Música rap

Publicado el 15 noviembre, 20215 min de lectura

Rap es un término afroamericano que describe una forma estilizada de hablar. Las características sobresalientes de un rap incluyen metáfora, fanfarronería, repetición, expresiones de fórmula, doble sentido, mimetismo, rima y “significado” (es decir, referencias indirectas y alusiones). Los folcloristas dan crédito a la introducción del término a las masas por parte del nacionalista negro H. “Rap” Brown de la década de 1960, cuyo nombre de alabanza “rap” sugería su dominio de una forma “moderna” de hablar, acertadamente llamada rappin ‘. Aunque Brown es elogiado por el nombre de este género, las raíces del rap se pueden rastrear desde formas orales negras sureñas como brindis, blues, canciones de juegos (p. Ej., “Ham-bone”) hasta jive callejero urbano del norte , todos los cuales hacen uso de las características antes mencionadas.

Mientras que los antecedentes del rap se desarrollaron en el sur rural durante los siglos XVIII y XIX, su contraparte norte, jive, emergió en las comunidades urbanas como el prototipo del rap alrededor de la primera parte del siglo XX. Dan Burley, un estudioso de jive, observó que jive inicialmente circuló entre los habitantes negros de Chicago alrededor de 1921. El contexto principal de su desarrollo fue en entornos seculares alejados del hogar y los centros religiosos, como esquinas, tabernas y parques, conocidos entre los urbanitas negros. como “las calles”. Jive puede definirse como un estilo metafórico de comunicación mediante el uso de palabras y frases del inglés convencional estadounidense, pero reinterpretado desde una perspectiva afroamericana. Por ejemplo,

en la jerga del rap, el hombre se convierte en “gato”, la mujer se convierte en “chica” y la casa se convierte en “cuna”. El arte del jive residía en su capacidad de permanecer ingenioso y original, de ahí su constante fluctuación en el vocabulario a lo largo de los años.

Desde la década de 1920 hasta la de 1950, el jive proliferó a todos los niveles en el medio urbano :desde la iglesia hasta la esquina de la calle; pero también se incorporó a las obras literarias de notables escritores negros de la época, como Langston Hughes. Junto a su uso por escritores, jive se convirtió en el lenguaje de los músicos de jazz. “Jam” (pasar un buen rato), “malo” (bueno) y “hacha” (instrumento) son algunas palabras comunes en la lengua vernácula del jazz. A fines de la década de 1940 y 1950, este estilo urbano de hablar fue introducido por ondas de radio por dos disc jockeys de Chicago, Holmes “Daddy-O” Daylie y Al Benson, quienes utilizaron jive en la rima sobre la música. Incluso la poesía jactanciosa del ex campeón de peso pesado Muhammad Ali y del comediante Rudy Ray Moore, conocido por popularizar las grabaciones de audio de brindis como “Dolemite” y “The Signifying Monkey”, se trasladó aún más a la corriente principal estadounidense.

En la década de 1960, el nacionalista negro H. “Rap” Brown redefinió el jive y le dio un nuevo significado, que entrelazó sus discursos políticos con significado, rima y metáfora. Aunque el estilizado discurso de Brown inauguró el cambio del jive al rap, pronto ganó la aceptación popular entre los jóvenes admiradores urbanos como rappin ‘. Sin embargo, no fue hasta finales de la década de 1960 cuando el estilo de hablar de Brown fue acompañado por poetas políticos como los Watts Prophets de Los Ángeles, los últimos poetas de Harlem, Nikki Giovanni y el cantante, pianista y poeta Gil Scott-Heron. , quien recitó coplas en rima sobre un acompañamiento de percusión africana.

A finales de la década de 1960 y la de 1970, el rap al ritmo de la música surgió como dos estilos de canción distintos: el soul rap y el rap de estilo funk. El soul rap, un monólogo de rap que celebra las hazañas y los infortunios del amor, fue popularizado por Isaac Hayes y desarrollado por Barry White y Millie Jackson. El rap al estilo funk, presentado por George Clinton y su grupo Parliament, consistió en rapear monólogos sobre temas de fiesta. A diferencia de la música de los poetas políticos, los raps amorosos y de estilo funk no estaban en rima, sino más bien cantados libremente sobre un acompañamiento instrumental repetitivo. No obstante, estos artistas sentaron las bases para un tipo de poesía musical iniciada principalmente por la juventud afroamericana del Bronx llamada música rap: una forma musical que hace uso de la rima, el habla rítmica y la lengua vernácula callejera.

