown, Soul. A pesar de la falta de éxito comercial, el grupo lanzó una serie de excelentes grabaciones bajo la supervisión del talentoso personal de producción de Motown, incluidos Norman Whitfield y Ashford y Simpson. En 1967, el grupo lanzó el sencillo “I Heard It Through the Grapevine”, que alcanzó el número dos en las listas de Billboard. Después de una larga serie de éxitos en Motown, los Pips firmaron con el sello Buddah en 1973, lanzando el álbum Imagination, que proporcionó al grupo dos sencillos de oro “Midnight Train to Georgia” y “I’ve Got to Use My Imagination”.

A fines de la década de 1970, el grupo, enfrentado a batallas legales y disputas contractuales, comenzó a perder popularidad. Durante tres años, al grupo se le prohibió grabar o actuar juntos. Como resultado de un acuerdo extrajudicial en 1980, los Pips firmaron un nuevo contrato con CBS, donde permanecieron hasta 1985. Junto con Dionne Warwick y Elton John, Knight grabó el sencillo de oro ganador del Grammy “That’s What Friends Are For ”en 1986. Lanzado en 1988, el corte del título del álbum Love Overboard de Pip se convirtió en su sencillo más vendido en décadas. Ese mismo año, Knight grabó el tema de la película de James Bond License To Kill. Publicado en el sello MCA, el álbum de 1991 de Knight Good Women cuenta con las estrellas invitadas Patti LaBelle y Dionne Warwick. Knight lanzó otro álbum Just For You en 1994. En 1995,

En 1998, Knight lanzó el álbum Many Different Roads, su primer álbum en enfocarse completamente en el lado espiritual de la música. En 2001, Knight volvió a la música más contemporánea con su álbum At Last. También se casó con el consultor de negocios William McDowell ese mismo año. Fue su cuarto matrimonio y el segundo. En 2002, Knight volvió a ser el centro de atención cuando ganó un Grammy al Mejor Álbum Vocal de R&B Tradicional, por At Last, de la Academia Nacional de Ciencias de las Artes de la Grabación.

Knight continúa recibiendo muchos premios y honores. En 2005, Knight recibió un Grammy a la Mejor Interpretación de Gospel por “Heaven Help Us All”, su dueto con Ray Charles, una canción del álbum de Charles, Genius Loves Company. Oprah Winfrey honró a Knight como una de las 25 mujeres afroamericanas exitosas e influyentes en un Legends Ball. Knight también fue honrado en 2005 con un Lifetime Achievement Award de la red de cable BET. En 2006, Knight fue honrado con un Premio Legendario de los Premios de Música de Las Vegas. Knight ganó su séptimo premio Grammy en 2007 en la categoría de Mejor Coro de Evangelio o Coro de Evangelio por el CD “One Voice” con Saints Unified Voices.

BEYONCÉ KNOWLES (1981–) Cantante, actriz

Nacida en Houston, Texas, el 4 de septiembre de 1981, Beyoncé Giselle Knowles comenzó a actuar a los siete años. Desde clases de baile hasta canto en el coro de la iglesia, Beyoncé se destacó. Con su prima Kelly Rowland conoció a Latavia Roberson y el trío formó un grupo con Letoya Luckett. Mathew Knowles, el padre de Beyoncé y tutor legal de Rowland, se convirtió en el gerente de las niñas. Esto llevó a uno de los grupos femeninos de R&B más populares de todos los tiempos: Destiny’s Child, que debutó en 1990. En 2002, el grupo vendió más de 33 millones de álbumes y ganó muchos premios Grammy y otros premios. “Jumpin ‘Jumpin'”, “Bills, Bills, Bills”, “Say My Name” y “Survivor” fueron los principales éxitos.

En 2001, el grupo intentó carreras en solitario. Beyoncé se convirtió en la primera artista afroamericana y la segunda mujer en ganar el premio anual ASCAP Pop Songwriter of the Year en 2001. Rápidamente siguió una aparición en el drama de MTV Carmen: A Hip Hopera , pero fue su papel de Foxxy Cleopatra en Austin Powers en Goldmember en 2002 lo que finalmente llevó a Beyoncé del escenario a la pantalla.

Su primer sencillo, “Work It Out”, coincidió con el lanzamiento de la comedia de Mike Myers y consolidó su estatus de celebridad. Un lugar invitado en 03 “Bonnie & Clyde” de Jay-Z fue igualmente popular cuando apareció en octubre. En 2003 se reincorporó a Jay-Z para su propio single debut, “Crazy in Love”. El álbum debut de Beyoncé, Dangerously in Love (2003), contó con colaboraciones con Sean Paul, Missy Elliott y Big Boi de OutKast. Casi dos años después de otro álbum de Destiny’s Child ( Destiny Fuldered ), Beyoncé lanzó su segundo álbum, B’day.En la ceremonia de los premios Grammy de 2004, Knowles ganó un récord de cinco premios Grammy por su trabajo en solitario, que incluyó Mejor interpretación vocal femenina de R&B por “Dangerously in Love 2”, Mejor canción de R&B por “Crazy in Love” y Mejor R&B contemporáneo. Álbum. Otras tres artistas femeninas ostentan este récord: Lauryn Hill (1999), Alicia Keys (2002) y Norah Jones (2003). También ganó un Brit Award en 2004 como artista solista femenina internacional en el Reino Unido.

En diciembre de 2005, Knowles lanzó “Check on It”, con los raperos Slim Thug y (en el remix oficial) Bun B. La canción era de la compilación de grandes éxitos de Destiny’s Child, # 1, y la banda sonora de la película de 2006 The Pink Panther y fue el sexto éxito entre los cinco primeros de Knowles y el tercer número uno en los EE. UU.

En los premios Grammy de 2006, Knowles ganó un Grammy en la categoría de Mejor interpretación de R&B de un dúo o grupo con voz por la canción “So Amazing”, un dueto con Stevie Wonder del álbum tributo a Luther Vandross So Amazing: An All-Star. Homenaje a Luther Vandross. Beyoncé recibió cinco nominaciones al Grammy y ganó el premio al Mejor Álbum de R&B Contemporáneo por B’Day en 2007.

KRS-ONE (1965? -) Cantante de rap

KRS-One, que se describe a sí mismo como un maestro cuyo Boogie Down Productions (BDP) fue una influencia importante en el rap hardcore, sobrevivió a la vida en la calle, la prisión, la falta de vivienda, el asesinato de un amigo cercano y las críticas negativas para emerger como una de las figuras más poderosas del rap. . Nacido como Lawrence Parker alrededor de 1965 en Brooklyn, Nueva York, KRS-One (inicialmente representante de “Kris, Number One”, más tarde un acrónimo de “Knowledge Reigns Supreme Over Nearly Everyone”) también pasó por Krishna Parker o Kris Parker. Al salir de casa a los 13 años, vivía en la calle, realizaba trabajos ocasionales cuando estaba disponible y pasaba el rato en bibliotecas públicas. Autodidacta, cumplió un breve período en la cárcel por vender marihuana. Tras su liberación, el joven de 19 años conoció a Scott Sterling, un trabajador social y DJ que trabajaba bajo el nombre de Scott LaRock. Juntos, los dos formaron BDP.

BDP grabó un álbum, Criminal Minded, antes de que LaRock fuera asesinado mientras intentaba romper una pelea. Perseverante, KRS-One mantuvo viva su música, grabando varias obras aclamadas por la crítica con los diversos músicos que componían el equipo de BDP. En 1990 creó HEAL, o Human Education Against Lies, una organización afrocéntrica y proeducativa. KRS-One también fundó Edutainer Records ese año. En 1991 grabó Live Hardcore Worldwide, uno de los primeros álbumes de rap en vivo, y produjo artistas como Queen Latifah y los Neville Brothers. Su álbum de 1992 Sex and Violence regresó al sonido hardcore anterior de BDP, mientras que su grabación de 1997 I Got Next produjo funk crudo en temas como “The MC”.

KRS-One se tomó un año sabático de cuatro años de la industria de la música, pero regresó con fuerza con su lanzamiento de 2001 The Sneak Attack. Luego sorprendió a muchos fanáticos y críticos con su álbum de 2002 Spiritual Minded, un disco de gospel incondicional que predica las formas de un estilo de vida religioso en formato de rap. Fundó el Templo del Hiphop y lanzó un nuevo álbum, Kristyles, a mediados de 2003, que fue precedido por KRS-One: The Mixtape. En el verano de 2004 lanzó Keep Right y el último álbum de KRS-One, Life, en 2006.

PATTI LABELLE (1944–) Cantante

Nacida en Filadelfia, Pensilvania, en 1944, Patti LaBelle (de soltera Patricia Holt) sigue siendo una de las divas más respetadas de la tradición pop-soul. Conocida por sus vocalizaciones dramáticas y presentaciones en el escenario, la carrera de LaBelle ha durado varias décadas manteniéndose al día con las tendencias populares sin sacrificar su característica gimnasia vocal.

Cuando todavía era una adolescente, LaBelle formó los Bluebelles con Cindy Birdsong, Sarah Dash y Nonah Henderson. Obtuvieron un éxito en “Vendí mi corazón al junkman” (1962) y “Down the Aisle” (1963) durante el apogeo de la moda de los grupos de chicas en la música popular. Poco después, el grupo adoptó el nombre de Patti LaBelle and the Bluebelles, que finalmente se redujo a LaBelle, y adoptaron un estilo de rock más duro a principios de la década de 1970. El grupo obtuvo un millón de ventas con la enérgica “Lady Marmalade”. El grupo se disolvió en 1976 y LaBelle se embarcó en una carrera en solitario.

A mediados de la década de 1980, grabó los éxitos “New Attitude” (1985) y “Oh People” (1986) y la canción de Bayer Sayer-Burt Bacharach “On My Own” (1986), que incluía un dúo con Michael McDonald de los hermanos Doobie. LaBelle ha recibido ocho nominaciones a los premios Grammy y tres nominaciones a los premios Emmy. En 1992, recibió un Grammy a la mejor interpretación vocal de R&B. Produjo numerosos álbumes a lo largo de la década de 1990, incluidos Burnin ‘(1991); Gems (1994); y Flame (1997). Si bien todo su conjunto de grabaciones a lo largo de las décadas de 1980 y 1990 tuvo un éxito comercial mixto, se ha establecido como una de las favoritas sentimentales entre las audiencias del pop-soul. En 2000, LaBelle lanzó el álbum de estudio, When a Woman Loves. En 2001, recibió el premio Lena Horne por logros sobresalientes en su carrera en los premios Lady of Soul de Soul Train.

LITTLE RICHARD (1932–) Cantante, pianista

Vestido de forma extravagante, con el pelo recogido en un copete, Little Richard es un fenómeno musical, un artista aclamado por la superestrella del pop Paul McCartney como “uno de los más grandes reyes del rock and roll”. La imagen, los gestos y el talento musical de Richard marcaron la tendencia para el surgimiento de intérpretes de música popular moderna desde Jimi Hendrix hasta Prince.

Richard Wayne Penniman, uno de 12 hijos, nació el 5 de diciembre de 1932 en Macon, Georgia. Cuando era niño en Macon, Richard escuchó los sonidos de grupos de música gospel, músicos callejeros y canciones de base espiritual que emanaban de los hogares de su vecindario. Apodado el “Halcón de la Guerra” por sus aullidos y gritos desenfrenados, la voz de Richard se proyectaba con tal intensidad que una vez le pidieron que dejara de cantar en la iglesia. La primera canción de Richard ante una audiencia fue con los Tiny Tots, un grupo de gospel con sus hermanos Marquette y Walter. Más tarde, Richard cantó con su familia en un grupo llamado Penniman Singers; aparecieron en iglesias, reuniones campestres y concursos de talentos.

En la escuela secundaria, Richard tocaba el saxofón alto en la banda de música. Después de la escuela, tomó un trabajo de medio tiempo en el Auditorio de la ciudad de Macon, donde vio las bandas de Cab Calloway, Hot Lips Page, Lucky Millinder y Sister Rosetta Thorpe. A los 14 años, Richard se fue de casa para convertirse en actor en el programa de medicina del Doctor Hudson. Mientras estaba de gira, se unió a la orquesta de B. Brown como cantante de baladas interpretando composiciones como “Good Night Irene” y “Mona Lisa”. Poco después, se convirtió en miembro del espectáculo de trovadores itinerantes de Sugarfoot Sam de Alabama.

La primera oportunidad de Richard llegó en 1951, cuando el sello RCA lo grabó en vivo en la radio, produciendo el éxito local “Every Hour”. Viajando a Nueva Orleans con su banda Tempo Toppers, el grupo de Richard finalmente tocó la escena del rhythm and blues de Houston, donde atrajo la atención de Don Robey, presidente de Peacock Records. Después de cortar algunos lados para la etiqueta Peacock, Richard envió una cinta de demostración a la etiqueta especializada de Art Rupe, con sede en Los Ángeles. Bajo la dirección del productor de Specialty, Bumps Blackwell, Richard grabó el éxito de 1956 “Tutti Frutti” en JM Studios en Nueva Orleans. Las sesiones posteriores de Richard para Specialty produjeron una larga lista de éxitos clásicos como “Long Tall Sally”, “Lucille”, “Jenny, Jenny” y “Keep a Knocking”. En 1957,

Al año siguiente, Richard dejó su carrera de rock and roll para ingresar al Oakland Theological College en Huntsville, Alabama. Entre 1957 y 1959, Richard lanzó varias grabaciones de gospel y realizó giras con artistas como Mahalia Jackson. En 1962, Richard se embarcó en una gira por Europa con Sam Cooke. Un año después, Richard contrató a un guitarrista entonces desconocido, Jimi Hendrix, que pasó a llamarse Maurice James. En Europa, Richard tocaba en los mismos billetes que los Beatles y los Rolling Stones.

En la década de 1970, Richard siguió una carrera como evangelista e intérprete de pleno derecho. En 1979, se embarcó en una gira evangelizadora por todo el país. En la década siguiente, apareció en la película Down and Out in Beverly Hills y grabó “Rock Island Line” en el LP tributo a Lead-belly y Woody Guthrie titulado Folkways: A Vision Shared.

La continua actividad de Richard en el mundo del espectáculo representa la energía inagotable de un cantante que tuvo un profundo impacto en las carreras de artistas como Otis Redding, Eddie Cochran, Richie Valens, Paul McCartney y Mitch Ryder. Después de haber obtenido honores especiales de Grammy en 1993, Richard fue honrado con un premio a la trayectoria de la Fundación Rhythm Blues el año siguiente. Más tarde ese año, encabezó el Festival de Jazz y Herencia de Nueva Orleans de 1994 y es miembro fundador del Salón de la Fama y Museo del Rock and Roll. Fue llamado por la House of Blues Foundation para ayudar en el programa Blues School House de la organización en 1995.

Richard continuó de gira durante la década de 1990 y ha aparecido en numerosos programas de televisión y películas, generalmente como él mismo. En 2000, NBC produjo una televisión sobre su vida titulada “Little Richard” protagonizada por Robert Townsend. También en 2000, Richard fue nombrado embajador de buena voluntad en su ciudad natal, Macon, Georgia. Richard fue uno de los miembros del 2002 en el Salón de la Fama de la Asociación Nacional para el Avance de la Gente de Color (NAACP) y al año siguiente, Little Richard fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores. En 2004, la revista Rolling Stone clasificó a Little Richard como el número 8 en su lista de los mejores artistas de todos los tiempos.

LL COOL J (1968–) Músico de rap, actor

A mediados de la década de 1980, LL Cool J se convirtió en una de las primeras estrellas importantes de la música rap. Junto con un puñado de otros músicos, jugó un papel importante en la entrada y aceptación del rap en la corriente principal de la música pop estadounidense. Incluso con los enormes cambios y cambios en la industria durante las últimas dos décadas, LL Cool J se ha mantenido como un músico de rap exitoso. Además de su prominencia como rapero, LL Cool J también ha cultivado una exitosa carrera como actor en cine y televisión.

Nacido James Todd Smith el 14 de enero de 1968, LL Cool J (abreviatura de “Ladies Love Cool James”) creció en Queens, Nueva York. A la edad de 16 años, lanzó “I Need A Beat”, el primer disco emitido por Russell Simmons y el sello Def Jam de Rick Rubin. El single resultó ser muy popular y lanzó su álbum debut, Radio (1985), al año siguiente. Con el éxito del álbum, LL Cool J fue invitado a realizar una versión de su sencillo “No puedo vivir sin mi radio” en la película Krush Groove (1985). También apareció como rapero en la película Wildcats (1986).

Su segundo álbum, Bigger and Deffer (1987) resultó ser un éxito aún mayor que Radio. El sencillo del álbum “I Need Love” se convirtió en la primera canción de rap en encabezar la lista de R&B de la revista Billboard, expandiendo el atractivo de la música rap a una audiencia más amplia. Ese año, “Going Back to Cali”, un sencillo de la banda sonora de la película Less Than Zero, resultó ser otro gran éxito en las listas de éxitos. LL Cool J siguió con los álbumes Walking with a Panther (1989); Mama Said Knock You Out (1990); 14 disparos a la cúpula (1993); Sr. Smith (1995); Fenómeno (1997); GOAT con James T. Smith (2001); La DEFinition (2004), Todd Smith (2006) y se esperaba en 2007, Exit 13.

El comienzo de la década de 1990 vio a LL Cool J explorar los medios del cine y la televisión, tanto como músico como actor. Fue el primer artista de rap en aparecer en Unplugged de MTV en 1991, y realizó una actuación impresionante como policía encubierto en The Hard Way (1991). Un año después, apareció en la película Toys (1992). En 1995, LL Cool J recibió su propia serie de televisión, In the House. La comedia de situación, que se estrenó en NBC antes de pasar a la red UPN, se desarrolló hasta 1999. Los créditos de actuación de LL Cool J incluyen papeles en las siguientes películas: Out-of-Sync (1995), BAPS (1997), Caught Up (1998), Woo (1998), Halloween: H20 (1998), Deep Blue Sea (1999), In Too Deep (1999), Un domingo cualquiera (1999), Los ángeles de Charlie (2000), Kingdom Come (2001) y Rollerball (2002) .

MASTER P (c. 1970–) Ejecutivo de compañía de música y cine, cantante de rap, actor

Nacido como Percy Miller, Master P creció en un proyecto de viviendas en Third Ward de Nueva Orleans, un área con una reputación de alta tasa de criminalidad y violencia. Sus padres se divorciaron cuando él tenía 11 años y su madre se mudó a California. Aunque viajó entre Nueva Orleans

y California, el adolescente Percy se estableció en Crescent City, asistió a las escuelas secundarias Booker T. Washington y Warren Eason, y jugó baloncesto en ambas escuelas. Después de graduarse, según los informes, obtuvo una beca de baloncesto para la Universidad de Houston. Sin embargo, fue marginado por una lesión en la pierna y regresó a casa en lugar de quedarse fuera de la temporada. Después de la muerte de su hermano, Kevin, y con algunos cursos de negocios de la universidad en su haber, Master P se mudó a Richmond y abrió una pequeña tienda de discos, No Limits Records, financiando la tienda con $ 10,000 que recibió como parte de una negligencia médica. acuerdo relacionado con la muerte de su abuelo.

Master P pronto pudo convertir su exitosa tienda de discos en un poderoso productor de álbumes de gangsta rap con influencia sureña. Autoprodujo su primer álbum The Ghetto’s Tryin ‘to Kill Me en 1994, vendiendo 200.000 copias del maletero de su coche. Master P luego tomó las ganancias de este álbum y produjo dos colecciones de música rap: Down South Hustlers, Vol. 1 y West Coast Bad Boys, vol. 1. Para 1997, el sello de cuatro años tenía un grupo de artistas que, aunque no eran nombres muy conocidos, eran bien conocidos por los fanáticos del rap.

Master P se centró luego en la industria del cine. En 1997, produjo, dirigió y actuó en una película semiautobiográfica de bajo presupuesto titulada I’m ‘Bout It sin ningún respaldo externo. El éxito de esta película directa a video llevó a I Got the Hook Up al año siguiente. Esta vez no hubo ningún problema en contratar a Dimension Records como distribuidora de la película. Pronto siguió una tercera película, MP Da Last Don.

No Limit luego hizo un movimiento importante a Baton Rouge. También emprendió una serie de nuevas empresas. Una empresa de gestión deportiva, No Limit Sports Management, se inició en 1997 y representa a jugadores profesionales como Ron Mercer de los Boston Celtics y Derek Anderson de los Cleveland Cavaliers. Para 1998, No Limits Records había incorporado 12 negocios en Baton Rouge, incluido un complejo llamado “The Ice Cream Shop”, que incluye cinco estudios de grabación, un dormitorio, un gimnasio, una piscina, un acuario, una terraza para tomar el sol, un cine, una cancha de básquetbol abovedada y 15 Hummers para el transporte. La Fundación Master P también ha apoyado a las escuelas y la comunidad de Baton Rouge.

En 1998, Master P probó para Fort Wayne Furies de la Continental Basketball Association y fue contratado como agente libre en octubre. Su actuación con las Furias trajo una invitación para probar con los Charlotte Hornets de la Asociación Nacional de Baloncesto. Si bien el Maestro P no pasó el corte, tiene la intención, como fue el caso con los otros logros de su vida, de continuar trabajando hasta lograrlo.

Con su carrera de baloncesto detrás de él, Master P continuó haciendo música. En 1999 salió con Only God Can Judge Me seguido de Ghetto Postage en 2000, Game Face en 2002, Good side. Bad Side en 2004, ghetto Bill, 2005 y America’s Most Luved Bad Guy en 2006. Master P, un multimillonario, ha realizado una serie de buenas inversiones y ha seguido aumentando su patrimonio neto. También maneja la carrera de su hijo, la estrella del rap Lil ‘Romeo. Romeo, nacido como Percy Romeo Miller, Jr. en 1989, ha actuado en cine y televisión y tiene su propia línea de ropa. Los álbumes de Lil ‘Romeo son Lil’ Romeo, 2001, Game Time, 2002, Young Bailers: The Hood been Good to Us, 2005, Lottery, 2006, God’s Gift 2006 y Gumbo Station, 2007.

CURTIS MAYFIELD (1942-1999) Cantante, compositora, productora musical

Nacido el 3 de junio de 1942 en Chicago, Illinois, Curtis Mayfield aprendió a cantar en armonía como miembro de Northern Jubilee Singers y de la Travelling Souls Spiritualist Church. En 1957, Mayfield se unió a los Roosters, un grupo de canto doo wop de cinco hombres dirigido por su amigo cercano Jerry Butler. Renombrado The Impressions, el grupo lanzó el éxito de 1958 “Your Precious Love”, con el resonante barítono de Butler y el tenor tenor de Mayfield. Pero al año siguiente, Butler dejó el grupo para seguir una carrera en solitario. En busca de material, Butler colaboró ​​con Mayfield para escribir las exitosas canciones “He Will Break Your Heart” y “I’m a-Telling You”.

En 1960, Mayfield reclutó a Fred Cash para que ocupara el lugar de Butler en las impresiones recién reformadas. Al año siguiente, las Impressions llegaron a las listas de éxitos con la sensual melodía soul “Gypsy Women”. En colaboración con Butler, Mayfield también estableció Curtom Publishing Company. Con la pérdida de los miembros originales Richard Brooks y Arthur Brooks, los tres miembros restantes de Impressions, Mayfield, Cash y Sam Goodman continuaron actuando como un trío. Bajo la dirección del músico y arreglista de jazz Johnny Pate, los Impressions grabaron “Sad Sad Girl” y la canción rítmica basada en el gospel “It’s All Right”, lanzada en 1963.

Durante este tiempo, Mayfield también escribió varias canciones para sus contemporáneos de Chicago, incluyendo “Monkey Time” para Major Lance, “Just Be True” para Gene Chandler y “It’s All Over Now” para Walter Jackson. Sin embargo, escribiendo para Impressions, Mayfield se centró en temas de mayor conciencia social que reflejan la corriente de la era de los derechos civiles. Las mejores “canciones de sermón” de Mayfield fueron “People Get Ready” (1965), “Were a Winner” (1968) y “Choice of Colors” (1969).