Hay ciertos factores que dieron origen a la música rap. Con la sobrecomercialización de formas de baile populares como la discoteca de la década de 1970, la geopolítica en el Bronx y la violencia constante de las pandillas de clubes en la ciudad de Nueva York, los jóvenes negros y latinos abandonaron la escena interior y regresaron a los parques de la ciudad del vecindario, donde crearon discotecas al aire libre, con un disc jockey (DJ) y un maestro de ceremonias (MC). Estas circunstancias son fundamentales para el desarrollo de la música rap, que está marcada por cuatro fases distintas: el DJ móvil (c. 1972 1978); el MC rima y el surgimiento del género de la música rap (1976 1978); principios de los años comerciales de la música rap (1979 de 1985); y la explosión del rap en la corriente musical principal (1986 presente).

Durante la primera fase, un DJ itinerante, el DJ móvil, proporcionó música interpretada en los parques de la ciudad del barrio. Los DJs móviles fueron evaluados por el tipo de música que tocaban, así como por el tamaño de sus sistemas de sonido. Al igual que los jockeys de la radio, los DJ móviles ocasionalmente hablaban con sus audiencias en raps mientras simultáneamente combinaban un disco tras otro, una hazaña facilitada por dos tocadiscos. Eran bien conocidos en sus propios distritos y contaban con el apoyo de seguidores locales. Entre los jinetes populares se encontraban Pete “DJ” Jones del Bronx y Grandmaster Flowers y Maboya de Brooklyn. El más innovador de los DJ móviles, cuya técnica de mezcla influyó enormemente en la futura dirección de sonido y producción de la música rap, fue Clive Campbell, nacido en Jamaica, conocido como Kool “DJ” Herc.

como “break-beats” o “beats” de varias grabaciones para crear una banda sonora completamente nueva.

Los contemporáneos de Herc incluyeron Grandmaster Flash, Grand Wizard Theodore y Afrika Bambaataa. Flash extendió el estilo de DJ de Jamaica con una técnica de mezcla llamada backspinning (girando un registro en sentido antihorario hasta el ritmo deseado, luego girando el segundo registro en sentido antihorario hasta la misma ubicación, creando así un efecto de eco) y “phasing” (repitiendo una palabra o frase de forma rítmica en un tocadiscos durante o entre otra grabación). Grand Wizard Theodore popularizó otra técnica de mezcla llamada “scratching” (mover un disco de un lado a otro de forma rítmica mientras la aguja del brazo de tono permanece en el surco del disco, produciendo un sonido de scratch). Bambaataa, por otro lado, perfeccionó el estilo de mezcla de Herc incorporando diversos ritmos que van desde soul, funk, y disco a temas comerciales de jingle y televisión. Pero, lo que es más importante, se le atribuye haber iniciado una organización no violenta llamada Zulu Nation. una organización juvenil compuesta por bailarines de break dance, grafiteros, DJs y MCs locales , que sentó las bases para un movimiento de masas de arte juvenil que llegó a conocerse como hip-hop. El hip-hop no solo abarcaba formas de arte callejero, sino que también denotaba una actitud expresada en forma de vestimenta, gestos y lenguaje asociados con la cultura callejera.