Después de dejar The Impressions en 1970, Mayfield lanzó su álbum debut Curtis. En su LP de 1971, Curtis Live !, Mayfield estuvo acompañado por un grupo de respaldo de cuatro integrantes, que incluía guitarra, bajo, batería y percusión. Mayfield compuso la banda sonora de la exitosa película Superfly de 1972. La banda sonora se convirtió en el mayor éxito comercial de Mayfield, proporcionándole dos éxitos con el epitafio drogadicto “Freddie’s Dead” y el clásico funk de guitarra wah-wah “Superfly”. A pesar de su éxito comercial, Mayfield pasó el resto de la década en colaboración con otros artistas, trabajando en proyectos como la banda sonora de la película Claudine, con Gladys Knight and the Pips, y la producción del álbum Sparkle de 1978 de Aretha Franklin .

Durante la siguiente década, Mayfield continuó grabando álbumes como Love Is the Place en 1981 y Honesty en 1982. Junto con Jerry Butler y los recién llegados Nate Evans y Vandy Hampton, los Impressions se reunieron en 1983, para una gira de aniversario de 30 ciudades. En 1983, Mayfield lanzó el LP Come in Peace with a Message of Love.Pero en agosto de 1990, mientras actuaba en un concierto al aire libre en Brooklyn, Nueva York, Mayfield recibió una lesión que lo dejó paralizado del cuello para abajo. Al año siguiente, las contribuciones de Mayfield a la música popular fueron reconocidas cuando los Impressions fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 1994, Mayfield recibió el premio Grammy Legend. A principios de ese año, varios de sus compañeros, incluida Aretha Franklin, se reunieron para grabar All Men Are Brothers: A Tribute to Curtis Mayfield. A pesar de sus lesiones, Mayfield triunfó al producir el álbum nominado al Grammy New World Order a fines de 1996. Curtis Mayfield fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll el 5 de abril de 1999. Mayfield murió el 26 de diciembre de 1999 en Roswell, Georgia. a la edad de 57 años.

BOBBY MCFERRIN. VER CAPÍTULO DE MÚSICA CLÁSICA.

OMARION (1984–) Cantante de hip hop, R&B

En 1998, Omarion se convirtió en el líder de la banda de chicos de Hip Hop / R & B, B2K. La banda, incluido Omarion, estaba formada por un total de cuatro miembros, Jarell “J-Boog” Houston, DeMario “Raz-B” Thornton y Dreux “Lil ‘Fizz” Frederic. La banda lanzó su álbum debut titulado B2K en 2002. Su segundo álbum, lanzado más tarde en el mismo año, Pandemonium, fue más exitoso, alcanzando los diez primeros en el Billboard 200, dándoles su primer # 1 con “Bump, Bump , Protuberancia”. Después de su tercer álbum, una banda sonora de la película You Got Served en 2004, B2K anunció que se habían separado.

Casi un año después de la separación de B2K, Omarion lanzó su álbum debut, O (2005). Debutó en el número 1 en el Billboard 200, y finalmente se convirtió en platino. El álbum dio lugar a la canción de relativamente éxito “O”. Ese mismo año, apareció en la exitosa canción de Bow Wow “Let Me Hold You”. La canción alcanzó el número 4 del Billboard 100, convirtiéndose en el primer sencillo entre los diez primeros de Omarion como solista. En diciembre de 2006, Omarion lanzó su segundo álbum, 21. “Entourage”, el primer sencillo, alcanzó sólo el número 58 en el Hot 100. El segundo sencillo, “Ice Box”, producido por Timbaland, ganó una difusión de radio significativa y se convirtió en su mayor single hasta la fecha,

PRAS MICHEL. VER LOS FUGEES.

NOTORIOUS BIG (1973-1997) Cantante de rap

Notorious BIG, también conocido como Biggie Smalls y BIG, nació como Christopher Wallace en la sección Bedford-Stuyvesant de Brooklyn en 1973. Se describe a sí mismo como “100 por ciento estafador” y abandonó la escuela secundaria, Notorious BIG se convirtió en su corta carrera uno de los talentos más influyentes y respetados en la historia del hip hop.

Conocido por su enorme cuerpo de seis pies y tres pulgadas y más de 300 libras, un estilo de entrega de voz ronca pero fluida y rítmicamente inventiva y letras explícitas, comenzó su carrera haciendo cintas de aficionados para divertirse con los OGB (Old Gold Brothers). , cuando su talento llamó la atención del DJ del rapero Big Daddy Kane. Pronto apareció en la revista de comercio de rap The Source en su columna “Unsigned Hype”, un escaparate para los nuevos raperos. Un contrato discográfico con Uptown Records siguió poco después, y creó “Party and Bullshit” para la película Who’s the Man? Después de firmar con el sello Bad Boy de su socio comercial y amigo Sean “Puffy” Combs, Notorious BIG grabó Ready to Die en 1994 y el proyecto fue platino. Fue nombrado artista de rap del año 1995 en los premios Billboard. La estrella de Notorious BIG ascendió rápidamente dentro del círculo íntimo de la cultura hip hop,

se convirtió en un rapero invitado muy solicitado en numerosas grabaciones. Entre sus colaboraciones destacan Junior MAFIA, Mary J. Blige, Total, entre otros. En 1997, Notorious BIG murió violentamente después de recibir un disparo en un estacionamiento de Los Ángeles. Otro proyecto de grabación, irónicamente titulado Life After Death. . .’Til Death Do Us Part, fue lanzado póstumamente.

TEDDY PENDERGRASS (1950–) Cantante

Nacido como Theodore Pendergrass en 1950 en Filadelfia, el vocalista aprendió a cantar de su madre, que actuaba en clubes nocturnos, y en su aprendizaje de la infancia en la iglesia. Aunque se hizo conocido como uno de los baladistas de soul más destacados de finales de los años setenta y ochenta, comenzó su carrera profesional como baterista del grupo Cadillacs.

En 1970, Pendergrass dejó sus funciones como baterista y comenzó a cantar con Harold Melvin and the Blue Notes, un grupo que había comenzado como un grupo de doo wop en la década de 1950 y que firmó con el sello de los productores Gamble y Huff, Philadelphia International, en 1972. La poderosa y apasionada presentación de barítono de Pendergrass finalmente le valió el lugar principal en Blue Notes, y durante seis años su voz se convirtió en el sonido característico del grupo. Durante este período, los Blue Notes grabaron éxitos como “I Miss You” y “If You Don’t Know Me By Now”, entre otros, estableciéndose como uno de los principales grupos de soul de la década.

En 1976, Pendergrass dejó el grupo para perseguir una exitosa carrera en solitario, permaneciendo con Gamble y Huff y produciendo una serie de éxitos, como “I Don’t Love You Anymore” (1976) y el single número uno de rhythm and blues “Close la Puerta ”(1978). Pendergrass se convirtió en un rompecorazones entre las fans femeninas, montando exitosas giras con su Teddy Bear Orchestra y grabando álbumes que eran comercialmente rentables. Su carrera se volvió hacia abajo luego de un accidente automovilístico casi fatal en 1982 en Filadelfia que lo paralizó del cuello para abajo. Ha mantenido una respetable carrera discográfica a pesar de estos desafíos, lanzando el álbum You and I en 1997, y algunas de sus grabaciones durante la última década han tenido un buen desempeño en las listas de éxitos. En 2002 lanzó From Teddy with Love. En 1999, Pendergrass publicó Truly Blessed, su biografía reveladora en coautoría con Patricia Romanowski. Pendergrass continúa de gira por el país actuando musicalmente y hablando sobre los derechos de los discapacitados. Pendergrass anunció en 2006 que se había jubilado.

CHARLEY PRIDE (1939–) Cantante

Charley Pride, la primera superestrella afroamericana de la música country, ha ganado tres premios Grammy cuya suave voz de barítono le ha valido la fama internacional. Fue el primer afroamericano en actuar con el Grand Ole Opry en más de 50 años. Pride, un artista prolífico, ha grabado más de 30 álbumes. Sus más recientes son el 20 de mayo de 2003: el álbum de Pride, Comfort of Her Wings, 2003 y Pride & Joy: A Gospel Music Collection, 2006.

Charley Pride, nacido el 18 de marzo de 1938 en Slege, Mississippi, creció escuchando las transmisiones de radio nocturnas del Grand Ole Opry, el escaparate más famoso de la música country. Aunque aprendió a tocar la guitarra por su cuenta a los 14 años, Pride pronto centró su atención en una carrera profesional en el béisbol. A los 16 años, dejó los campos de algodón de Slege para pasar un tiempo en la liga de béisbol negra estadounidense. Durante su carrera en el béisbol, Pride cantó en sistemas de megafonía y en tabernas. En 1963, el cantante de country Red Sovine escuchó Pride y organizó una audición en Nashville un año después. Esto llevó a un contrato de grabación con el sello RCA y produjo el éxito de 1964 “Snakes Crawl at Night”.

A lo largo de la década de 1960, Pride realizó giras incesantes, apareciendo en fechas de conciertos y ferias estatales, así como en radio y televisión. En 1967, Pride debutó en el Grand Ole Opry y en el mismo año llegó a las listas con los sencillos “Does My Ring Hurt Your Finger?” y “Yo conozco uno”. Con el lanzamiento de The Sensational Charley Pride en 1969 y el Just Plain Charley del año siguiente, Pride se encontró entrando en la década de su mayor reconocimiento. Cuando recibió el premio Country Music Award al artista del año en 1970, Pride ya había logrado un tremendo éxito como una figura importante en la escena cultural popular de los Estados Unidos. Otros honores incluyeron el premio Trendsetter Award de Bill-board y el premio Music Operators of America’s Entertainer of the Year.

En la década de 1980, Pride no solo continuó teniendo éxito como estrella de la música, sino que se convirtió en un empresario exitoso. Pride se instaló en una finca de 240 acres en el norte de Dallas, Texas, y emergió como accionista mayoritario del First Texas Bank y copropietario de Cecca Productions. Pride hizo más historia en 1993 cuando se convirtió en el primer afroamericano en unirse al elenco de Grand Ole Opry desde la presencia de DeFord Bailey casi 52 años antes. Al año siguiente, Pride publicó su autobiografía titulada Pride: The Charley Pride Story. En 1999, Pride fue honrado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su carrera. Un año después, fue el primer afroamericano en ser incluido en el Salón de la Fama de la Música Country.

PRINCE (1958–) Cantante, compositor, productor

Hijo de un pianista de jazz, Prince Rogers Nelson nació el 7 de junio de 1958 en Minneapolis, Minnesota. A los 14 años, Prince se había enseñado por sí mismo a tocar el piano, la guitarra y la batería. Atraído por muchas formas de rock y soul, Prince explicó que nunca creció en una cultura en particular. “No soy un punk, pero tampoco soy un artista de rhythm and blues porque soy un chico de clase media de Minnesota”.

Fue su gusto ecléctico lo que llevó a Prince a crear el sonido Minneapolis. Después de formar la banda Grand Central en la escuela secundaria en 1973, Prince cambió el nombre del grupo a Champagne y finalmente reclutó a los talentos de Morris Day. En 1978, Prince firmó con Warner Brothers y grabó su álbum debut For You. Su siguiente álbum, Prince, contó con el éxito “I Wanna Be Your Lover”. Arraigado en la música de Sly and the Family Stone y Jimi Hendrix, el tercer LP de Prince, Dirty Mind, fue lanzado en 1980.

Dos años más tarde, Prince alcanzó el estrellato con su álbum 1999, un esfuerzo que fue seguido por una gira espectacular compuesta por Prince and the Revolution, The Time y el trío de chicas obscenas Vanity 6. La banda sonora de la película de 1984 de Prince Purple Rain, que recibió críticas muy favorables. por la interpretación de Prince de un joven músico en apuros, recaudó $ 60 millones en taquilla en los primeros dos meses de su lanzamiento. A fines de 1985, Prince estableció su propio sello discográfico Paisley Park, el almacén / estudio ubicado en el terreno boscoso de Chanhassen, Minnesota. Ese mismo año, Prince lanzó el álbum Around the World in Day, con los exitosos sencillos “Raspberry Beret”, “Paisley Park” y “Pop Life”.