La segunda fase de la música rap comenzó a mediados de la década de 1970. Dado que mezclar discos se había convertido en un arte en sí mismo, algunos DJ sintieron la necesidad de un MC. Por ejemplo, con la contratación de los MC Clark Kent y Coke La Rock, Kool “DJ” Herc se convirtió en los Herculords. En muchas de sus actuaciones, Bambaataa también estuvo acompañado por tres MC, Cowboy (que no debe confundirse con Cowboy of the Furious Five), Mr. Biggs y Queen Kenya. Otros MC destacados durante esta fase fueron DJ Hollywood, Sweet G, Busy Bee, Kurtis Blow, Grandmaster Caz y Lovebug Starski (a este último se le atribuye el término “hip-hop”). Los MC hablaban intermitentemente, usando frases como “Levántate” y “Jam al ritmo”, y recitaban coplas con rimas para motivar a la audiencia a bailar mientras el DJ mezclaba discos. Sin embargo, fueron los MC de Grandmaster Flash, los Furious Five (Melle Mel, el intercambio de pareados o frases entre MCs de un modo de percusión, ingenioso, y en sincronía con la música del DJ como se ilustra mejor por su éxito “Libertad” (1980).

Durante la tercera fase del rap, los primeros años comerciales de 1979 a 1985, compañías discográficas independientes como Winley, Enjoy y Sugar Hill Records grabaron inicialmente música rap. De las tres, Sugar Hill Records, cofundada por Sylvia y Joe Robinson, logró convertirse en la primera compañía internacional de discos de rap, produciendo artistas y grupos como Sequence, Spoonie G., Lady B., Grandmaster Flash and the Furious Five y Sugarhill. Gang (mejor conocido por grabar la primera canción comercial de rap “Rapper’s Delight”). En 1982, Afrika Bambaataa fue pionera en el concepto de “electro-funk” con el rap .la fusión de “tecno-pop” o sonidos computarizados sintetizados con funk como se escucha en “Planet Rock” grabado por su grupo, Soul Sonic Force. El concepto electro-funk de Bambaataa marcó el comienzo de aventuras más experimentales con el rap a través del arte del muestreo, la reproducción digital de sonidos pregrabados , musicales o vocales , en unidades completas o fragmentarias en cualquier lugar a lo largo de una banda sonora completa.

La innovación musical de Bambaataa también proporcionó la transición del sonido comercial temprano del rap, conocido como la “vieja escuela”, al rap de la “nueva escuela”. El primero se refiere a innovadores e intérpretes anteriores de la música rap , por ejemplo, Kool Moe Dee, Melle Mel, Fat Boys y Whodini.

Los intérpretes de la “nueva escuela” son básicamente prot é g és de los pioneros, que comprenden los de la cuarta fase. En la cuarta fase (1986 hasta el presente), la música rap ganó acceso a la corriente musical principal. Antes de mediados de la década de 1980, este género recibió una reproducción de radio mínima fuera de las áreas urbanas. Contribuyendo a su ascenso a la corriente principal está Run-DMC y su fusión de la música rap con el rock popularizada por “Rock Box” (1984), la primera canción de rap emitida en la estación de videos de rock sindicada MTV, seguida de la interpretación del trío de Aerosmith. “Camina de esta manera” (1986). También contribuyó al éxito de Run-DMC la visión de su entonces gerencia, Rush Productions, fundada por Russell Simmons, el primer magnate “b-boy” del rap. Simmons y su socio comercial, Rick Rubin, cofundaron Def Jam Records. Su lista inicial de artistas consistió en LL Cool J,

A mediados de la década de 1980, la producción musical del rap pasó de la mezcla manual (manos en el tocadiscos) por los DJ a pistas producidas digitalmente facilitadas por cajas de ritmos, samplers y computadoras. Entre los grupos que trabajaron con unidades de producción se encontraba el acto nacionalista negro Public Enemy. The Bomb Squad, ideado por Hank Shocklee, produjo las pistas musicales de Public Enemy, sobre todo con sonidos muestreados de la música de James Brown y del funk de los setenta hasta extractos de discursos de los nacionalistas negros. Además, el uso de muestreo, ritmos de batería de estilo funk con bombo pesado (bombo), un estilo vocal bullicioso y agresivo de entrega y / o la aplicación de groserías y rimas de moderada a excesiva contribuyó al tono duro de la música rap, un estilo callejero. estilo estético llamado “mantenerlo real”.

Otros factores que contribuyeron a la apelación ampliado del rap en la corriente principal a mediados de la década de 1980 incluyeron la distribución de grabaciones de música rap independientes por los principales sellos discográficos y el surgimiento de MCs femeninas (por ejemplo, Roxanne Shant é , Salt N Pepa, MC Lyte, Queen Latifah) y el sonido diversificado del rap: rap con conciencia social (por ejemplo, Poor Righteous Teachers, X-Clan); rap de fiesta (por ejemplo, Kid ‘N’ Play, De La Soul, Big Daddy Kane, Biz Markie, DJ Jazz Jeff y Fresh Prince); un cruce entre fiesta y hardcore (por ejemplo, Eric B & Rakim, Schoolly D, Heavy D, EPMD).

Debido al uso del rap en la industria del entretenimiento para publicitar moda y otros productos, los artistas del rap incursionaron en la actuación desde la televisión hasta la pantalla grande. Algunos de estos primeros clásicos del cine son Wild Style (1983), Breakin ‘ and Breakin’ 2 (1984) y Krush Groove (1985).

Los últimos años de la década de 1980 y principios de la de 1990 marcaron cambios más estilísticos en el rap. Por ejemplo, el rap se fusionó con otros estilos como el rhythm and blues, apodado “new jack swing”, así como el jazz, como es evidente en actos como A Tribe Called Quest, Gang Starr, Digable Planets y Us3. Además, este cambio se expandió para incluir a artistas de California, quienes introdujeron un sonido de bajo pesado del rap con una sensación relajada.

Apodado comercialmente G-funk o “gangsta rap”, el sonido de la costa oeste está impulsado por la música funk y temas líricos sobre la dura vida en el gueto, el gangbanging y la represión policial. Los pioneros de la escena del rap de la costa oeste incluyen Toddy Tee, Ice-T y NWA, formados por Eazy-E junto con Dr. Dre, Ice Cube, MC Ren y DJ Yella. Sin embargo, es al Dr. Dre a quien se le atribuye el establecimiento de un sonido característico de la costa oeste identificado por los sonidos muestreados de Parliament y Funkadelics. En 1992, el Dr. Dre dejó NWA y unió fuerzas con el ex jugador de fútbol universitario y guardaespaldas Marion “Suge” Knight para formar Death Row Records. Tanto Knight, conocido por sus tácticas astutas pero brutales, como Dr. Dre, respetado por sus habilidades de producción musical, hicieron de Death Row una fuerza importante del subestilo del gangsta rap. Los artistas de grabación de Death Row incluyeron al Dr., 1992), Snoop Doggy Dogg, alternativamente conocido como Snoop Dogg ( Doggystyle , 1993), y Tupac Shakur o 2Pac ( All Eyez on Me , 1996). Este último fue considerado uno de los artistas más visionarios y prolíficos del sello, que también tuvo una floreciente pero efímera carrera como actor debido a su asesinato en 1996. Otros artistas de la costa oeste que aparecieron en escena son Digital Underground, MC Hammer, Paris, Too $ hort de Oakland y Sir-Mix-A-Lot de Seattle.

El rap gangsta fue explotado aún más por los Geto Boys of Houston y las letras sexualmente explícitas de 2 Live Crew of Miami, cuyo primer álbum, As Nasty as They Wanna Be , se convirtió en el primer caso de censura del rap.

En 1994, la música rap acogió a un MC de Brooklyn, Biggie Smalls o el Notorious BIG del sello Bad Boy Entertainment. Sean “Puffy” Combs, también conocido como “Puff Daddy” o “P. Diddy”, fundó Bad Boy en 1994 en un momento en que Death Row estaba en su apogeo comercial. Aunque Smalls empleó letras gráficas, también creó rimas para la radio sobre el romance urbano, complementadas por las producciones musicales soul-pop de Combs con graves pesados. Entre estas canciones estaban “Big Poppa” y “One More Chance” de Ready to Die (1994) y “Hypnotize” y “Mo Money Mo Problems” de Life After Death.(1997), publicado póstumamente. Al éxito de Small se unieron otros MC de la costa este: Jay-Z, Junior MAFIA con Lil ‘Kim, Nas, Terror Squad, Wu-Tang Clan, The Fugees y Busta Rhymes, por nombrar algunos. A pesar del éxito comercial, los raperos de la costa este y oeste finalmente sucumbieron a una rivalidad malsana que resultó en los asesinatos sin resolver de 2Pac y Biggie Smalls con casi seis meses de diferencia. No obstante, los artistas de rap lograron mejorar las rivalidades costeras promoviendo temas de unidad a través de proyectos musicales.