El siguiente proyecto cinematográfico de Prince, Under the Cherry Moon, filmado en Francia, se completó bajo su dirección. La banda sonora Parade Music From Under the Cherry Moon produjo varios sencillos exitosos, incluidos “Kiss” y “Mountains”. Después de reformar la Revolución, Prince lanzó SPIN of the Times en 1987, que incluía un dueto con Sheena Easton titulado “Nunca podría tomar el lugar de tu hombre”. Después del LP Love Sexy, Prince grabó varias canciones que aparecieron en la banda sonora de la película Batman. A esto le siguió otra banda sonora de la película Graffiti Bridge en 1990.

En septiembre de 1992, Prince firmó un contrato de seis álbumes con Warner Brothers. Respaldado por su nuevo conjunto de primer nivel, New Power Generation, Prince se embarcó en una gira nacional en abril de 1993, que resultó ser la más impresionante desde su avance comercial a principios de la década de 1980. Prince no solo se ha convertido en propietario de su propio club nocturno, el Grand Slam, sino que ha contribuido con un conjunto de música original a la producción de “Billboards” del Joffery Ballet, que se inauguró en enero de 1993 con excelentes críticas.

Ese año, el excéntrico intérprete también cambió su nombre a un símbolo impronunciable y anunció el retiro de “Prince” de la grabación. En 1994, The Artist Formerly Known as Prince (TAFKAP) presentó el software interactivo en CD-ROM y los establecimientos minoristas de New Power Generation. Dos años más tarde, el veterano soltero se casó el día de San Valentín y encargó una sinfonía a su banda para conmemorar la ocasión.

Grabando bajo el título The Artist Formley Conocido como Prince, Prince produjo los álbumes Gold Experience (1995); Caos and Disorder (1996); la mamut de la emancipación de tres discos (1996); el álbum editable de varios discos Crystal Ball (1998); New Power Soul (1998); Rave Un2 the Joy Fantastic (1999); y Rainbow Children (2001). Prince también recibió una gran cantidad de tiempo al aire en la radio y la televisión en el año anterior al milenio cuando su éxito de rock “1999” se convirtió en el tema principal de casi todas las celebraciones de Año Nuevo. Lanzó The Rainbow Children en 2001, One Nite Alone. . . ¡Vivir!en 2002 y NEWS totalmente instrumental en 2003, recibió una nominación al Grammy al Mejor Álbum Pop Instrumental. Otro álbum de jazz, Xpectation, también fue lanzado, vía descarga para miembros del NPGMusicClub, en 2003.

El 8 de febrero de 2004, Prince hizo una aparición en los premios Grammy con Beyoncé Knowles. En una actuación que abrió el espectáculo, Prince y Beyoncé interpretaron un popurrí de sus clásicos: “Purple Rain”, “Let’s Go Crazy”, “Baby I’m a Star” y “Crazy in Love” de Beyoncé, con excelentes críticas. Al mes siguiente, Prince fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. El premio le fue entregado por Alicia Keys, junto con Big Boi y André 3000 de OutKast.

En abril de 2004, Prince lanzó Musicology a través de un acuerdo de un álbum con Columbia Records. Ese mismo año, Pollstar nombró a Prince como el principal sorteo de conciertos entre los músicos de Estados Unidos. Con una recaudación estimada de 87,4 millones de dólares, Prince’s Musicology Tour fue la gira más rentable de la industria durante 2004. El artista realizó 96 conciertos. Musicology pasó a recibir dos premios Grammy, por Mejor Interpretación Vocal de R&B Masculino por “Call My Name” y Mejor Interpretación Vocal de R&B Tradicional por la pista principal. En 2004, la revista RollingStone clasificó a Prince en el puesto 28 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. En diciembre de 2004, Rolling Stone ‘Los lectores lo nombraron el mejor intérprete masculino y el regreso más bienvenido. Durante ese mismo mes, Prince fue nombrado número cinco en la lista de los mejores artistas pop de los últimos 25 años. A finales de 2005, Prince llegó a un acuerdo con Universal Records para lanzar su próximo álbum, titulado 3121. Prince logró su primer debut en el número uno en el Billboard 200 con 3121 el 4 de febrero de 2006. Ultimate es el título de la última compilación de grandes éxitos de Prince. álbum lanzado en 2006.

El 12 de junio de 2006, Prince fue honrado con un premio Webby Lifetime Achievement Award en reconocimiento a su uso “visionario” de Internet, que incluyó convertirse en el primer artista importante en lanzar un álbum completo, Crystal Ball de 1997, exclusivamente en la Web. El 27 de junio de 2006, Prince apareció en los premios BET. Fue galardonado como Mejor Artista Masculino de R&B. El 14 de noviembre de 2006, Prince fue incluido en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido, apareciendo para recoger su premio pero sin actuar. También en noviembre de 2006, Prince abrió un club nocturno llamado 3121 en Las Vegas en el Rio All-Suite Hotel & Casino. Actúa semanalmente los viernes y sábados por la noche.

ENEMIGO PÚBLICO Grupo de Rap

Como portavoces del orgullo racial y defensores del activismo público militante, Public Enemy, formado en 1982, ha refinado el sonido político y el mensaje lírico de la música rap. La formación de Public Enemy se centró en la Universidad Adelphi en Long Island, Nueva York, donde el fundador del grupo, Carlton Riden-hour (también conocido como Chuck D.), un estudiante de diseño gráfico, se unió a sus compañeros de estudios Hank Shocklee y Bill Stephney en la estación de radio WBAU. Apareciendo por primera vez en el programa de radio de Stephney, Ridenhour pronto presentó su propio programa de tres horas. La poderosa voz de rap de Ridenhour atrajo a varios seguidores leales. Riden-hour pronto reclutó los talentos de William Drayton (también conocido como Flavor Flav), Norman Rodgers (también conocido como Terminator X) y Richard Griffin (también conocido como Profesor Griff) para formar Public Enemy.

En 1987 Public Enemy lanzó el álbum debut Yo! Bum Rush the Show, que vendió más de 400.000 copias. Dos años después, el profesor Griff, el “ministro de información” del grupo, fue despedido por Chuck D. por hacer comentarios antisemitas. Bajo el liderazgo de Chuck D., el grupo grabó la canción “Fight the Power” para la película Do The Right Thing del director Spike Lee . El segundo álbum del grupo, It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, se convirtió en un millón de ventas.

El lanzamiento de Public Enemy en 1990, Fear of a Black Planet, presentó temas relacionados con una lucha mundial por el avance de la raza negra. El controvertido “911

Is a Joke ”dio lugar a un discurso generalizado sobre las acusaciones de la canción de que el personal de emergencia responde más lentamente, si es que lo hace, a las llamadas que se originan en el centro de la ciudad o en áreas predominantemente afroamericanas. El álbum de seguimiento Apocalypse ’91: The Enemy Strikes Black fue una declaración sorprendente de conciencia social y racial y contó con una colaboración con la banda de heavy metal Anthrax en “Bring the Noise”, una pista que apareció originalmente en It Takes a Nation. Otro sencillo, “Por el momento en que llegue a Arizona”, desató otro debate a nivel nacional sobre la negativa de los funcionarios del estado de Arizona a reconocer el cumpleaños de Martin Luther King Jr. como un feriado legal.

Greatest Misses, una compilación de éxitos lanzada en 1992, parecía señalar el final de una era para el campo Public Enemy. En una desviación de su trabajo anterior, Muse Sick n Hour Mess Age de 1994 cambió las disonancias sónicas de Bomb Squad por muestras de grabaciones de soul clásicas. Mientras tanto, la mayoría de los miembros se habían establecido como solistas o desarrollaron otras direcciones profesionales a principios de la década de 1990, pero en general la popularidad del grupo pareció disminuir a medida que el gangsta rap se apoderaba de las ondas. El grupo demostró que podían incorporar los sonidos más modernos del hip-hop en su música con el álbum críticamente innovador He Got Game.la banda sonora de la película de Spike Lee del mismo nombre. Sin embargo, al igual que muchas de sus ofertas de finales de la década de 1990, las audiencias de compra de rap pasaron por alto este álbum. El grupo volvió a sus raíces de rap incondicional con su oferta de 1999, Hay un veneno en marcha. . ., pero los críticos prestaron más atención al álbum que los fanáticos. Public Enemy continúa de gira y lanzó su octavo álbum de estudio, Revolverlution, en 2002. En 2005 lanzaron New Whirl Order y en 2007 Rebirth of a Nation.

QUEEN LATIFAH (1970–) Cantante, Actriz

Nacida como Dana Owens, la artista de rap Queen Latifah creció en East Orange, Nueva Jersey, y comenzó a actuar en la escuela secundaria como la caja de ritmos humanos del grupo de rap Ladies Fresh. En 1989, lanzó su carrera discográfica en solitario con el álbum All Hail the Queen, un trabajo afrocéntrico y pro-mujer. Sus otras grabaciones incluyen: Nature of a Sista ‘(1991), con el sencillo “Latifah Had It Up 2 Here”; Black Reign (1993), que dio lugar al himno feminista “UNITY”; y la Orden en la Corte de 1998, que Entertainment Weekly calificó de “divertida y original”.

Latifa lanzó She’s the Queen: A Collection of Hits en 2002 y el álbum dorado The Dana Owens Album en 2004.

Latifah gestionó las carreras de otros artistas de rap a través de su empresa Flavor Unit Records and Management Company, con sede en Nueva Jersey, de la que es directora ejecutiva. Además, participó con regularidad en Living Single de la cadena Fox, junto con sus coprotagonistas Kim Fields, Erika Alexander y Kim Coles. También ha aparecido en The Fresh Prince of Bel-Air y en películas como House Party II de los hermanos Hudlin, Jungle Fever de Spike Lee y Juice de Ernest Dickerson. Tuvo papeles principales en Set It Off (1996) y en 1998, Latifah actuó como cantante de jazz en la película Living Out Loud. Al año siguiente, Latifah fue nombrada una de las 50 personas más bellas de la revista People, publicó una autobiografía, Ladies First: Revelations of a Strong Woman, y presentó brevemente su propio programa de televisión. Algunas de sus otras actuaciones cinematográficas son Bringing Down the Houze (2003).

OTIS REDDING (1941-1967) Cantante, compositor

Otis Redding, nacido el 9 de septiembre de 1941 en Dawson, Georgia, se mudó con sus padres a los tres años al proyecto de viviendas Tindall Heights en Macon. En la escuela primaria, Redding tocaba la batería y cantaba en un grupo de gospel de la iglesia. Unos años más tarde aprendió la voz y el estilo de piano de su ídolo Little Richard. Al dejar la escuela en décimo grado, Redding se fue de gira con la antigua banda de Little Richard, The Upsetters. Pero la primera oportunidad profesional de Redding llegó cuando se unió a Johnny Jenkins y los Pinetoppers. El sencillo debut de Redding fue una melodía de imitación de Little Richard “Shout Bamalama”. Acompañando a Jenkins a una sesión de estudio de Stax en Memphis, Redding tuvo algo de tiempo de grabación restante. Con el respaldo de Jenkins en la guitarra, Steve Cropper en el piano, Lewis Steinburg en el bajo y Al Jackson en la batería, Redding cortó “Hey Hey Baby” y el éxito “These Arms of Mine”.

Firmado con el sello Stax, Redding lanzó el álbum de 1963 Pain in My Heart. Respaldado por miembros de Booker T. y los MG, el siguiente LP de Redding, Otis Blue (Otis Redding Sings Soul), contó con el éxito de 1965 “Respect”. Al año siguiente, Redding batió récords de asistencia a espectáculos en Harlem y Watts. Después de lanzar una versión de la canción de los Rolling Stones “Satisfaction” en 1966, Redding se embarcó en una gira europea que incluyó su aparición en el programa de televisión británico “Ready Steady Go!”

En agosto de 1966, Redding estableció su propia compañía discográfica, Jotis, que se distribuyó a través del sello Stax. Después de algunas empresas comercialmente infructuosas, Redding grabó al cantante Arthur Conley, quien proporcionó al sello el sencillo “Sweet Soul Music”, que se vendió millones de dólares. Las grabaciones de Redding “Try a Little Tenderness” y el dúo vocal “Tramp”, con Carla Thomas, llegaron a las listas de éxitos en 1967. El 16 de junio, Redding, con el respaldo de los MG, realizó un impresionante set de ritmo alto en el Festival Pop de Monterey. El 10 de diciembre, la carrera de Redding llegó a un final trágico cuando el avión bimotor que lo llevaba a un concierto en Wisconsin se estrelló en el lago Monona, en las afueras de Madison. Como en homenaje, la canción de Redding “Sitting on the Dock of the Bay”, lanzada unas semanas después de su muerte, se convirtió en su primer disco de oro.

LIONEL RICHIE (1949–) Cantante, compositor, pianista

Lionel Brockman Richie nació el 20 de junio de 1949 en el campus del Instituto Tuskegee en Alabama. La abuela de Richie, Adelaide Foster, una pianista clásica, se convirtió en su profesora de música y le presentó las obras de Bach y Beethoven. Mientras era estudiante de primer año en el Instituto Tuskegee, Richie formó los Mighty Mystics que, junto con los miembros de los Jays, se convirtieron en los Commodores. Combinando gospel, música clásica y country-western, los Commodores surgieron como un acto en vivo formidable durante las décadas de 1960 y 1970. Después de firmar con el sello Motown, el grupo consiguió su primer éxito en 1974 con la canción “Machine Gun”. En 1981 Richie grabó el exitoso tema musical de la película Endless Love de Franco Zefferelli.

Un año después, Richie lanzó su primer álbum en solitario Lionel Richie, que incluía los éxitos “Truly”, “You Are” y “My Love”. Su siguiente lanzamiento Can’t Slow Down produjo cinco éxitos más: “All Night Long (All Night)”, “Running with the Night”, “Hello”, “Stuck on You” y “Penny Lover”. En colaboración con Michael Jackson, Richie coescribió “We Are the World” para USA for Africa, el proyecto de alivio de la hambruna organizado y producido por Quincy Jones. En 1985, Richie recibió una nominación al Oscar a la “Mejor Canción Original” por su composición “Say You, Say Me”. Un año después, el tercer álbum de Richie, Dancing on the Ceiling, le proporcionó los éxitos “Dancing on the Ceiling”, “Love Will Conquer All”, “Ballerina Girl” y “Se La”. Richie fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores. en 1994 Después de tomar un descanso de la grabación, Richie lanzó Back to Front en 1992, que produjo el éxito “Do It to Me”. Este álbum fue seguido por la grabación Time en 1998 y Renaissance en 2001. Los álbumes posteriores son Encore, 2002, Just for You 2004 y Coming Home en 2006.

TEDDY RILEY (1967–) Productor, compositor, músico

Nacido el 8 de octubre de 1967, Teddy Riley creció en Harlem, Nueva York. A los diez años podía tocar la guitarra, el bajo, varias trompas y teclados. Cuando tenía poco más de veinte años, Riley fusionó aspectos del hip hop, el pop y el soul para crear un nuevo tipo de música llamada “new jack swing”. A mediados de la década de 1980, Riley formó su primera banda, Wreckx-N-Effect, con los hermanos Markell y Brandon Mitchell, que produjo el exitoso sencillo “New Jack Swing” (1984).

En 1987 formó Guy con Aaron Hall y Timmy Gatling. Su primer esfuerzo en el sello Uptown / MCA, Guy, (1988) encabezó la lista de ritmos y blues de Billboard y vendió más de 2 millones de copias. El grupo realizó una gira, agotando muchos lugares. Con su segundo álbum de la década de 1990, The Future, Guy tenía un toque más pop. The Future fue platino y recibió críticas brillantes.

El éxito fue seguido por tiempos difíciles. Después de que su hermano menor, Brandon Mitchell, muriera en un tiroteo, Riley decidió mudarse a Virginia Beach. Luego, Riley y su manager de toda la vida, Gene Griffen, se separaron por una disputa monetaria. Finalmente, Guy se disolvió.

Luego, Riley formó Blackstreet con Chauncey “Black” Hannibal, Dave Hollister y Levi Little. Después del lanzamiento de su primer álbum, Hollister y Little dejaron el grupo y fueron reemplazados por Eric Williams y Mark Middleton. Se ven a sí mismos como modelos a seguir y mantienen limpias su música y su imagen. El sencillo “No Diggity” (1997) fue platino y encabezó las listas. Blackstreet ganó un premio Grammy a la mejor interpretación de rhythm and blues en 1998. En 1999, Riley y Blackstreet lanzaron su tercer álbum, finalmente, que incluía el sencillo “I Got What You On”. Riley lanzó un álbum en solitario Black Rock en 2001 y uno con Guy en 2003, Level II.

A lo largo de su carrera, Riley ha escrito y producido 10 álbumes de platino, 22 sencillos de platino y 11 sencillos de oro para una variedad de artistas como Michael Jackson, Keith Sweat, Wreckx-N-Effect, Bobby Brown y Kool Moe Dee. En 1990, Riley fundó Future Records Recording Studio, LOR Records Management y Future Entertainment Group Ltd. en Virginia Beach. A principios de 2006, Riley inició el resurgimiento de New Jack Swing, con el New Jack Reunion Tour, con actos, además de BLACKstreet y Guy, After 7, SWV y Tony Toni Toné.

SMOKEY ROBINSON (1940–) Cantante, compositor, productor

Proclamado por Bob Dylan como uno de los más grandes poetas de Estados Unidos, Smokey Robinson es una leyenda de la música pop. Ha saltado a la fama como un brillante compositor, productor y cantante. Su voz de falsete reconocible al instante continúa trayendo discos de oro de Robinson y una legión de fieles seguidores.

William Robinson Jr. nació en Detroit, el 19 de febrero de 1940. Después de que su madre muriera cuando él tenía diez años, Robinson fue criado por su hermana. Apodado “Smokey” por su tío, Robinson era un estudiante brillante que disfrutaba leyendo libros y poesía. Robinson, un estudiante de saxofón reacio, dedicó su energía creativa a componer canciones que recopilaba en una tableta de escritura de una tienda de diez centavos. Mientras asistía a la Northern High School de Detroit en 1954, Robinson formó el grupo vocal The Matadors, que actuó en concursos de batalla de la banda y en centros de recreación.

La introducción de Robinson a Berry Gordy en 1957 resultó en el primer contrato discográfico de los Matadores con el sello George Goldner’s End. Al unirse al nuevo sello Motown en 1960, el grupo cambió su nombre, a sugerencia de Gordy, a The Miracles. Aunque el álbum debut de los Miracles no atrajo la atención, proporcionaron a Motown su primer gran éxito “Shop Around” en 1961, una canción escrita y coproducida por Robinson.

En estrecha colaboración con Gordy, Robinson pasó la siguiente década como uno de los cantantes y productores más integrales de Motown. Con The Miracles grabó éxitos como “You Really Got a Hold On Me” en 1963, “Tracks of My Tears” en 1965, “I Second That Emotion” en 1967 y “Tears of a Clown” en 1970. Como escritor que proporcionó a la etiqueta éxitos como “My Guy” para Mary Wells, “I’ll Be Doggone” para Marvin Gaye y “My Girl” para The Temptations.

En 1972, Robinson dejó los Milagros para iniciar una carrera en solitario. A pesar del éxito moderado de sus discos durante la locura disco de la década de 1970, Robinson continuó tocando y grabando. En 1979, Robinson regresó con el éxito aclamado por la crítica “Cruisin”. Tres años después, Robinson apareció en el especial de NBC-TV Motown 25: Yesterday, Today y Tomorrow. Entre 1986 y 1991, Robinson lanzó cinco álbumes más, incluidos Smoke Signals, One Heartbeat y Love, Smokey. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Salón de la Fama de los Compositores en 1986, y en 1987 ganó un Grammy por su interpretación vocal en “Just to See Her”. Robinson continuó haciendo música durante la década de 1990 con álbumes como Double Good Everything en 1991 e Intimate en 1999. En 1995, Robinson firmó un contrato con Music by Design, una empresa británica empresa que solicita artistas para crear música original para comerciales de radio y televisión. Robinson continúa girando y tocando en eventos como su aparición actual en la Carrera Anual para Borrar MS.

Smokey ha seguido actuando y girando periódicamente. En 2003, Robinson se desempeñó como juez invitado para American Idol. Publicó un LP de gospel, Food for the Spirit en 2004 como testimonio de su fe cristiana y un nuevo álbum de estándares pop, Timeless Love, fue lanzado en junio de 2006. En mayo de 2006, en su 138ª Convocatoria de Graduación, la Universidad de Howard confirió Robinson un título honorario, Doctor en Música, Robinson ha aparecido en una variedad de programas de televisión. En diciembre de 2006, Robinson fue uno de los cinco homenajeados del Kennedy Center donde se decía que su música había creado “la banda sonora de la vida de una generación de estadounidenses”. El 11 de febrero de 2007 Robinson cantó Tracks Of My Tears en la 49ª entrega anual de los premios Grammy, como parte de un trío de R&B que incluía a Lionel Richie interpretando Hello y Chris Brown interpretando una versión hip-hop de su sencillo Run It.

DIANA ROSS (1944–) Cantante, Actriz

Una de seis hijos, Diane Ross nació en Detroit, el 26 de marzo de 1944. Un niño extremadamente activo, Ross nadó, corrió y cantó en la iglesia. En 1959, se unió a Primettes, un grupo compuesto por Mary Wilson, Florence Ballard y Barbara Martin. Después de no atraer la atención del sello Lupin, el grupo audicionó para Berry Gordy Jr., quien los firmó con Motown. Por sugerencia de Berry, el grupo cambió su nombre a Supremes. Lanzada en 1961, la canción del grupo “I Want a Guy”, con Ross en la voz principal, no llegó a las listas. No mucho después, tras la partida de Martin, el trío continuó grabando con Ross como vocalista principal.

Las Supremes no tuvieron éxito comercial en la etiqueta Motown hasta 1964, cuando fueron colocadas bajo la dirección del equipo de producción de Holland-Dozier-Holland. En 1964, HDH produjo el primer gran éxito de Supreme, “Where Did Our Love Go?” seguido de numerosos éxitos como “Baby Love” en 1964, “I Hear a Symphony” en 1965, “You Can’t rush love” en 1966 y “Reflections” en 1967. Con el trato preferencial de Gordy, Ross se convirtió en el dominante figura del grupo. A mediados de la década de 1960, el talento emergente de Ross llevó a Gordy a presentar al grupo como Diana Ross and the Supremes.

En 1970, Ross dejó las Supremes para lanzar su carrera en solitario. Su álbum debut Diana Ross contó con el talento de escritura y producción de Ashford Simpson, un esfuerzo que incluyó el éxito “Reach Out and Touch (Somebody’s Hand)”. Un año después hizo su debut cinematográfico en la película patrocinada por Motown Lady Sings the Blues en la que ganó una nominación al Oscar por su interpretación biográfica de la cantante de jazz Billie Holiday. Su papel en la película de 1975 respaldada por Motown, Mahogany, le valió no solo una nominación al Oscar, sino también el sencillo número uno en ventas “Do You Know Where You’re Going To”. En 1978, Ross protagonizó la versión cinematográfica de The Wiz, la última película a gran escala respaldada por Motown.

Después de dejar Motown en 1981, Ross firmó un contrato de 20 millones de dólares con el sello RCA. Su álbum debut Why Do Fools Fall in Love? fue platino. A esto le siguieron cuatro LP más para RCA, incluidos Silk Electric en 1982, Swept Away en 1984 y Eaten Alive en 1985. Dos años más tarde, Ross dejó RCA para firmar con el sello londinense EMI, que produjo los álbumes Red Hot Rhythm. ‘n Blues en 1987, Working Overtime en 1987 y Greatest Hits, Live en 1990. Mientras tanto, Ross había regresado a Motown Records como artista discográfico y propietario parcial en 1989, un año después de haber sido incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. .