Si bien el gangsta rap sin duda impactó en el panorama del rap, un sonido “más sucio” surgió de Atlanta y Nueva Orleans, comúnmente conocido como “el sur sucio”. A veces llamado “crunk”, el estilo Dirty South se distingue por su bajo voluminoso, estribillos cantados y ejecución cantarina con un acento sureño notable. Un pionero de “The Dirty South” es Master P de Nueva Orleans, quien no solo es un MC sino también un exitoso empresario y fundador de No Limit Records. Similar a Russell Simmons, Sean Combs y Jay-Z, que poseen sellos discográficos y líneas de ropa (p. Ej., Phat Farm / Def Jam Rec., Sean John / Bad Boy Ent., Roca Wear / Roc-a-Fella Rec, respectivamente ), Master P se ha adentrado en el cine y la gestión deportiva. Los artistas afiliados a su sello son Tru, formado por sus hermanos Silkk the Shocker y C-Murder, su hijo Lil Romeo y el equipo de producción Beats by the Pound. Lo que distingue un sonido de hip-hop de Nueva Orleans de otros estilos de rap sureños son los golpes de la caja y un estilo de bajo en auge llamado “rebote”. Otros actos de rap destacados de Nueva Orleans incluyen a Juvenile y miembros de The Hot Boys (Lil ‘Wyne, BG y Turk) con el productor Mannie Fresh de Cash Money Records.

Atlanta estableció su lugar en el rap a principios de la década de 1990 con actos como Da Brat (de Chicago), Kriss Kross, el trío de rap / rhythm-and-blues TLC y el grupo de conciencia nacional Arrested Development. Sin embargo, su concepto “Dirty South”, ideado por Rico Wade y el equipo de producción Organized Noize, sentó las bases de su sonido único. Actos con sede en Atlanta (conocidos colectivamente como ATLiens) como OutKast, Goodie MOb y Ludacris han entrado con éxito en el siglo XXI, junto con el productor Lil Jon y sus afiliados.

Si bien la década de 1990 fue testigo de una proliferación de artistas de diversas áreas ( Nelly and the St. Lunatics of St. Louis, Three 6 Mafia of Memphis, Bone-Thugs-N-Harmony of Cleveland, Missy Elliott y Timbaland of Portsmouth) , el rap expandió su lista. para incluir actos no negros. Una vez que existieron a la sombra de los artistas negros, los actos de rap blancos ( Beastie Boys, Third Bass y House of Pain ) pasaron a tener una aceptación más amplia en la década de 1990. Tras su amarga salida de Death Row Records, Dr. Dre lanzó su propio sello, Aftermath. En dos años, agregó a Eminem, un MC blanco de Detroit, cuyo exitoso álbum debut, The Slim Shady LP (1999), y el segundo segundo, The Marshal Mathers LP. (2000), se convirtió en el primer álbum de rap nominado a los premios Grammy en la categoría “Mejor álbum del año”.

La música rap florece en la corriente principal a través de la televisión, el cine, los comerciales y la moda, lo que la convierte en un componente vital de la cultura juvenil, a nivel nacional e internacional. Debido a que los artistas de rap aportan a sus actuaciones todo lo que el hip-hop encarna desde la moda callejera, la actitud, los gestos y el lenguaje, el hip-hop se usa indistintamente con el rap y como un término de marketing para denotar la música rap. Aunque la industria del entretenimiento sigue explotando la música rap en la corriente principal y está sujeta a muchas críticas por parte de los medios de comunicación, otros escenarios como los locales clandestinos ( clubes locales y lugares de reunión en el vecindario ) siguen siendo sitios vitales para el sustento creativo del rap.

Consulte también Hip-Hop; Música en Estados Unidos; Ejecutar-DMC

Bibliografía

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cheryl l. keyes (1996)
Actualizado por el autor 2005