En la década de 1990, Ross, ganador de premios Grammy y Tony, siguió gozando de popularidad en todo el mundo; Logró un gran éxito como propietaria de su propia corporación multimillonaria Diana Ross Enterprises. Su autobiografía Secrets of a Sparrow: Memoirs se publicó en 1993, y una compilación llamada Diana Extended / The Remixes llegó a las tiendas en 1994. Ross continúa actuando ocasionalmente, apareciendo como esquizofrénico en la película para televisión Out of the Darkness (1994) y junto a la joven estrella Brandy en Double Platinum (1999). En 2000, VH1 honró a Ross con su programa “Divas 2000: A Tribute to Diana Ross”. El espectáculo incluyó actuaciones de Mariah Carey, Faith Hill, Donna Summer, RuPaul, Destiny’s Child y la propia Ross con las Supremes.

En 2005, Diana Ross regresó a las listas de éxitos con. “I Got a Crush on You”, un dúo grabado con Rod Stewart para su álbum The Great American Songbook, y otro dúo grabado con Westlife, fue un remake del sencillo número dos de Ross en 1991, When You Tell Me You Love. Yo, que alcanzó el número dos en el Reino Unido al igual que el original. En 2006, Motown lanzó un álbum de Ross archivado titulado Blue, que era una colección de estándares de jazz grabados después de que Ross filmara Lady Sings the Blues. Lanzado en junio con críticas estelares, Blue alcanzó el puesto número dos en la lista de álbumes de jazz. El álbum, titulado I Love You, fue lanzado en 2006 en todo el mundo y a principios de 2007 en

Norteamérica. El nuevo álbum le dio a Ross su primer álbum Top 40 en esa lista desde Swept Away, más de dos décadas antes. En 2007, Ross apareció en varios programas de televisión en los Estados Unidos para promocionar su nuevo álbum y también estará de gira en la primavera. También apareció en American Idol como mentora de los concursantes.

Grupo de rap SALT-N-PEPA

Salt-N-Pepa incluye a Salt (Cheryl James), Pepa (Sandy Denton), Spinderella (Deidre “Dee Dee” Roper) y la ex Spinderella, Latoya Hanson, y se formó en 1985 en Queens, Nueva York. Fueron el primer grupo de rap femenino en obtener platino y son ampliamente reconocidos por allanar el camino para la generación actual de estrellas del rap femenino. Originalmente llamado Super Nature, cambiaron su nombre a Salt-N-Pepa en 1987.

El proyecto debut de Salt-N-Pepa, Hot Cool and Vicious, fue platino, preparando el escenario para una década de mega éxitos para el grupo, incluyendo “Push It” (1987); Una sal con una Pepa mortal (1988), nominada a un Grammy; el sencillo “Expressions” (1989); y Magia de los negros (1990). Su sencillo “Hablemos de sexo” se utilizó como un video de servicio público para educar a la comunidad juvenil sobre los peligros del SIDA. El proyecto de 1993 Muy necesario produjo los éxitos “Whatta Man” y “Shoop”. El mismo año, James y Denton aparecieron en la película de comedia Who’s the Man ?. Lanzaron su quinto álbum Brand New en 1997. Después del lanzamiento del álbum, James y Denton comenzaron a enfocarse más en sus carreras de actuación. El álbum de grandes éxitos de Salt-N-Pepa, Salt-N-Pepa: The Best Of fue lanzado en 2000.

TUPAC SHAKUR (1971-1996) Cantante de rap

Nacido Tupac Amaru Shakur en el Bronx en 1971, Shakur fue un actor y artista de rap polifacético que se convirtió en una potencia en la cultura hip hop. Hizo su debut como actor en una producción del Apollo Theatre de A Raisin in the Sun en 1984 como un beneficio para la fracasada campaña presidencial de Jesse Jackson. Después de que su familia se mudó a Baltimore, Shakur asistió a la High School of the Performing Arts y escribió su primera canción de rap tras la muerte violenta de un amigo. Abandonó la escuela secundaria, se mudó a California y comenzó a hacer circular cintas de su música hasta que consiguió un trabajo como roadie con el grupo Digital Underground, y finalmente se abrió camino a un lugar invitado como rapero en su espectáculo teatral.

En 1991 firmó con Interscope Records y lanzó su proyecto debut 2Pacalypse Now. Siguió una serie de proyectos comercialmente exitosos y aclamados por la crítica, incluidos Strictly 4 My NIGGAZ (1993), Me Against the World (1995) y All Eyez On Me (1996). El estilo de rap de Shakur fue celebrado por su versátil inflexión vocal, su entrega rítmicamente sutil y la variedad de temas líricos, aunque este último también fue fuente de muchas críticas debido a su contenido frecuentemente explícito. Shakur también recibió elogios por su actuación en las películas, entre ellas Juice (1992), Poetic Justice (1993), Above the Rim (1994) y Gang Related (1997). La carrera de Shakur se vio empañada por controversias, que incluyeron problemas intermitentes con la ley por los que pasó un tiempo encarcelado. Como su contemporáneo Notorious BIG,

RUSSELL SIMMONS. VER CAPÍTULO DE EMPRENDIMIENTO.

WILL SMITH (1968–) Artista de rap, actor

Will Smith, nacido el 25 de septiembre de 1998 en Wynnefield, Pensilvania, se convirtió en un exitoso músico de rap a fines de la década de 1980 y tuvo un exitoso programa de televisión a principios de la década de 1990. Para el cambio de siglo, personificó a la mega estrella de los medios, acumulando álbumes de ventas multiplatino y éxitos de taquilla de películas.

A la edad de 18 años, Smith y Jeff Townes formaron el dúo de rap DJ Jazzy Jeff and the Fresh Prince. Tuvieron éxito en la escena local, y después de conseguir un contrato discográfico con Jive Records, lanzaron Rock the House en 1987. Su segundo álbum, He the DJ, I’m the Rapper, fue lanzado un año después. Se convirtió en uno de los álbumes de rap más vendidos hasta ese momento debido principalmente al éxito del sencillo “Parents Just Don’t Understand”. Ese año, el sencillo también le valió al dúo un premio Grammy a la mejor interpretación de rap. DJ Jazzy Jeff y Fresh Prince lanzaron tres álbumes más, And in This Corner. . . (1989), Homebase (1991) y Code Red (1993).

La popularidad de Smith como músico de rap lo llevó a un papel protagónico en la comedia de situación de NBC The Fresh Prince of Bel-Air. El programa tuvo éxito y se desarrolló de 1991 a 1996, lo que le valió a Smith una nominación al Globo de Oro al mejor actor en un programa de televisión en 1992. Smith también comenzó a aparecer en largometrajes, consiguiendo papeles en Where the Day Takes You (1992), Six Degrees of Seperation (1993), Made in America (1993) y Bad Boys (1995).

El éxito de taquilla de Independence Day (1996) estableció a Smith como una gran estrella de cine capaz de utilizar tanto la acción como la comedia en un papel. Le siguieron Men In Black (1997), Enemy of the State (1998) y Wild Wild West (1999). Sus habilidades como actor dramático se mostraron en The Legend of Bagger Vance (2000) y Ali (2001). Además de los elogios de la crítica, Smith recibió una nominación al Oscar por su interpretación del ex campeón de peso pesado. Smith siguió la actuación con Men In Black II (2002). Protagonizó o apareció en varias otras películas: Ali (2001), Men in Black II (2002), Girlfriend by B2K (2002) (video musical), Bad Boys II (2003), el documentalista A Closer Walk (2004) , Jersey Girl (2004), American Chopper (2004), Yo, Robot (2004) Shark Tale (2004, voz) otro documental, Hay un Dios en el micrófono (2005), como productor y protagonista en Hitch (2005), y The Pursuit of Happyness (2006), como protagonista y productor. Su hijo apareció en la película con él.

Además de su trabajo como actor, Smith continuó haciendo álbumes de rap bien recibidos. Lanzó Big Willie Style en 1997. El álbum contenía los exitosos sencillos “Gettin ‘Jiggy Wit It”, “Miami” y “Just the Two of Us”. Smith siguió con dos álbumes en solitario más, Willenium (1999) y Born to Reign (2002). Los álbumes colaborativos retrospectivos incluyen Platinum & Gold Collection, 2003 y Best of DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince, 2006 y álbumes en solitario Born to Reign y Greatest Hits tanto en 3003 como Lost and Found en 2005.

DONNA SUMMER (1948–) Cantante

Donna Summer, una de las mayores estrellas de la era disco, se hizo notar por primera vez con un vibrante éxito europeo, luego pasó a la popularidad generalizada. Ella gobernó las listas de éxitos hasta finales de la década de 1970, aunque la desaparición de la música disco la dejó sin más remedio que simplificar su estilo. Aunque su popularidad disminuyó en los años siguientes, se convirtió en una de las pocas estrellas de la época en trascender el kitsch que la rodeaba.

Nacida como Donna Gaines en Boston, la cantante tuvo su primera oportunidad cuando fue elegida para una producción itinerante de un musical de rock. Mientras estaba en Alemania conoció a Helmut Sommer, con quien se casó; Más tarde conoció al productor italiano Giorgio Moroder, quien produjo su primer éxito, “Love to Love You Baby”. Los gemidos y gemidos de Summer fueron su ruta inicial al estrellato. Sin embargo, a fines de la década de 1970, amplió continuamente su rango. Sus éxitos incluyeron una versión del estándar pop “Macarthur Park”, así como “On the Radio”, “Bad Girls”, “Hot Stuff” y “Last Dance”.

Summer se convirtió en un cristiano renacido a principios de la década de 1980 y gradualmente se volvió hacia la música inspiradora. Obtuvo premios Grammy a la mejor interpretación inspiradora en 1984 y 1985, pero apareció cada vez con menos frecuencia en el mundo del pop. Summer continúa produciendo, y en los últimos años ha lanzado más álbumes, incluida una grabación de su concierto de VH1 llamado VH1 Presents: Live More Encore! en 1999 y Greatest Hits 2001 en 2001. En 2003, Donna Summer lanzó una compilación de grandes éxitos llamada The Journey,que se disparó al Top 10 del Reino Unido al año siguiente. El 20 de septiembre de 2004, Summer estuvo entre los primeros artistas en ser incluidos en el recién formado Salón de la Fama de la Música Dance en la ciudad de Nueva York. Fue incluida en dos categorías, artistas incorporados, junto con otras leyendas del disco The Bee Gees y Barry White, y miembros de la discográfica por su éxito clásico “I Feel Love”. En julio de 2006, Summer unió fuerzas con Pure Tone Music, una compañía de música independiente de servicio completo y consultoría de A&R, ubicada en las afueras de la ciudad de Nueva York.

TINA TURNER (1939–) Cantante

Con una carrera musical que abarca más de 30 años, Tina Turner ha llegado a ser conocida como la “mujer más trabajadora del mundo del espectáculo”. De estrella de la música soul a diosa del rock, el estilo vocal y el enérgico acto escénico de Turner siguen siendo un fenómeno espectacular.

Nacida como Annie Mae Bullock el 25 de noviembre de 1939 en Brownsville, Tennessee, Turner se mudó a Knoxville con sus padres a los tres años. Turner cantó por primera vez en coros de iglesias y en concursos de talentos locales. Después de mudarse con su madre a St. Louis a los 16 años, Turner conoció al pianista Ike Turner, líder del grupo de R&B Kings of Rhythm. Contratada por la banda para cantar en compromisos de fin de semana, Annie Bullock se casó con Ike Turner en 1958 y tomó el nombre artístico de Tina Turner. Cuando el cantante de la sesión programada de la banda no apareció en una sesión de grabación en 1960, Tina comenzó a grabar la canción de R&B “Fool in Love”, que se convirtió en un millón de ventas.

Con un gran éxito detrás de ellos, los Turner formaron Ike y Tina Turner Revue, junto con los Ikettes. Los Turner tuvieron un gran éxito internacional en 1966 cuando el productor Phil Spector combinó su enfoque de “muro de sonido” con un sonido de R&B para grabar el éxito “River Deep, Mountain High”. Sometida a años de abuso físico por parte de su esposo, Turner se divorció de Ike en 1976 y emprendió una carrera en solitario. Ese mismo año coprotagonizó la película de ópera rock de The Who, Tommy como la reina del ácido.

En 1984, la carrera de Turner se disparó con el éxito comercial del álbum Private Dancer, que incluía los exitosos sencillos “What’s Love Got to Do With It” y “Better Be Good”. La imagen sensualmente vibrante de Turner pronto apareció en videos de alto presupuesto, portadas de revistas y en películas como Mad Max 3: Beyond the Thunderdome, en 1985, en la que interpretó a la tiránica Aunty Entity. Con el inmenso éxito comercial de su álbum de 1989 Foreign Affair, Turner cerró la década como una de las cantantes más populares de la escena musical internacional.

En 1991, Tina e Ike Turner fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Ese mismo año, Turner lanzó el álbum Simply The Best y, en 1993, se estrenó una película basada en su vida y protagonizada por Angela Bassett. En 1996, Turner volvió a grabar con Wildest Dreams. Debido a la popularidad del álbum, Turner volvió a hacer giras en 1997. Continuó de gira hasta 2001 y también encontró tiempo para sacar el álbum Twenty Four Seven. Turner anunció en 2001 que cuando su gira mundial más actual, comenzada en 2000, terminara, también terminaría de gira para siempre. No ha anunciado planes para retirarse definitivamente de la música. En 2004, Turner lanzó su último álbum recopilatorio, All the Best, que hizo su debut en Billboard 200 más alto de su carrera, ingresando en el número dos. En 2005 fue homenajeada en el Kennedy Center.

LUTHER VANDROSS (1951-2005) Cantante, Compositor, Productor

Uno de los principales artistas pop de la década de 1980, Luther Vandross fue responsable del surgimiento de una nueva escuela de cantantes de soul modernos. Nacido en la ciudad de Nueva York el 20 de abril de 1951, Vandross era hijo de un cantante de gospel y vocalista de una big band. Vandross recibió su educación musical escuchando grabaciones de Aretha Franklin and the Supremes. En la escuela secundaria, Vandross formó numerosos grupos de canto. A lo largo de la década de 1970, fue excelente como cantante de fondo, actuando con artistas como David Bowie, Carly Simon y Ringo Starr. También cantó jingles publicitarios como el tema de ATT “Reach Out and Touch”.

Tras el lanzamiento de su primer álbum Never Too Much en 1981, Vandross fue llamado a cantar a dúo con varios artistas pop, incluidos Aretha Franklin y Dionne Warwick. Como escritor y productor exitoso, Vandross lanzó cinco álbumes en la década de 1990, incluido el lanzamiento de 1991 Power of Love, que fue multiplatino, Never Let Me Go en 1993, Your Secret Love en 1996 y I Know en 1998. Vandross ha continuado siendo prolífico en los últimos años, viajando y produciendo álbumes como Smooth Love en 2000 y el homónimo Luther Vandross en 2001. En 2001, Vandross ganó un American Music Award en la categoría de “artista masculino favorito de soul / rhythm blues”. Produjo una serie de álbumes antes de su muerte, Power of Love, 2001 y tres en 2003 Dance with my Father, The Essential Luther Vandross y Live from Radio City Music Hall.

MARY WELLS (1943-1992) Cantante

Nacida en 1943 y criada en Detroit, Michigan, Mary Wells comenzó su carrera musical como solista destacada en el coro de su escuela secundaria. A los 17 años, Wells firmó un contrato con Motown. Con Smokey Robinson como su principal productor y escritor, Wells obtuvo una serie de éxitos como “No quiero arriesgarme” en 1961, “You Beat Me to the Punch” en 1962 y “My Guy” en 1964. En el mismo año, grabó el álbum Together with Marvin Gaye y realizó una gira por Inglaterra con The Beatles.

En la cima de su carrera, Wells dejó el sello Motown para convertirse en actriz. Después de mudarse a Los Ángeles, firmó un contrato con Twentieth Century Fox Records. Desafortunadamente, Wells nunca pudo encontrar un productor que igualara la capacidad de Robinson para grabar su material. Su sencillo debut en 1965 “Use Your Head” logró sólo un modesto éxito comercial. En la década de 1970, Wells dejó la música para criar a sus hijos. Durante un breve período estuvo casada con Cecil Womack, hermano del gran rhythm and blues Bobby Womack.

Durante la década de 1980, Wells regresó a la música actuando en el circuito de los clásicos. En 1985 apareció en el especial de televisión “Motown’s 25th Anniversary”. Con el diagnóstico de cáncer de laringe en agosto de 1990, Wells, sin seguro médico para pagar el tratamiento, perdió su hogar. No mucho después, la Fundación Rhythm and Blues recaudó más de $ 50,000 para los costos hospitalarios de Wells. También enviaron fondos artistas como Bruce Springsteen, Rod Stewart y Diana Ross. A pesar de los tratamientos de quimioterapia, Wells murió el 26 de julio de 1992 y fue enterrado en Forest Lawn Memorial Park en Los Ángeles.

JACKIE WILSON (1934-1984) Cantante

Entre 1958 y 1963, Jackie Wilson reinó como una de las cantantes de rhythm and blues más populares de Estados Unidos. Vestido con trajes de piel de tiburón y luciendo un peinado de proceso, Wilson exhibió una actuación dinámica en el escenario y un rango de canto que igualaba a sus contemporáneos James Brown y Sam Cooke.

Jack Leroy Wilson nació el 9 de junio de 1934 en Detroit, Michigan. La madre de Wilson cantó canciones espirituales y gospel en Mother Bradley’s Church. De joven, escuchó las grabaciones de Mills Brothers, Ink Spots y Louis Jordan. En la escuela secundaria se convirtió en boxeador y, a los 16 años, ganó el título de peso welter de los guantes de oro aficionados estadounidenses. Pero ante la insistencia de su madre, Wilson dejó el boxeo y siguió una carrera en la música. Cuando era adolescente, Wilson cantó con los Falcons en clubes locales y en concursos de talentos que se llevaban a cabo en el Paradise Theatre. También trabajó en un grupo espiritual con miembros posteriores de Midnighters de Hank Ballard.

En 1953 Wilson reemplazó a Clyde McPhatter como cantante principal de Dominoes. El único éxito de Wilson con el dominó fue la reelaboración del estándar religioso “St. Teresa de las Rosas “. Tras el éxito de la grabación, Wilson firmó un contrato como solista con el sello Brunswick. El álbum debut de Wilson de 1957, Reet Petite, presentó la exitosa canción principal que fue escrita por los compositores Berry Gordy Jr. y Billy Taylor. El equipo de compositores de Gordy y Taylor también proporcionó a Wilson los éxitos posteriores “To Be Loved” en 1957, “Lonely Teardrops” en 1958 y “That’s Why I Love You So” y “I’ll Be Satisfied” en 1959.

A principios de la década de 1960, Wilson realizó y grabó numerosas adaptaciones de composiciones de música clásica en un estilo de balada canturreada. Este material, sin embargo, no logró sacar a relucir el poderoso talento del estilo vocal R&B de Wilson. Aunque el repertorio de Wilson contenía principalmente estándares de clubes nocturnos, logró producir los poderosos clásicos del pop “Dogging Around” en 1960 y “Baby Workout” en 1963. Junto con el escritor y productor Carl Davis, Wilson también grabó el éxito “Whispers” y obra maestra de rhythm and blues “Higher and Higher” en 1967.

Después del último gran éxito de Wilson, “I Get the Sweetest Feeling” en 1968, actuó en el circuito de clásicos y en “Good Of ‘Rock’ n ‘Roll Revue” de Dick Clark. En 1975, Wilson sufrió un grave ataque cardíaco en el escenario del Latin Casino en Cherry Hill, Nueva Jersey. Obligado a retirarse, Wilson pasó sus últimos ocho años en un hogar de ancianos hasta su muerte el 21 de enero de 1984.

MARY WILSON (1944–) Cantante

Como miembro del supergrupo de Motown The Supremes, la carrera musical de Mary Wilson representa una historia de éxito estadounidense. Nacido el 6 de marzo de 1944 en Greenville, Mississippi, Wilson se mudó a Detroit a los 11 años. Criada en el proyecto de viviendas Brewster-Douglas en el lado este de la ciudad, Wilson aprendió a cantar imitando la voz en falsete de Frank Lyman. Junto con Barbara Martin y Betty Travis, Wilson formó Primettes. Tras la partida de Travis, otra chica del vecindario llamada Diana Ross se unió al grupo. Apareciendo en concursos de talentos y saltos de calcetines, las Primettes ganaron el primer premio en el concurso de talentos del Festival de la Libertad de Detroit / Windsor de 1960. Aunque las Primettes grabaron dos sencillos en el sello Lupin con Wilson en la voz principal, no lograron el éxito comercial.

El 15 de enero de 1961, Wilson, de 16 años, y sus compañeras de Primette Diana Ross, Florence Ballard y Barbara Martin firmaron con el sello Motown como Supremes. Sin embargo, el esfuerzo de Wilson por ganar el puesto vocal principal pronto dio paso al dominio de Diana Ross. Lanzado en 1964, el primer sencillo de oro del grupo “Where Did Our Love Go?” hizo a Wilson y las Supremes celebridades de la noche a la mañana. Entre 1964 y 1968, Wilson cantó coros en varios éxitos, entre ellos “Baby Love”, “You Can’t rush love” y “Reflections”. Antes de dejar el grupo en 1976, Wilson también cantó grabaciones como “Love Child”, “I’m Living in Shame” y “Someday Will Be Together”.

En 1983, Wilson se reunió brevemente con las Supremes en el especial de televisión “Motown’s 25th Anniversary”. En 1994, Wilson se convirtió en el centro de atención de los medios cuando un automóvil que conducía se volcó y mató a su hijo. El accidente puso fin a su enemistad de larga data con Diana Ross. En 2000, Wilson consideró volver a salir de gira con Ross and the Supremes, pero las negociaciones no funcionaron. En cambio, Wilson decidió volver a la escuela y, en 2001, obtuvo una licenciatura en artes de la Universidad de Nueva York. Wilson, que vive en Los Ángeles, aparece ocasionalmente en el circuito de clásicos y en pequeños espectáculos de avivamiento de Supremes. Ocasionalmente también actúa, graba y hace apariciones en televisión y cine.

NANCY WILSON (1937–) Cantante

Nancy Wilson nació en Chillicothe, Ohio, en 1937. Su talento musical se notó por primera vez cuando, cuando era niña, actuó para su familia en varias reuniones. Las actuaciones continuaron cuando Wilson se convirtió en miembro del coro de su iglesia. La influencia de artistas como Billy Eckstine y Nat “King” Cole ayudó a Wilson a determinar que cantar sería su carrera. Cuando era adolescente, Wilson y su familia se mudaron a Columbus, Ohio. Wilson pronto se convirtió en la presentadora de su propio programa de radio, Skyline Melody, durante el cual actuó solicitando por teléfono.

En 1955, Wilson se inscribió en clases en el Central State College de Ohio para obtener credenciales de enseñanza. Sin embargo, su paso por la escuela fue de corta duración, ya que Wilson se retiró para seguir su carrera como cantante. Pasó los siguientes tres años de gira por el país como miembro de la Carolyn Club Band de Rusty Byrant. La experiencia que Wilson adquirió mientras estaba de gira le dio el valor para ir en solitario. La ciudad de Nueva York se convirtió en el nuevo hogar de Wilson cuando su carrera se disparó.

Poco después de su llegada a la Gran Manzana, Wilson obtuvo un trabajo permanente en un club nocturno local. Pronto se corrió la voz de sus magistrales interpretaciones por toda la ciudad, lo que provocó una sesión de grabación con Capitol Records. 1960 marcó el lanzamiento de su álbum debut Like in Love y la grabación de su primer gran éxito titulado “Save Your Love for Me”. How Glad I Am ganó un Grammy en 1964, comenzando una racha de 30 años de elogios.

La mezcla de Wilson de ritmos y blues, jazz y estilos pop cautivó a miles de fanáticos de todo el mundo. Los ejecutivos de televisión comenzaron a aprovechar los talentos de Wilson, ofreciéndole un programa de variedades semanal. El show de Nancy Wilson, ganador del premio Emmy, fue simplemente el comienzo de las apariciones en televisión de Wilson. Pronto siguieron los lugares para invitados en el Tonight Show, Merv Griffin Show y Today Show.

A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, la tecnología comenzó a influir en la forma en que se realizaban las grabaciones de estudio. Wilson continuó grabando y girando a pesar de las diferencias con varias compañías discográficas sobre temas

de sonido. No obstante, fue nombrada Artista Global del Año en 1986 por la Conferencia Mundial de Alcaldes y la NAACP también le otorgó su Premio de Imagen ese año.

Igual de anunciada en la década de 1990, la 55ª grabación de Wilson se completó en 1997. En 2001, lanzó su primer álbum navideño, A Nancy Wilson Christmas. Con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, un premio Essence, un premio del Centro Martin Luther King para el Cambio Social y un premio Trumpet a su nombre, el grupo de honores de Wilson es un símbolo de su atemporalidad y un testimonio de la lealtad de sus fans. . Wilson lanzó RSVP (Rare Songs, Very Personal), que se lanzó en 2004. Ganó un premio Grammy 2005 al Mejor Álbum Vocal de Jazz y el Premio NAACP Image 2005 al Mejor Artista de Jazz. Otros honores que Wilson ha recibido incluyen una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, calles y días dedicados en su nombre, doctorados honorarios y, en 2005, el Premio de la Trompeta de la UNCF que celebra los logros afroamericanos, un premio Lifetime Achievement Award de la NAACP en Chicago y el premio Legends de Oprah Winfrey. Wilson se retiró de las giras, pero aún continúa realizando compromisos selectos y grabando. El tercer álbum de Nancy con MCG Jazz, Turned to Blue ganó otro Grammy en 2006.

STEVIE WONDER (1950–) Cantante, pianista, compositora

El genio compositor y cantante de música popular Stevie Wonder se ha mantenido a la vanguardia del cambio musical. Sus coloridos arreglos armónicos se han inspirado en el jazz, soul, pop, reggae y nuevos ritmos jack derivados del rap. El don de Wonder a la música pop es su capacidad para crear música seria que se ocupe de problemas sociales y políticos y, al mismo tiempo, revela la naturaleza conmovedora y profundamente misteriosa de la experiencia humana.

Steveland Morris Judkins nació el 13 de mayo de 1950 en Saginaw, Michigan. Criada en Detroit, Wonder cantó por primera vez en el coro de la iglesia. Lo más atraído por los sonidos de Johnny Ace y BB King, que escuchó en los programas de radio nocturnos. A los ocho años, Wonder aprendió a tocar el piano, la armónica y los bongos. A través de las conexiones del miembro de Miracles, Ronnie White, Wonder hizo una audición para Berry Gordy Jr. quien, inmediatamente contratando al prodigio de 13 años, le dio el nombre artístico de Little Stevie Wonder. Después de lanzar sus primeros sencillos “Thank You (For Loving Me All the Way)” y “Contract of Love” en 1963, “Fingertips, Pt. 2 ”se convirtió en la primera interpretación en vivo de una canción en alcanzar la cima de las listas de éxitos. Ese año Wonder también se convirtió en el primer artista discográfico en ocupar el puesto número uno en Billboard Hot 100, R&B Singles y listas de álbumes. simultaneamente. Al año siguiente, Wonder llegó a las listas de éxitos con “Hey Harmonica Man”.

Con el éxito de su carrera discográfica, Wonder comenzó a realizar giras con más frecuencia. Motown asignó a Wonder un tutor de la Escuela para Ciegos de Michigan, lo que le permitió continuar su educación mientras viajaba. En 1964, actuó en Londres con Motown Revue, un paquete que presentaba a Martha and the Vandellas, the Supremes y the Temptations. La grabación posterior de Wonder del impactante sencillo de ritmo y blues “Uptight (Everything’s Alright)” se convirtió en un gran éxito en 1966. El creciente éxito comercial de Wonder en Motown le brindó una mayor libertad artística en el estudio. En colaboración con Clarence Paul, Wonder produjo una larga sucesión de éxitos como “Blowing in the Wind” de Bob Dylan en 1966, “I Was Made to Love Her” en 1967 y “For Once in My Life” en 1968. En 1969, El presidente Richard Nixon le otorgó a Wonder un Premio al Servicio Distinguido del Comité del Presidente sobre Empleo de Personas Discapacitadas. Ese año, My Cherie Amour generó un sencillo con el mismo nombre.

Después de grabar el álbum de 1970 Signed, Sealed Delivered, con la canción principal, Wonder se mudó a la ciudad de Nueva York, donde fundó Taurus Production Company y Black Bull Publishing Company, ambas con licencia de Motown. Con un control total sobre su carrera musical, Wonder comenzó a escribir letras sobre temas sociales y políticos. A través de la técnica de sobregrabación, tocó la mayoría de los instrumentos en sus grabaciones, incluida la guitarra, el bajo, los cuernos, la percusión y los brillantes solos de armónica cromática. Music From My Mind, Talking Book e Inversions cuentan con el distintivo acompañamiento de sintetizador de Wonder.

Lanzado en 1979, Wonder’s Journey Through the Secret Life of Plants fue una banda sonora musical exploratoria para un documental cinematográfico. En 1984, la banda sonora de Wonder para la película Woman in Red le valió un premio de la Academia a la mejor canción con “I Just Called To Say I Love You”. Un año más tarde, Wonder participó en la grabación de “We Are the World” para USA for Africa, un proyecto de alivio de la hambruna. También se asoció con Paul McCartney para el exitoso sencillo “Ebony and Ivory”. El álbum de Wonder de 1985, Square Circle, produjo los exitosos sencillos “Part Time Lover” y “Overjoyed” y ganó un Grammy. Después de que el ganador de 15 premios Grammy fuera incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1989, compuso material para la banda sonora de la película Jungle Fever de Spike Lee. Ocho años en la fabricación Conversation Piece de 1995 llegó a los fanáticos el mismo año que la grabación en vivo doble Natural Wonder. También contribuyó a la grabación de tributo Inner City Blues: The Music of Marvin Gaye y a Q’s Jook Joint de Quincy Jones. Ganó un premio Essence ese año. Wonder también ha fundado los premios SAP / Stevie Wonder Vision Awards, que se otorgan a la investigación y los productos que permiten a las personas con discapacidad visual ingresar a la fuerza laboral. En 2000, el presidente Bill Clinton rindió homenaje a Wonder en el programa Kennedy Center Honors en Washington, DC En 2002, Wonder recibió un premio a la trayectoria del Songwriters Hall of Fame en Nueva York. Wonder también ha fundado los premios SAP / Stevie Wonder Vision Awards, que se otorgan a la investigación y los productos que permiten a las personas con discapacidad visual ingresar a la fuerza laboral. En 2000, el presidente Bill Clinton rindió homenaje a Wonder en el programa Kennedy Center Honors en Washington, DC En 2002, Wonder recibió un premio a la trayectoria del Songwriters Hall of Fame en Nueva York. Wonder también ha fundado los premios SAP / Stevie Wonder Vision Awards, que se otorgan a la investigación y los productos que permiten a las personas con discapacidad visual ingresar a la fuerza laboral. En 2000, el presidente Bill Clinton rindió homenaje a Wonder en el programa Kennedy Center Honors en Washington, DC En 2002, Wonder recibió un premio a la trayectoria del Songwriters Hall of Fame en Nueva York.

En 2004, la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 15 en su lista de los 100 mejores artistas de rock and roll de todos los tiempos. El primer álbum nuevo de Wonder en diez años, A Time to Love, fue lanzado en 2005 y cuenta con Prince en la guitarra y coros de En Vogue. Un segundo sencillo, From the Bottom of My Heart es, fue un éxito en la radio de R&B contemporáneo para adultos. El álbum también incluye un dueto con India Arie en la canción principal A Time to Love. Wonder ha recibido 22 premios Grammy, incluido uno en 2007 con Tony Bennett, Mejor Colaboración Pop con voz para la canción For Once in My Life. El programa American Idol de 2007 presentó a los finalistas cantando éxitos de Stevie Wonder y una aparición especial del propio Wonder.

GANADORES DE PREMIOS

PREMIOS GRAMMY

Record del año

1963: “No puedo dejar de amarte”, Count Basie

1967: “Arriba, arriba y lejos”, 5th Dimension

1969: “Acuario / Deja que entre el sol”, quinta dimensión

1972: “La primera vez que vi tu rostro”, Roberta Flack

1973: “Killing Me Softly with His Song”, Roberta Flack

1976: “Esta mascarada”, George Benson

1983: “Beat It”, Michael Jackson

1984: “¿Qué tiene que ver el amor con eso”, Tina Turner

1985: “We Are the World”, Estados Unidos para África; producido por Quincy Jones

1988: “No te preocupes, sé feliz”, Bobby McFerrin

1991: “Inolvidable”, Natalie Cole con Nat “King” Cole

1993: “Siempre te amaré”, Whitney Houston

2004: “Here We Go Again”, Ray charles y Norah Jones

Álbum del año

1973: Innervisions, Stevie Wonder; producido por Stevie Wonder

1974: Primer final de cumplimiento, Stevie Wonder; producido por Stevie Wonder

1976: Canciones en clave de vida, Stevie Wonder; producido por Stevie Wonder

1983: Thriller, Michael Jackson; producido por Quincy Jones

1984: No se puede desacelerar, Lionel Richie; producido por Lionel Richie y James Anthony Carmichael

1990: Back on the Block, Quincy Jones; producido por Quincy Jones

1991: Inolvidable, Natalie Cole; producido por David Foster, Andre Fischer, Tommy LiPuma

1999: La mala educación de Lauryn Hill, Lauryn Hill; producido por Lauryn Hill

2003: Speakerboxxx: The Love Below, Outkast, producido por Carl Mo

2004: Genius Loves Company, Ray Charles y varios artistas, producido por John Burk, Don Mizell, Phil Ramone y Herbert Waltl

PREMIO PULITZER

Música: premios especiales y menciones

1976: Scott Joplin

1996: George Walker

1997: Wynton Marsalis

1999: Edward Kennedy “Duke” Ellington (premio especial, otorgado póstumamente)

SALA DE LA FAMA DEL ROCK AND ROLL

1986: Chuck Berry; James Brown; Ray Charles; Sam Cooke; Grasas Domino; Little Richard; Robert Johnson; Jimmy Yancey

1987: Los posavasos; Bo Diddley; Aretha Franklin; Marvin Gaye; Louis Jordan; BB ing; Clyde McPhalter; Smokey Robinson; Big Joe Turner; T-Bone Walker; Aguas fangosas; Jackie Wilson

1988: Los vagabundos; Barry Gordy Jr .; Las Supremes

1989: Las manchas de tinta; Otis Redding; Bessie Smith; Los agitadores del alma; Las tentaciones; Stevie Wonder

1990: Louis Armstrong; Hank Ballard; Charlie Christian; Las cuatro cimas; Holanda, Dozier y Holanda; Las bandejas; Ma Rainey

1991: La Vern Baker; John Lee Hooker; Howlin ‘Wolf; Las Impresiones; Wilson Pickett; Jimmy Reed; Ike y Tina Turner

1992: Bobby “Blue” Bland; Booker T. y los MG; Jimi Hendrix; Hermanos Isley; Elmore James; Doc Pomus; Profesor Longhair; Sam y Dave

1993: Ruth Brown; Etta James; Frankie Lymon y los adolescentes; Sly y la piedra de la familia; Dinah Washington

1994: Willie Dixon; Bob Marley; Johnny Otis

1995: Al Green; Martha y las Vandellas; Los orioles

1996: el pequeño Willie John; Gladys Knight y los Pips; Las Shirelles

1997: Mahalia Jackson; Los Jackson Five; Parlamento

1998: Jelly Roll Morton; Precio de Lloyd

1999: Charles Brown; Curtis Mayfield; Los cantantes básicos

2000: Nat “King” Cole; Rey Curtis; Tierra, Viento, y Fuego; Billie Holiday; James Jamerson; Los Moonglows; Earl Palmer

2001: Solomon Burke; Los flamencos; Michael Jackson; Johnnie Johnson

2002: Isaac Hayes

2004: Prince; Los Dells

2005: Percy Sledge; Los O’Jays

2006: Miles Davis